ProgLyrics（プログレッシヴ・ロック名詞選）

「アウトバーン」クラフトワーク

2012-02-11T16:10:00.002+09:00

原題：Autobahn

■Autobahn（アウトバーン）収録

ぼくらはアウトバーンをドライブ、ドライブ、ドライブ

ぼくらの前には広い谷

太陽はギラギラと輝いている

道路は灰色の帯に

白い縞模様に緑の縁取り

ぼくらはラジオのスイッチを入れる

そこから流れ出る音は：

ぼくらはアウトバーンをドライブ

We are driving are driving driving on the Autobahn
Before us is a wide valley
The sun is shining with glittering rays

The road is a gray band
White stripes, green edge
We are switching to the radio
From the speaker it sounds:
We are driving on the Autobahn ...

（英訳はGoogle翻訳によるものです）

【メモ】

ドイツのバンドKraftwerk（クラフトワーク：独読みだと“クラフトヴェルク”、『発電所（power station）』の意）によって1974年に発表された大ヒット作。ドイツ語の「autobahn」は英語の「high way」（高速道路）にあたる言葉だが、大文字で始まる「Autobahn」はドイツ・オーストリア・スイスを通る自動車専用高速道路を指す固有名詞である。

そして本作のアルバムタイトル曲は、LPの片面すべてを使った22分を越える大曲である。しかし「大曲」という言葉からイメージされるような大仰な展開も凝った仕掛けも、緩急織り交ぜた演奏の妙もない。淡々としたシンセサイザーによるエレクトロ・ビートの反復やシンセサイザーによるドップラー効果のような効果音が、聴く者をアウトバーンを疾走する車の中にいるような感覚にさせ、ある種のドラッグ感覚に近い高揚感や酩酊感をもたらす作品なのだ。

アウトバーンを走るということ自体は当時特別なことではなかったわけだが、この音には発売時のジャケット（右のジャケットはリマスター時のもの）の絵も含めて、1960年代頃に描かれた夢見る未来の図のような、不思議な感覚があった。アウトバーン自体が一部を除き速度無制限道路として有名であり、それがまた高速で移動する快楽の際限ない拡大をイメージさせる。

そこで歌われる歌の内容も単純である。思想も感情も思索も苦悩もない。ただ目の前の光景に気持ち良く吸い込まれていくのに身を任せているかのような感じだ。

最初の一行で現在「ぼくら」の置かれた状況が説明される。後は感覚的な描写である。視界に入ってくるのは「広々とした谷」は輝く太陽の光だ。延々と続く高速道路は「灰色の帯／白い縞／緑の縁」と抽象化して描写される。ラジオのスイッチを入れると、流れてくるのは「ぼくらはアウトバーンをドライブ」という言葉。ここではラジオからの音のようにイコライズされた声が響く。視覚と聴覚だけの世界。

ここでは歌詞は何かを暗示したり物語ったりするものではなく、逆にそこに物語はないことを示すような役割を担っているかのようである。

テクノ・ミュージックの祖と言われたりもするが、ここで聴ける音は思いの外アナログである。フルート、ギター、ピアノなどの音が切れ切れに、あるいは変調されて流れていく。それがまた今聴き直すと逆に彼らのオリジナリティとして感じられる。名作である。

「エミリーの歌」ムーディー・ブルース

2012-01-04T21:46:00.001+09:00

原題：Emily's Song

■Every Good Boy Deserves Favour（童夢）収録

君の微笑みが僕に届けることのできる

温かみを知ることが嬉しくて

僕は君にそれを伝えたいんだけど言葉じゃ君にはわからない

僕に子守唄を一つ歌っておくれ

譜面には書けないような曲の中から

そうしたら僕は耳を澄まそう愛のあるところに美が宿っているのだから

僕の人生の夜明けにおいても

人生の黄昏においても

僕は君の話す言葉の中で物事を理解していこうと思う

途切れることなく流れる川が

僕の足下を流れ続けている

そしてあまりにも早く僕は自力で立ち続けなければならなくなった

そこで僕が目を閉じたら

君がその目を僕のために開けてくれたんだ

もう僕らは未来に向って人生を旅しているんだ

僕の人生の夜明けにおいても
人生の黄昏においても
僕は君の話す言葉の中で物事を理解していこうと思う

人生が君に与えることができるもの全ての中で

真の愛情だけが君を最後まで助けてくれるだろう

そして君の話す言葉の中で傍らに立っていてくれるだろう

僕の人生の夜明けにおいても
人生の黄昏においても
僕は君の話す言葉の中で物事を理解していこうと思う

僕を君の世界へ連れて行っておくれ

僕は独りじゃ行けないんだ

だって僕はここに長く居過ぎたから

君は僕を置いていってしまうんだね

さあ僕と一緒に歩いておくれ

お伽噺の国へと

そして僕の心の中でその分厚い本を開いておくれ

そして僕の心の中でその長い物語の本を開いておくれ

そして僕の心の中でその分厚い本を開いておくれ
そして僕の心の中でその長い物語の本を開いておくれ

Lovely to know the warmth

Your smile can bring to me

I want to tell you but the words you do not know

Sing me a lullaby

Of songs you cannot write

And I will listen for there's beauty where there's love

And in the morning of my life

And in the evening of my day

I will try to understand in what you say...

Rivers of endless tides

Have passed beneath my feet

And all too soon they had me standing on my own

Then when my eyes were closed

You opened them for me

And now we journey through our lives to what will be

And in the morning of my life

And in the evening of my day

I will try to understand in what you say

Through all that life can give to you

Only true love will see you through

And will stand beside you now in what you say

And in the morning of my life
And in the evening of my day
I will try to understand in what you say

Take me into your world
Alone I cannot go
For I've been here so long
You're leaving me behind

Walk with me now
Into your land of fairy tales
And open up that book of pages in my mind
And open up that book of ages in my mind
And open up that book of pages in my mind
And open up that book of ages in my mind

【メモ】

英国のバンドMoody Blues（ムーディー・ブルース）が1971年に発表した傑作アルバム「Every Good Boy Deserves Favour」（良い子にしてれば誰だってご褒美がもらえるものさ：邦題「童夢」）収録の、フォーキーで美しさと温かさに満ちた一曲。

この曲はボーカル＆ベース担当のジョン・ロッジ（John Lodge）が、生まれたばかりの娘エミリーのことを歌ったものだということなので、それを念頭に置いて詩の内容を見ていきたいと思う。

歌は「僕」が「君」に独り語りするかたちを取っている。でも「言葉」によるコミュニケーションは成り立っていない。それは歌の背景にあるように「君」がまだ赤ん坊だからである。だから「君」は「微笑み」を「僕」に届けてくれて、それが喜びとなるけれど、その喜びを「言葉」で「君」に伝えようとしてもダメなのだ。

さらに「君」の歌う子守唄も、実際は唄ではない。それはきっと赤ん坊の可愛らしい声だ。だから「譜面には書けない曲」なのだ。だから「僕」は耳を傾ける。愛しているからこそその声に「唄」のような美しさを感じることができるのだ。

「僕」は「人生の夜明け（morning of my life）」から「人生の黄昏（evening of my day）」にかけて、つまり人生の全てを通して「I will try to understand in what you say（君が言っている言葉の中で（物事を）理解していこうと試みようと思う）」と言う。

この部分は微妙な言い回しで、思わず「君の言っていることを理解しようと…」と訳したくなるが、文法的には「what you say（君の言うこと）」は「understand（理解する）」の目的語にはなっていないのだ。

つまりまだしゃべれない「君」が言葉を使わずに「僕」に伝えてくれること、その温かみ（warmth）だったり喜びだったり幸せだったり、そういう言葉にならない思いの大切さを、「僕」は実感しているんじゃないかと思うのだ。そしてそれを大切に、物事を考え判断し生きていこうとしている、そんなふうにこの部分は読めるのである。「君」からのメッセージを読み解こうみたいなことではないのである。

続いて川の比喩が出てくる。止めることのできない水の流れが僕の足下を流れ続け、さらに僕はその流れの勢いに押されて、掴まるものもないまま一人立ち続けなければならなくなっていた。それは人生において、自分の意志とは関係なく日々の生活や社会の激しい流れの中で、今にも倒れそうになりながらかろうじて踏ん張っている自分自身を指しているのだろう。

目を閉じた（my eye were closed）僕は、もうあきらめかけていたのかもしれないし、あるいはただ立ち尽くすことだけに集中して何も見ようとしなくなっていた、つまり自分らしさを失いかけていたのかもしれない。でも「君」がその目を開けてくれたのだ、「僕」のために（または「僕の代わりに）。そして「その場に立ち続ける」という受け身な状態から、「二人の人生をともに旅する」という希望に満ちた前向きな姿勢に「僕」を変えてくれたのである。

その人生において「君」を最後まで助ける（see you through）のは真の愛だけ（only true love）であって、それはやはり言葉にならない「君」の世界に存在している。もちろん「僕」は自分がその真の愛を注ぎ続けると思っているに違いない。

さらにまだ言葉のない世界にいる赤ん坊の「君」に、言葉のある世界にいる「僕」は語りかける。「君の世界へ連れて行っておくれ」と。「僕」はそこに豊かな世界が広がっていることを知る。でも「君」がいるからそれを感じることができるのだ。「君は僕を置いていってしまうんだね」とは、別に非難したり悲しんだりしているわけではなく、その豊かな世界で自由に遊んでいる「君」をうらやんでいる言葉だろう。優しく「君」を見つめる「僕」の姿が目に浮かぶようだ。

「僕」はそれでも語りかける。お伽噺の国（your land of fairy tales）へ連れて行っておくれと。そこには現実世界への幻滅とか夢の世界への逃避とかいったものは微塵もなく、ただただ「僕」は「君」との二人だけの時間を楽しみ慈しんでいるかのようで微笑ましい。

最終連で「that book of pages」と「that book of ages」は押韻した表現となっているところが奇麗だが、両方とも「僕」の心の中で本を開いておくれと言っている。ここは「ページがたくさんある本」と「何世代もの事柄が書かれている本」というような感じに解釈した。両方とも今目の前のことに必死になっている自分の世界とは違った、悠久の時の流れを感じさせてくれるモノだ。

このように「君」はまだ赤ん坊なので何も言わないし何も答えない。でも「僕」はただその様子を見ているだけで、ある意味ギリギリの状態にいた人生を、新たな気持ちで再出発しようとしているのだ。「君」に無条件に注がれる愛情や感謝の気持ち、そして前向きな思い、そして言葉のない「君」の世界への憧れ。それらが一体となって、聴く人を豊かで優しい気持ちにさせてくれる名曲である。

ちなみにこの曲ではボーカルハーモニーや様々な楽器がオーバーダビングされている。ロッジ自身が弾いているチェロやチェレスタ（鉄琴のような音の出る鍵盤楽器）、終始やわらかに静かに流れ続けるメロトロン。一聴するとフォークギター弾き語りによる小品に思えるが、実は凝りに凝ったアレンジがなされているのだ。

そのためこの雰囲気を再現することは不可能として、人気のある曲なのに長い間ライブのセットリストには取り上げられなかった。ライブでの初演は1992年のオーケストラとの競演を待たねばならなかったと言う（Wikipediaより）。

「ツァラトゥストラ組曲」ムゼオ・ローゼンバッハ

2011-12-10T21:00:00.000+09:00

原題：Zarathustra

■「ツァラトゥストラ組曲（Zarathustra）」収録

a) 最後の人間

光に満ちた顔よ、わたしはあなたのことを話しているのである

あなたの物語は山脈に響くやまびこの中にあり

あまりに高みにあるためわれわれのところには降りてこない。

あなたの絶えることなき歩みの中にあなたが求めるものは存在しない；

人生とはゴールがないまま存在するものなのだ。

それはいつの日かそれ自体で完結するものなのだ。

みすぼらしき影よ、エゴ（自我）の空虚なる輝きよ

おまえはこの世界でわたしを探求へと駆り立てる力を理解する必要はない

輝ける聖なる実在はすでに内部に隠れており

新しき夜明けを待ちつつ時間遊びに興じているのだ

b) 昨日の王

駄目だ、終わり無き道を歩み続けてはならぬ；

あなたはすでにわたしの中に、わが父である神の教えを見ている

おそらくあなたを作り給うたお方でなければあなたは信じはしないだろう

おのれの大地を愛せ、その子宮（内部）に神は宿るであろう。

c) 善悪の彼岸

いにしえの舞台よ、聖なるものはやがて善と悪に二分されるとすでに決まっていたのだ。

神から遠く離れた人間だけが自らの道徳を築くことができないのだ。

おのれの意志から逃れるのだ。

このようなヴェールやまやかしの知識の下で、真実は侮辱される。

あなたが創り上げた道徳からは何も生まれはしない。

あなたの信念に基づく教義を盲信しあなたは自由という選択肢を失う。

古代の光に満ちた灰色の夕暮れに最後の人間が現れる。

d) 超人

しかしあまりに多過ぎる答えが古来の生活を混乱させる。

数多くの伝統がわたしの周りに壁を作る。

ただ独り、力もなくわたしは自分の言葉の中をさまよう

おそらくわたしが探し求めている人は常にわたしの後ろを歩いていたのだ…

さぁわたしの中に彼が生まれる。

わたしは超人となる。

a) The last man

Face of light, the told me about you,
your story is in the echo of the mountains,
too high to descend in us.
In your eternal walk there isn't what you're chasing;
without a goal life can exist.
It completes itself in one day.

Shabby shadow, empty glare of the ego
you don't need to understand the force pushing me to seek in the World.
Bright divine essence already is hiding inside whom is
living the game of the time in wait of a different dawn.

b) Yesterday king

No, don't continue the walk in neverending roads;
you already see in me what my father, God, learnt to you.
Maybe neither you believe to the one who never created you.
Love your land, in her womb God will form.

c) Beyond the good and the evil

Ancient boards, divine wills already divided in time the good and the evil.
The man alone far from God cannot build his own moral.
Run away from your will.
Under these veils, fake wisdom, the truth is insulted.
From the moral that you created nothing will boost.
Blind in the dogma of your faith you lose the choice of freedom.
Grey sunset of ancient lights will have the last man.

d) Super-man

But too many answers confuse an ancient life.
Thousand traditions built a wall around me.
Alone and without forces I get lost in my words
and perhaps whom I'm looking for always walked behind me...
Here he's born in me,
I live the Super-man.

※英語訳はオフィシャルサイトからリンクされている英訳ページのものを用いた。

【メモ】
イタリアのバンドMuseo Rosenbach（ムゼオ・ローゼンバッハ）の1973年の唯一のアルバムから、旧LPのA面を占めるアルバムタイトル曲にして、5パートからなる組曲「ツァラトゥストラ組曲（Zarathustra）」である。ただし最終パートはインストゥルメンタルなのでここではa)〜d)までの4パートが対象となった。

曲はドイツの哲学者ニーチェ（Friedrich Wilhelm Nietzsche、1844 - 1900）による1885年発表の著作「ツァラトゥストラはかく語りき（Also sprach Zarathustra）」にインスパイアされたもの。

にわか知識で強引に整理すると、ニーチェは消費主体、経済主体として自らの主体性を失い、消費を繰り返し快楽を追い求めるだけの存在となった人間、自分の優れた価値への信念を捨て「他者と同じ」であることに満足する人間を、「最後の人間／末人（the last man）」と呼ぶ。

そして、自分を越えた特別な能力を持った者を危険視し群れから排除しようとしたり、主体性を否定し、平均化し没個性的に生きることで安心しあう心理によって支えられている者たちを「畜群（herd）」として嫌悪し、宗教や道徳など全ての既存の価値観や秩序を否定した。

こうした既存の価値観を捨て、自分が生きている現実の大地（land）に真の価値基準を置くことで、自らの内で新しい価値を創造できる人間が「超人（overman, superman）」と呼ばれる。

わたし自身「ツァラトゥストラはかく語りき」を読んでもいないし、あまつさえニーチェの思想について語ることなど微塵もできないのだが、上記のような大雑把な捉え方を許してもらえるとすれば、そこから歌詞の中身も少しは理解ができるかもしれない。

第1連「最後の人間」では「光に満ちた顔」と「みずぼらしい影」に語りかける。光に象徴されるのは宗教に代表される、崇高なる価値体系を指しているのではないか。あるいはその象徴としてのイエス・キリストか。しかしその理念はあまりに高みにあり過ぎて手の届くものではないことに加え、その歩む道には求めるものはないと言う。一言で言えば宗教的価値観の否定となるだろうか。

「人生とはゴールがないまま存在する／それ自体で完結する」という部分は、キリスト教的終末観や死生観などに捕われない、今この時を主体的に生きることを示唆していると思われる。

第2連の「みすぼらしき影」とは、逆に本来主体となるべきエゴ（自我）のまがい物（影）に生きる人間を指しているのか。既存の価値観に基づいた自我は本当の自我とは言えず、本来の探求へとわたしを導いてはくれない。「実在は（わたしの）内部に隠れて」いるのである。つまりこれもまた既存の、特に宗教以外の価値観の否定であり、真実は己自身にあるという結論は、第1連の結論と一致するものだ。

つまり「a) The last man」は「最後の人間」に対するメッセージなのである。

「b) 昨日の王」は既存の価値観に安心している人間のことか。あるいは既存の価値観や宗教において王（頂点に君臨する者）のことだろうか。大切なのは最終行、「おのれの大地（land）を愛せ」、つまり自らの主体性と内なる価値観を大切にせよという言葉であろう。

「c) 善悪の彼岸」はニーチェの思想の一部であり、「貴族道徳」と「奴隷道徳」という二つの善悪があるとされる。しかしここではそのような複雑な善悪の概念を持ち出しているわけではなく、それまでの流れの延長で既存の善悪を批判、否定している。もちろんニーチェ的に言えば「奴隷道徳における善悪」の批判ということになるわけだけれども。

こうして善悪の彼岸に達する（善悪という価値観を超える）ことができず、人は「最後の人間」になってしまうのである。

「d) 超人」では、身の回りの多種多様な価値観や伝統の縛りから自らを解き放ち、実はすぐそばに存在した「神」（既存の宗教の神ではなく、自分自身の神）を発見する場面が描写されている。その時わたしは「超人」となったのである。

以上、誠に荒っぽい解釈であろうかと思うが、ニーチェの思想云々というよりも、それを借りた現実批判、社会批判として読むことも可能な歌詞だと思われる。そういう意味では政治批判や体制批判が強かった当時の若者の意識を反映したものだと言えそうである。

和訳に当たっては非常に苦労した。英語版はあったが、例えば「the told...」は「定冠詞＋動詞」という繋がりであって文法的にあり得ないなど、理解に苦しむ文法表現が多く、伊→英自動翻訳による訳文も参考にしながら日本語にした。ちなみに「the told me about you.」は「I have talked about you.」という自動翻訳に従った。

ニーチェの思想への無理解や英詞の不完全さなどから、歌詞の十分な理解には繋がらなかった点はお許しいただきたい。ただこの強烈なヘヴィーシンフォニック大作で、どのような内容の歌詞が歌われているのかが、少しでもイメージしていただけるようなら本望である。

「タルカス」エマーソン、レイク＆パーマー

2011-11-15T19:49:00.001+09:00

原題：Tarkus

■タルカス（Tarkus）収録

I　石のごとき年月

今までに夜明けがお前の目に映ったことはあるか？

日々はお前をそれほどまで愚かにしてしまったのか？

悟るのだ、今ある自分自身の姿を。

もし時代の風に話しかけたことがあるなら、

お前は知ることだろう、いかにして水が韻を踏み

ワインの味となるかを。

どこにいたのかをお前がどうして知ることができよう？

やがてお前はその痕跡を目にし

そして自らの罪を悟るだろう。

種がどうやって蒔かれたかお前は知るだろうか？

お前の時代は育ち過ぎてしまって

知る由もない。

石のごとき年月を歩いてきたのか？

お前が話す時、耳を貸すのはお前だけなのか？

お前の耳は詰まっているのか？

お前は何も聞くことはできないだろう。

II　ミサ聖祭

伝道師は祈りを唱えた。

自らの髪の毛の一本一本を救うのだと。

彼は死んだ。

憎しみに満ちた聖職者がその代わりとしてすかさず現れた

誰も気になんかしなかったさ。

自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！

巡礼者がフラフラとやってくる、

できる限りの罪を犯しながら

そりゃけっこうなことだ…。

悲しみに満ちた枢機卿は自らは墓には入らずに済むと

信じるようになった

自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！

位の高い聖職者はナイフを手に取り

祈りを捧げる者たちを祝福した、

すると皆は服従した。

恐怖に満ちた使者はゆっくりと成長し、時代にどんどん近づいた。

一つの前兆。

自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！

司教たちはベルを鳴らす、

闇のマントは大地を覆い尽くす

音もなく静かに！

声無き聖歌隊は歌い静けさの中で

調和の取れた基礎の上に疲れ果てた音を持ち込む。

自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！

III　戦場

戦場を片付けてわたしに見せてくれ

勝利したことで得た利益のすべてを。

お前は自由を口にするが飢えた子どもたちは倒れている。

季節の呼び声が聞こえてもお前は耳をふさいでいるのか？

お前はそこで地球が焦土と化すのを見ていたのではないのか？

巨大なたいまつの脇に立っていたのではないのか？

悲しみの落ち葉が裏返り

恥辱の灰の上に四散していることを知るがいい

すべてのナイフは研ぎすまされている；矢は降り続ける

そこではお前の軍隊の犠牲者が横たわっている。

もしナイフが葉で矢が雨なら、

悲しみなどなかったろうに、

苦痛などなかったろうに。

I. The Stones Of Years

Has the dawn ever seen your eyes?

Have the days made you so unwise?

Realize, you are.

Had you talked to the winds of time,

Then you'd know how the waters rhyme,

Taste of wine,

How can you know where you've been?

In time you'll see the sign

And realize your sin.

Will you know how the seed is sown?

All your time has been overgrown,

Never known.

Have you walked on the stones of years?

When you speak, is it you that hears?

Are your ears full?

You can't hear anything at all.

II. Mass

The preacher said a prayer.

Save ev'ry single hair on his head.

He's dead.

The minister of hate had just arrived to late to be spared.

Who cared?

The weaver in the web that he made!

The pilgrim wandered in,

Commiting ev'ry sin that he could

So good...

The cardinal of grief was set in his belief he'd saved

From the grave

The weaver in the web that he made!

The high priest took a blade

To bless the ones that prayed,

And all obeyed.

The messenger of fear is slowly growing, nearer to the time,

A sign.

The weaver in the web that he made!

A bishops rings a bell,

A cloak of darkness fell across the ground

Without a sound!

The silent choir sing and in their silence,

Bring jaded sound, harmonic ground.

The weaver in the web that he made!

III. The Battlefield

Clear the battlefield and let me see

All the profit from our victory.

You talk of freedom, starving children fall.

Are you deaf when you hear the season's call?

Were you there to watch the earth be scorched?

Did you stand beside the spectral torch?

Know the leaves of sorrow turned their face,

Scattered on the ashes of disgrace.

Ev'ry blade is sharp; the arrows fly

Where the victims of your armies lie.

Were the blades of grass, and arrows rain,

Then there'd be no sorrow,

Be no pain.

【メモ】

まず最初に歌詞についてお断わりしておきたい。

英語歌詞はアルバムジャケットには書かれておらず、手持ちの1999年国内盤は「歌詞・対訳付」ではあるものの「歌詞は聞き取りによるものです。ご了承下さい。」という注意書きが添えられている。EL&Pや各メンバーのオフィシャル・サイトにも、歌詞までは書かれていなかった。

従って今回取り上げたものは、複数の歌詞サイトを比較し、微妙に異なる単語の違いは、わたし自身が曲を聞いて確認することで、最終的に決定したものである。結果的に、国内版の「聞き取りに寄る」歌詞との差が一番大きい。そのような歌詞を元に、日本語訳及びその解釈を試みているという点を、あらかじめご了解願いたい。

「タルカス（Tarkus）」はそもそも、キース・エマーソンが帰宅途中に突然ひらめいた単語で、辞書にはない言葉だったという（Wikipediaより）。

また見開きジャケット内に描かれた物語風のイラストは、レコーディング作業が終了した後に描かれたものだという。実際「タルカス（Tarkus）」という単語やそのバイオ・メカノイド・モンスター的容姿や、別のモンスター、あるいはマンティコア（Manticore：アジアに住むとされる伝説上の生物で、頭は人間, 胴体はライオン, 尾は竜またはサソリの怪物で、尾の先の毒針が必殺の武器）との戦いなどは、一切歌詞には登場しない。

つまりイラストだけだと怪獣バトルに見えてしまう物語に、どのような意味が含まれているのかを考える意味でも、歌詞の内容を見て行くことは重要であろうと思われる。

「タルカス」は7つのパートからなる20分を超える組曲であり、その中でインストゥルメンタルとボーカル曲（そこにもインストゥルメンタルパートが含まれているが）が交互に配置されている。ボーカル曲は上記の3つである。

まず「Stones of Years（石のごとき年月）」を見てみよう。話者は「お前（you）」にかなり厳しく問いただし続ける。そして「お前」の堕落した姿を指摘する。「夜明け（dawn）」、「風（wind）」、「水（water）」など、「お前」が気づかないでいた、あるいは無視していたものは、「自然」を象徴するものとして登場しているように思われる。「自然」そのものとも取れるし、「自然な姿＝人間の本来あるべき姿、本来あるべき生き方」と取ることもできそうである。

水ですらワインの味を秘めている本来豊かなこの世界を、「お前」は知ることもなく、物事の起源やそうあるべき理由はすでにわからなくなってしまっている。「Stones of Years（石のごとき年月）」とは、そんなかたくなな態度、本質に目を向けようとしない心ない姿勢で生きてきた年月を言っているのかもしれない。

誰にも話を聞いてもらえず、また誰の話も聞かない利己的・自己中心的な「お前」。それは誰なのか？

時の為政者だということもできよう。しかし政治批判的なストレートな表現がない分、そのような単純な他者批判ではなく、矛先は自分を含めた全ての同時代の人々に向けられているように思える。

続く「Mass（ミサ聖祭）」は、一種の宗教批判的な歌詞である。ポイントは繰り返し登場する「The weaver in the web that he made!」という一文だ。わたしはこれを「自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！」と訳した。「weaver」は「織り手、織工、編む人」である。「he（彼）」は、この「The weaver」を受けた代名詞だと考えた。そうすると「自分で作った織物の中にいる織り手！」となるが、それではピンと来ない。

しかし「web」には「クモの巣（cobweb）」の意味もある。ならば「weaver」は「クモの巣を張ったモノ」ではないかと思った。「自分が作ったクモの巣の中にいるモノ」。まだピンと来ない。歌詞から読み取れるのは、人の命や社会の平和を尊ぶ宗教関係者が、理想とは逆のことを現実には行なっているという図式である。

しかしそこには既得権を行使して自己中心的な生活をしているといった意図的な腐敗よりも、最初の理想に反して宗教は形骸化し、その制度の中で聖職者たちも小さな利己的な思考しかできなくなってしまったことを憂いているような印象を受けた。そこで上記のような訳にしたのである。

そもそもの理想は高かったのだ。しかし結果的に自ら掲げた理想や思想の中で、政治も宗教も、そして恐らく「話者」を含めた一般市民たちも、自分で紡いだ理想というクモの巣に自分自身がからまって、理想とは程遠い低い次元でもがいているのだ。つまり皆「自分で紡いだクモの巣にひっかかった者！」なのである。

「戦場」は戦争批判的な内容である。「勝利」にどんな利があるのか。「飢えた子どもたちが倒れている」のに、「勝利」だの「自由」だのといった言葉に意味があるのか。

ここで「season（季節）」という、自然を思い起こさせる言葉が再び使われる。「season's call（季節の呼び声）」とは、「The Stones of Years」と同じような、自然な人間的な有り様や幸せのことだろうか。

自然のイメージは最後にも現れる。「もしナイフが葉で、矢が雨なら／悲しみなどなかったろうに、／苦痛などなかったろうに」と。非常に詩的で美しく、悲しみに満ちた表現である。

歌詞を書いたグレッグ・レイクは、当時ののインタビューで、“タルカス”を軍産複合体（military-industrial complex）の象徴と捉え、歌詞はそのことをや戦争や争いの無益さについてのものだと述べているとのことである（Wikipediaより）。

しかしこうして、3つのボーカル曲を見てみると、宗教・為政者（戦争を起こした人たち）を批判しているように見えつつ、「お前」を特定しないことで、自己批判も含めた内容になっているような奥深さを含んでいるように感じる。つまり「誰がいけないか？」ではなく、「なぜこんな世界になってしまったんだ？」という疑問であり怒りであり、そして悲しみである。

このような歌詞の内容は、戦うためにバイオ・メカノイドとして生まれ、同様なバイオ・メカノイドの敵を撃破し続け、最後にはマンティコアという唯一メカノイドではない（伝説上の）生物（自然の象徴）に負け（絵物語を見ると、マンティコアの毒針で目をやられたようである）、寂しく立ち去っていくというマンガ風イラストが、実は当時の世相や若者の思いを反映した、象徴的な意味を持っていることを気づかせてくれるだろう。

余談ではあるが、「The Stones of Years」の歌詞中に「talk to the wind」という表現が出てくる。ここではそれは良いこと、すべきこととしてプラスのイメージが付加されているように思われるが、同じグレッグ・レイクが歌っていることもあり、「I Talk to the Wind（風に吹かれて）」というキング・クリムゾンのデビューアルバム「クリムゾン・キングの宮殿」の収録曲を思い起こしてしまう。

もちろんこちらはピート・シンフィールドによる歌詞であり、その意味合いも異なっているわけだけれど、そこには同時代的空気が流れている気がする。「クリムゾン・キングの宮殿」が1969年、「タルカス」が1971年の作品。1970年前後の、ベトナム戦争に対する反戦運動が激しかった時期である。

なおバイオ・メカノイド（biomechanoid）は、HR.Gigerが生み出した生物と機械が合体したようなモチーフの名称。一見して両方の要素が混ざり合っていることがわかる点から、サイボーグ（cyborg）等の表現より、より「タルカス」にふさわしいと思い、ここで使用している。

「アフターグロー」ジェネシス

2011-10-10T21:06:00.002+09:00

原題：Afterglow

■静寂の嵐（Wind & Wuthering ）収録

残照

ぼくの周りで積もっている埃のように、

ぼくも新しい家を見つけなければならない。

かつてぼくに避難場所を与えてくれた道や穴は、

今ぼくにとってすべて一つとなる。

でもぼくは、ぼくはあらゆる場所を探そうと思う

君の呼び声に耳を傾けるために、

そしてこの道よりもさらに見慣れない道を歩いて行こう

かつてはぼくも知っていた世界の中で

君がいない寂しさがつのる

太陽がぼくの枕に反射して、

新しい人生の暖かさをもたらしてくれる以上に。

ぼくの周りにこだまする音を、

ぼくは夜の帳の中でちらりと感じるけれど。

でも今、今ぼくはすべてをなくしてしまったんだ、

ぼくは君にぼくの魂を捧げる。

ぼくがこれまで信じてきたあらゆることがらの意味は

この無の世界の中でぼくから消えていく、何もない、誰もいない世界で。

そしてぼくはあらゆる場所を探そうと思う

君の呼び声に耳を傾けるために、

そしてこの道よりもさらに見慣れない道を歩いて行こう

かつてはぼくも知っていた世界の中で。

今ぼくはすべてをなくしてしまったから、

君にぼくの魂をささげよう。

ぼくがこれまで信じてきたすべてのことがらの意味は

この無の世界の中でぼくから消えていく、

君がいない寂しさがつのる

Like the dust that settles all around me,

I must find a new home.

The ways and holes that used to give me shelter,

Are all as one to me now.

But I, I would search everywhere

Just to hear your call,

And walk upon stranger roads than this one

In a world I used to know before

I miss you more

Than the sun reflecting off my pillow,

Bring in the warmth of new life.

And the sound that echoes all around me,

I caught a glimpse of in the night.

But now, now I've lost everything,

I give to you my soul.

The meaning of all that I believed before

Escapes me in this world of none, no thing, no one.

And I would search everywhere

Just to hear your call,

And walk upon stranger roads than this one

In a world I used to know before.

For now I've lost everything,

I give to you my soul.

The meaning of all that I believed before

Escapes me in this world of none,

I miss you more.

【メモ】
カリスマ的ボーカリストピーター・ガブリエルが脱退し、ドラマーのフィル・コリンズがボーカルを兼任して再スタートしてから2作目にあたる作品「静寂の嵐」（1976年）から、最後を飾る名曲である。

タイトル「Afterglow」とは「after-（後の、のちの）」＋「glow（輝き）」ということからもわかるように、「残照、残光、（日没後の）夕焼け」、さらには「（楽しい思い出の）なごり、余情、余韻」といった意味を持つ。

このタイトルに照らしながら、「I（ぼく）」が置かれている状況を見ていくことにする。まず全体のイメージとして、「残照」であるからには当然光は弱まりやがて消え去り、夜の闇に包まれる。つまり「ぼく」は、「始まり」ではなく「終わり」の最後の輝きの中にいるのである。

それが何かの「終わり」であることは、冒頭から「ぼくも新しい家を見つけなければならない」と言っていることからもわかる。しかしその例えが、「ぼくの周りで積もった埃のように」という。埃が静かに積もって落ち着いているように、「ぼく」も落ち着くべき場所を探さねばならないということであろう。すでに「終わり」のイメージにすがすがしさや達成感とは程遠い、空しさや無力感が伺える。

さらに「ぼく」に避難場所を与えてくれた道や穴は／今すべて一つになっている」と続く。「ぼく」が逃げ込んだり身をひそめたりして自分を守ってくれていたものは、かつては「ways（多くの道）」や「holes（多くの穴）」とたくさんあったが、すべては一つになった。つまり自分の避難場所は一カ所になった。それはどこか？

それは「you（君）」であろう。「終わり」とは、「君」との「愛」の終わりということになる。「ぼく」は「君」を失ってその大切さに気づいたのだ。

だから「your call（君の呼び声）」が聴こえないかと、あらゆる場所を探して回ろうと言う。君が呼んでくれるかはわからない。でもぼくはとにかく探そうとしているのである。

第2連冒頭の「But（でも、しかし）」は、理性では「ぼくは新しい家を見つけなければならない」と思っているが、それに反して感情は「君」を求めて追いかけて行こうとしているという対比を示すために使われているのだろう。それは、家を見つけることは「must（義務・必要：しなければならない）」ことであり、君を探すことは「would（願望：したい）だという表現の違いとしても示されている。

そのためには今君を探して歩いている道より、もっと見知らぬ道を歩き回ることになる。「かつてはぼくも知っていた世界の中で」とは、逆に言えば「今はもうぼくの知らない世界で」ということだ。かつて「君」と一緒にいた時には共有していた世界、それが君がいなくなって残された世界は、それまでとは別世界になってしまったということであろうか。

君がいなくなったことへの寂しさがつのっていく。残照が次第に消えて行くように、君の存在が、ぼくから次第に遠ざかっていくのである。

「君」と過ごした日々を思い出しながら悲しみに沈み、消えゆく夕日に照らされてじっと動かずにイスに腰掛けている、一人の男の姿が目に浮かぶようである。

第3連、残照は枕を照らし、君のいない新しい人生にも温かみがあることを示してくれるし、夜の帳が降りてからも自分の周りで美しい音がこだまするのを耳にすることもある。しかし文頭が「Than」で始まっている。比較表現の「比較級＋than」であると見れば、実はこの文頭部分は前連最後の「I miss you more」に繋がって、「more than」というカタチになっていると考えられる。つまりそうした新しい人生の喜びを感じさせてくれそうなものよりも、「君がいない寂しさ」の方が強いということなのだ。

なぜなら「But now, now I've lost everything.（しかしぼくはもうすべてを失ってしまったんだ）」。「君」を失って、「何もない、誰もいない世界」だけが残り、そこに見いだしていた意味もすべてなくなってしまったから。

つまり「ぼく」にとって「君」が世界のすべてだったのだ。あるいは世界を世界たらしめる中心的な存在であった。だからすべてを失った「ぼく」に残されているのは自らの「soul（魂）」だけ。その最後のものを「君」に捧げるという。静かな語り口ではあるが、熱く悲壮な思いがジワジワと伝わってくる。

第4連はほとんどがそれまでのフレーズの繰り返しになる。しかし「君をどこまでも探す」という思いが主眼となる。ただ「ぼく」は「君の呼び声」を聴こうとしているのだ。まるで「君」がいつか呼んでくれるのを聞き逃すまいとしているかのようである。つまりあくまで受け身なのである。

この曲の「残照」をイメージさせる美しさや悲しさは、立ち去った相手を取り戻そうとか、誤解を解こうとか、相手を責めようとかいう積極的・能動的な「ぼく」ではなく、君を探し求めて、例え見つけたとしてもこちらを向いてくれることを待つ「受け身」な「ぼく」だからこそ生まれたものであろう。残照も消えた暗闇の中、どこまでも「ぼく」の魂は「君」を探し求めてさまよい続けるのであろうか。

タメの効いたドラミング、流れ続けるコーラス、そして静かなフェイドアウト。「ぼく」の思いがしみじみと心に残る。キーボードのトニー・バンクスの作品である。

追記：
この曲を「ぼく」が「君」を失い、自分自身の生活を始めなければと思いつつ、君をどこまでも追い求めていきたい気持ちを抑え切れない、“恋の歌”と解釈した。

しかし詩の中では“恋”とか“恋人”という言葉は出てこない。つまり「失ってしまった君」は必ずしも恋人だと限定はできないのだ。「

you」を「君」ではなく「あなた」と訳せば、対象はさらに広がる。例えば亡くなってしまった知人や両親など、かけがえのない人を思う切なく辛い感情を、残照の中で抑え切れないでいる人物（これも男性とは限らない）が浮かんでくる。

そう考えるとまた、現実にはもう会えるはずもない人だけど、あらゆる場所を探しまわり、その声が聴こえてくるのを待ち続けたいという切々たる思いが胸を打つ。

聴き手に応じて、そういう幅のある解釈が可能な曲であろうと思う。

「cansona」オザンナ

2011-07-28T22:58:00.011+09:00

原題：canzona

■「ミラノ・カリブロ 9（Milano Calibro 9）」収録

「歌曲」

あぁ、顔を背ける時もくるだろう

そんな時も来るだろう

あぁ、一緒に楽しく時を過ごす時もくるだろう

そんな時も来るだろう

遅れた理由があったふりをする時も

死する時も創造する時も

暴君たる時も奴隷たる時も来るだろう

あぁ、理由が知りたくなる時も来るだろう

そんな時が来るだろう

死んでいく名も無き斬り込み要員になる時も

そんな時も来るだろう

心の中のあらゆる争いと平和がお伽噺を忘れてしまい

わたしが盲目となる時も

呪う時も来るだろう

嘘をつく時も

その時わたしはあえてそうするだろうか？

わたしは何をするのだろうか？

わたしは何を言うのだろうか？

わたしは何を叫ぶのだろうか？

何日に渡るのか？

何世代に渡るのか？

あぁ、世界の海を渡る時も来るだろう

そんな時も来るだろう

あるいは膝を屈する時も

そんな時も来るだろう

しかし決して終りなきこの午後をわたしは過ごし続ける

コーヒースプーンで日々を数えながら

いったいこれまでわたしのものになったのは何かを探りつつ

何日に渡るのか？

何世代に渡るのか？

でもそんな時が来るだろう…

oh, there will be time to turn away

there will be time

oh, there will be time to meet and play

there will be time

and to pretend I've got a reason to be late

there will be time to die and to create

to be the tyrant or to be the slave

oh, there will be time to wonder why

there will be time

or to be some boarder passing by

there will be time

there will be time for every war and peace at mind

forgettin' fairy tales until I'm blind

there will be time to curse

and time to lie

then will I dare?

what will I do?

what will I say?

what will I cry?

how many days?

how many lives?

oh, there will be time to cross the seas

there will be time

or to fall, to fall down on my knees

there will be time

but I am spending never ending afternoons

countin' out days with coffee spoons

in search of what has been already mine

how many days?

how many lives?

but there will be time...

※ 歌詞はアルバムジャケットに印刷されたものを使用しています。

実際の歌唱では、同じ部分の繰り返し等、上記歌詞とは若干異なる部分があります。

【メモ】
本作「Milano Calibro 9」は1972年に発表された、イタリアのバンドOsanna（オザンナ）の2ndアルバムである。音楽内容的には映画音楽の巨匠Luis Enriquez Bacalov（ルイス・エンリケ・バカロフ）との共作によるイタリア映画のサントラであり、New Trolls（ニュー・トロルス）の「Concerto Grosso（コンチェルト・グロッソ）」と同じパターンだと言える。

映画「Milano Calibro 9」は、Fernando Di Leo（フェルナンド・ディ・レオ）監督によるイタリアン・アクション映画だそうだが、本アルバムとは別バージョンの挿入曲がOsannaによって演奏されているらしい。その辺りは実際に確認していないので定かではないが、一応本作がサウンドトラックな面がそれなりにあることは確かなようだ。

しかし一個のオリジナルアルバムとしての完成度も非常に高い。その美と混沌の渦巻く世界を締めくくるのが、このボーカル曲「Canzona」である。

キーフレーズになるのがサブタイトルである「there will be time（そんな時がやってくるだろう）」であり、これから起こるであろう様々なことがらを、まるで達観したように「私」が想像していくという流れになっている。

示される内容は大まかに逆の事柄が並べられているように思われる。第1連の「turn away（そっぽを向く／立ち去る）」と「meet and play（会って遊ぶ）」、第2連の「to die and to create（死と創造）」、「tyrant（暴君）」と「slave（奴隷）」。そこに「to pretend I've got a reason to be late（遅れてしまった理由があるかのごとく振る舞う、実際はないのだけれど）」というような、日常的な事柄も並列されていく。

第3連も「boarder」を「敵船に向う斬り込み要員」という意味で取れば、ただ命令に従って命を落とす名も無き人が、「to wonder why（理由を知りたくなるような）」という表現と対比されているとも取れそうである。

第7連の「世界の海を渡る」とは世界を制覇した支配者かもしれない。それならば「膝を屈する」被支配者と、これも対照的なイメージを成していると取れる。

そうした様々な事柄が、これから、あるいはこれからも、訪れるだろうと「わたし」は夢想している。そしてそうした様々な状況の中で、わたしは「will I dare?（自らあえてそうしようとするだろうか？」とか、「何をするだろう？」「何を言うだろう？」「何を叫ぶだろう？」と、「わたし」自身の身の処し方を問う。

そして「how many days?（何日？）」「how many lives？（何世代／いくつの人生？）」を送ると、そんな時がやってくるんだろう、そう考えているのだ。

現実のわたしは今終ることがないかのような、平和な午後を過ごしている。「afternoons」と複数形であることから、そうした生活を送っていると考えてもいいかもしれない。そしてコーヒースプーンを並べながらだろうか、過ぎし思い出の日々を数え上げているのだ。「in search of what has been already mine（わたしのものになったのが何かを探りながら）ということは、現実は過去に縛られているのかもしれない。

どことなく年老いた人物を想像してしまうのだ。これまでの人生を振り返りながら平和な午後を過ごしている老人。「there will be time（そんな時が来るだろう）」の中には、今まで経験したことも含まれているのかもしれない。そしてまた生まれ変わった次の人生のことも。

この詩はある程度平凡な人生を送ってきた人物が、その晩年にあたる時を迎えて、これまでやってきたことと、これまでやってこなかったこと（あり得なかったことも含めて）を、達観したような眼差しで、静かに思い巡らしている様子が描かれているように思えるのだ。

何かを悟ったわけでもなく、何かを求める強い願いや感謝の祈りや、あるいは悔恨の念があるわけでもない。淡々と過去から未来へと続く時間の流れの中で、ただ冷静に自分を見つめているのである。そこに何とも言えない哀愁が漂い、美しいメロディーとストリングスの調べと重なって、深い感動を呼ぶのである。

以下余談である。

・アルバムジャケットには上記の歌詞のイタリア語訳が載っており、最後に「da T.S.Elliot（by T.S. Elliot）」と書かれている。「Waste Land（荒地）」で有名なアメリカの詩人（1888-1965）である。しかし「The Love Song of J.Alfred Prufrock（アルフレッド・プルーフロックの恋歌）」（1917）に「there will be time」や「coffee spoon」などの共通する言葉や、「Do I dare?」などの似たような表現が出てくるが、この歌詞と同じものは見当たらない。「（inspired）by（〜にインスパイアされた／インスピレーションを得た）」ぐらいな感じか。

・「Canzona」の副題となっている「There will be time」は、同名のタイトルで1972年にアメリカの作家ポール・アンダースン（Poul Anderson）がSF小説として発表し、1973年のヒューゴー賞にノミネートされている。時期的に、タイトルをつける上で参考にした可能性はあるかもしれない。

・「Milano Calibro 9」はイタリア語読みなら「ミラノ・カリブロ・ノヴェ」と発音する。「Milano」はイタリア北部の都市名、「Calibro 9」はピストルの「9mm口径」で、インチ表示でいうところの「35口径」（3.5インチ口径）のことだと思われる。こうしてみると、やっぱりマフィア＆アクション映画のタイトルっぽいのである。

「トゥ・ビー・オーヴァー」イエス

2011-07-11T13:00:00.007+09:00

原題：To Be Over

■「リレイヤー（Relayer）」収録

「終焉」

われわれは穏やかな流れを舟で下っていく

橋の近くで終ることなく漂い続けながら

終焉、私たちは目にするだろう、終焉を

賭け事のような運がものをいうゲームや

あなたの夢を常にしまい込むドアなどに苦しむのは止めよう

熟考するんだ、時はあなたの恐れを癒すだろう、熟考するんだ

あなたの内側に解き放たれた思いのバランスを保つんだ

子どものような魂を持った夢見る人よ

一つの旅路、それはあらゆる光の中で求め見つける旅路

真実の小道を次々と開くんだ

次第に近づきながら

静かに進むんだ、ドアを押さえておけばすべての道が開かれるだろう

あなたは真実の小道を絶えずさまよい歩くだろう

結局あなたたちの魂はそれでも屈した状態かもしれない

しかし結局あなたの役割は愛される準備ができているということを

疑ってはならない

We go sailing down the calming streams

Drifting endlessly by the bridge

To be over, we will see, to be over

Do not suffer through the game of chance that plays

Always doors to lock away your dreams

Think it over, time will heal your fear, think it over

Balance the thoughts that release within you

Childlike soul dreamer

One journey, one to seek and see in every light

Do open true pathways away

Carrying closer

Go gently, holding doors will open every way

You wander true pathways away

After all your soul will still surrender

After all don't doubt your part

Be ready to be loved

【メモ】
Yes最大のアバンギャルド作であり、インストゥルメンタル方向へ針が振り切れた1枚「リレイヤー（Relayer）」（1974）。全3曲という大作は、Yesが未知の世界に猪突猛進していった時期の最後のアルバムと言えるかもしれない。ヘヴィー・シンフォとも言えるし、テクニカルシンフォとも言える。しかしその言葉のイメージする音ともまた違う、Yesにしか作り得なかった、壮大で斬新な傑作だ。

この曲はアルバムの最後に収められたもので、攻撃的で長大な1曲目、頭がクラクラするような難曲の2曲目に続いて、アルバム最後を平和な雰囲気で閉じるかのような静かな曲である。

その歌詞内容も、抽象的・感覚的で難解だと言われる当時のYesの曲の中では、比較的わかりやすく、曲調と同じようにアルバム全体の、ある種殺伐としたハードな世界から、平和で穏やかな世界へと聴く者を導いてくれるものとなっている。

主語は「we（わたしたち）」である。アルバム1曲目の大作「錯乱の扉（The Gate of Delirium）」は、『われわれは永遠に戦争しつづけなければならないのか？』という感情を歌ったもの（「イエス・ストーリー形而上学の物語」ティム・モーズ著、シンコーミュージック、1998）と言われるが、この最終曲では、同じわれわれが本来到達すべき平和な世界、あるいはわれわれの到達を待っていてくれる至高の世界を物語ろうとしているかのようだ。

冒頭の1行は「sail down the river（舟で川を下る）」という表現に似て、「river（川）」よりイメージ的に小さい「stream（小川）」を下っていくという文章になっている。現在形であるから、ある意味われわれの在り方、あるいは人生を比喩的に述べていると言ってもいいかもしれない。「streams」と複数形なのは、われわれ一人一人が自分の「stream（小川）」を下っていくからなのかもしれない。

「stream」はやがて「bridge（橋）」のある場所へとたどり着き、「わたしたち」はそこで永遠に漂い続ける。そして「to be over（終ってしまうこと＝終焉）を目にすることになるのだ。

ここまで読むと長い人生を歩み、やがて川が大海へと流れていくように、わたしたちは「stream（小川）」を流れ下って、ある橋のたもと「by the bridge」という終着点に至ると言っているように思える。「bridge」が単数形なので、その終着点には大きな橋が存在し、たどり着いた人々は、そのそばで漂い続けているとイメージしてみた。そこで目にする「to be over（終焉）」とは、人生で言えば「死」ということになるだろうか。

しかし確かに「It is over（もう終わりだ）」「The long, cold winter is over.（長くて寒い冬は終わった）」などのように「be over」は「終る」という意味で使われることが多いけれど、「over」には「越えて、「上方の、上級の、すぐれた」などの意味もある。作詞のジョン・アンダーソンが持つニューエイジ的な志向（もっと抽象的で感覚的だけど）からすれば、「to be over」は「超越すること、次の段階へ向うこと」というような意味そも含んで、終わりであるけれども始まりでもあるというニュアンスが感じられる。

実際次の連では「運に左右されるようなゲーム」や「あなたの夢を閉じ込めるドア」に苦しむのは止めようと「話者」は語りかける。物事をじっくり考えれば、時とともにあなたたちは癒されるのだと。それには考えたことによって自分の中に解き放たれた思考のバランスを取るのだと。そう、まるで一時的享楽や今の次元から上の次元へとステップアップさせようとしているかのように「話者」は説くのである。

第3連でも話者の示唆は続く。「こどものような魂を持った夢見る人」というのが、おそらく「わたしたち」の“本来あるべき姿・気づくべき姿”なのかもしれない。従って「dreamer」はマイナスイメージのある「夢想家」とはしなかった。むしろ前連にある「夢」をドアの向こうにしまい込むのをやめた人たちとして、肯定的に使われていると解釈した。

これまでの生き方の終わりは、新しい生き方の始まりでもある。夢を解放した人々は、「one journey（一つの旅路）」に出る。それはもう一度言い直されて「あらゆる光の中で求め見つけるもの（旅路）」である。それは真実の小道（pathway）、つまり本来あるべき生き方をしっかりと始める（open）ことから始まる。「away」は「遠くに」ではなく連続行動を示す「絶えず、どんどん、せっせと」というような意味でとらえた。

第4連からは、新しく始まる「one journey」へと話題がシフトする。夢をしまい込んでいた部屋のドアを開け放てたままでいられれば、すべての道が開かれる、というのは、第2連や第4連とも呼応する。そしてそうすることで本来歩むべき道を歩き回ることができるのだ。

最終連冒頭、結局（after all）自分を解放できた新しい旅路の果てに待っているのは、もしかすると依然として魂が何かに屈する状態であるかもしれないと、現実的な結末も示唆される。しかしまた同時に最後には（after all）「愛される用意がされている（ready to be loved）」ということを疑ってはならないとも言っている。

自分を解放し、新しい生き方を始め、その最後には愛に包まれた世界が待っていることを信じること。例え現実には何かに屈しなければならなくとも、そうした自分らしい生き方をすることが、最後には愛で迎えられることになるのだ、そう言っているように思える。

この「愛」とは神による大きく深い愛のようなものではないかと思う。つまりこの「after all」の時点こそが、本当の人生の終わり、つまり死であり、その時魂は愛に包まれて至福の時を迎えることができるのだ。

スティーヴ・ハウのバイオリン奏法によるギター、シタール、パトリック・モラーツの軽やかなエレクトリック・ピアノ、そしてジョン・アンダーソンの力強いボーカル。ゆったりとスタートし、疾走し始める中間部、荒々しいエレキギターにキラキラしたキーボードが絡む。

そうして突如入ってくるメロトロン。分厚いボーカルハーモニーやパトリック・モラーツのピッチベンドを活かしたしなやかなキーボードソロ。曲は次第に壮大さを増していき、最後の大団円に向って突き進んでいく。

後ろを振り返らず突き進んでいったYesの、一つの到達点、あるいは終焉（to be over）を示す曲であったのかもしれない。

「Kung Bore」アングラガルド

2011-06-19T17:00:00.004+09:00

原題：Kung Bore

■「Hybris（ザ・シンフォニック組曲）」収録

「冬の王」

わたしのランタンの光の中に

悲しみの影が見える

人生の最盛期から次第に消えていった夢の中。

もう現実や真実を避けながら

この場に立ち見つめ続けることはできない

道徳は夢物語に過ぎないこの世界では。

選ぶのはあなただ

作り話やウソやへつらいを

うのみにするのはあなただ。

声高に、力強く、正しいことを話しながら

枯れた花を植えようとする彼らは

正しいと言えるのか？

その結果ある人は

神を、偉大なものとしての神を

信じることは難しくなった、

その時彼女の住む家では

沈黙だけが広がっていく。

選ぶのはあなただ

作り話やウソやへつらいを

うのみにするのはあなただ。

「冬の王」は死んだ

そして新たに選ばれた春の王が

人々の英雄となる。

未来像が生まれ、

そして雲間に人々の城が置かれる時が

やってくる。

人生のパノラマ、

ある種の幻影、それをわたしは

とても心から欲していたのだ。

わたしに夢の国へと続く風景を見せておくれ、

その時だけわたしは幸福に包まれるだろう。

「KING WINTER」

In the light from my lantern
I see the shadow of sorrow,
in dreams that have been extinguished
from a life that has had its time.
I cannot stand and watch
while we flee
reality and truths,
where morality is fantasy.

It is you who chooses
it is you that swallows
their fairy tales and lies and flattery.

Is it true that they who speak
loud, strong and right
also plant dead flowers?
Then it cannot be easy
for a human to believe
that God, he is great,
when silence spreads
in the house where she lives.

It is you that chooses,
it is you that swallows,
their fairy tales and lies and flattery.

"King Winter" is dead
and Spring, the newly elected,
is the people's hero.
Visions are born,
and it is time to populate
their castles in the clouds.
Life's panorama,
a hallucination, I have
longed for so tremendously.
Give me a view
into the land of dreams,
only then will I be happy.

※オリジナルはスウェーデン語だが、
彼らの準公式（semi-official）サイトにある英語対訳を使用した

【コメント】
1980年代のポンプロック（プログレッシヴ・ロック・リバイバル）も瞬く間に終わり、日本国内のインディーズのみが一時期気を吐いていたがそれも収束した1990年代。1992年に突如スウェーデンから彗星のごとく現れたのがこのAnglagard（英語的には“エングラガード”に近い）であった。

デビューアルバムは日本語版も出され、邦題が「ザ・シンフォニック組曲」。もう直球ど真ん中なタイトル。邦版を担当したレコード会社の方も、きっとこの音に感激したのに違いない。そして内容もタイトル負けすることなく、フルートや線の細いボーカルなどを取込みながらも、複雑なアンサンブルと切れ目のない緊張感にあふれた傑作であった。

特徴の一つはピリピリしたドラミング。正確無比でパワフルなんだけど、複雑なリズムチェンジや曲展開と相まって、どことなく脅迫的に響く。グルーヴィーではないがバークレイ音楽院系テクニカルさとも違う、独特の畳み掛けるよなドラミングだ。ドラマーのMattias Olssonは当時17歳だったという。

アルバムタイトル「Hybris」は英語的には「ハイブラス／ヒーブラス」と発音し、「Hubris」とも書き、「ごう慢、うぬぼれ、神々に対する不遜」を意味する。そのデビューアルバムからラストソングの「Kung Bore」を取り上げてみた。

「Kung Bore」はサイトにあるように直訳すると「King Winter」となるが、これはいわゆる「Jack Frost」、つまり「冬将軍（霜の擬人化された表現／厳寒・厳冬）」を意味する言葉だ。

しかしここでは季節としての「冬」を象徴しているのではなく、現実世界として「わたし」を取り巻く状況を、「冬の王の支配」として語っていると思われる。

第1連では「冬の王」の支配下で、「わたし」は夢を失い「現実や真実」を突きつけられるている。そこは薄暗い場所、ランタンの光が作り出すのは悲しみの影だ。わたしの人生にも充実した時期はあった。しかし時とともに夢は消え去っていった。

つまり自分が年齢を重ね老いていくとともに、夢が消えていく（諦めなくてはならなくなる）という「現実や真実」を見ずにはいられなくなったということだろうか。

第2連で「わたし」は「冬の王」を非難する。そうした世界を選んだのはあなただと。「作り話やウソやへつらい」を鵜呑みにしたのはあなただと。それはつまり自分に都合の良いことだけを求める王への批判／非難であろう。

一見それは自分の上に立つ指導者への批判、政治・社会体勢への批判ともとれるが、第1連との関連で見ると、歳とともに自分の中で大きくなっていった、現実的で狡猾で処世術に長けた行き方のことかもしれない。

第3連で口では偉そうなことを言いながら、枯れた花を植えている（意味のないことをしている）という批判も、時の支配者へ向けてともとれるが、自己批判だとも取れるだろう。そしてこれを自己批判だとすれば、続く神を信じられなくなったある人（a human）は、もしかすると自分の愛する女性を指しているのかもしれない。ならば第3連最後で「she（彼女）」という代名詞で受けていることも理解できる。

つまり歳とともに口先だけは達者になり、自己中心的で、現実的になっていったわたし。そのため神を信じられなくなり、沈黙の中で暮らさざるを得なくなった恋人。ならば「It is you...」と呼びかけている「you」とは、内なる自分ということになるだろう。

その老いた内なる自分の嫌らしさを「冬の王」と例えるなら、「冬の王」に代わって「春の王」を新たに選ぶのだ、というのが第5連となる。「vision」とは「未来像」であるとともに「夢想」でもある。つまり「現実」とは対極にあるものだ。そこで人々は雲の上に城を建て、人生のパノラマを俯瞰する。例えそれが幻影（hallucination）だとしても、それこそが「現実」に追いつめられた「わたし」が、長い間欲し続けていたことなのだ。

年老いていくとともに失ってしまった夢の国への光景。「わたし」はそれを取り戻したいのだ。その時始めて「わたし」は幸せになれるのだ。この最後の一文だけが未来形になっている。そこに「わたし」の期待と強い思いが感じられる気がするのである。

Anglagardは2枚のスタジオアルバムを発表し、そこから選ばれた曲だけによるライヴアルバムを発表して解散する。2nd アルバムが全曲インストゥルメンタルだったことを考えると、この曲は結果的に、彼らのラストメッセージであると言えなくもない。そしてそれはわかり易い体制批判のためのアジテーションソングでもなく、夢の世界を描いたファンタジックなものでもない、老いの悲しみに満ちた、奥深い味わいのある歌であったように思うのである。

しかし歌詞の中には「老い」という言葉は一回も出てこない。しかし流れを丹念に追っていくと、どうしてもそういう歌として感じられてしまうのだ。一つの解釈としてお読みいただけると幸いである。

「キャリング・ノー・クロス」U.K.

2011-05-26T19:50:00.011+09:00

原題：Carrying No Cross

■「Danger Money（デンジャー・マネー）」収録

「十字架を背負うこともなく」

静かにしてくれ！

これまで数々の過ちを犯してきた

いつも命令的な物言いをしていた

そして面白いと言われるものは全て退屈だった

結局僕はあなたのところへと帰ることになったのだ

制服には拒否反応を示した

僕にふさわしいなどとは決して思えなかった

それらは戦時中のドイツを思い出させた

そんなものが僕らに必要なのかは神のみぞ知るだ

誘惑には際限などなく

僕のモラルが低くなることなど知ったことではない

問題なのはいつだって

その場所が君のものかあるいは僕のものかということだけだった

目の前の十字架を背負うでもなく

崇拝する人もなく若かりし時の栄光として

語れるような話もなく

ただ空虚…何もない空っぽの空間だけ

自己を評価する基準すらなく行くべき場所もない

でも一つだけ僕が無視してきたことがある

だからこそその光は輝き続けていたのだった

これまで数々の過ちを犯してきた

いつも命令的な物言いをしていた

でも一つだけ無視できないことがある

不良少年だって全てを打ち明けることがあるんだよ

コントロールできない感情が

僕の心と魂を照らし出す

僕は一条の光を目にした、ゴールをものにしたんだ

心の平穏さにどんな価値があるというのか？

Stop!

been wrong so many times before

was always laying down the law
And all attractions were a bore
they led me back to you

Uniforms were an allergy
they never felt quite right to me
they conjured wartime Germany
and God knows we need that

Temptation boundaries will never know
the time when my morale was low
the circumstances always show
the place was yours or mine

Carrying no cross before me
with no prize to idolize no story
to tell of adolescent glory

Just void...empty spaces nothing to show
no point of reference or place to go
but one thing I'd ignored and so
the light came shining through.

I've been wrong so many times before
was always laying down the law
one thing you cannot ignore
bad boys can come clean

Emotions I could not control
Illuminate my heart and soul
I saw a light, I scored a goal
and what price peace of mind?

【メモ】
2011年春に、ジョン・ウェットンとエディー・ジョブソンによる劇的復活と、1979年以来の来日公演を果たしたU.K.。この曲はその2ndアルバムのラストを飾る大曲である。スタジオアルバムは2枚しか作られなかったから、実質当時のU.K.のラストソングだと言ってもよいかもしれない。

この曲は12分に渡りボーカルとインストが見事に融合した、パワフルでプログレッシヴな展開が大きな魅力であるが、ではそこで歌われている内容とはどのようなものなのかは、あまり語られていない。

これを「bad boys（不良少年）」が過去の過ちを反省し、その結果の空虚さを嘆き、しかし新たな光を得るという、一種の改心の物語であるとする解釈が見受けられる。確かに過去の自分を今の目で「不良少年」だと見ているのは確かである。

しかし「制服」を嫌がったり、誘惑にモラルが守れなくなったり、縄張り争い・所有権争いばかりしているなどということは、若者にはありがちなことである。そうしたことを反省し、真っ当な人間として生まれ変わろうという歌には、どうも思えないのだ。

そうではなく、そうした無軌道で何も残らない生き方をしていた「僕」が、初めて「光」を得たという、喜びの歌なのではないか。そこで、わかりづらい歌詞なのでどう補って解釈するかという部分が大きいのだが、ここでは敢えてこの曲を「ラブソング」だと解釈してみたい。

では相手は誰なのか？タイトルに「十字架（cross）を背負う」という言葉があったりするので、「神（God）」であるとしたいところであるが、わたしはラストの一行「and what price peace of mind?」にこだわりたい。

これは「what price ...？」で「〜にどんな価値があるというのか？（価値などない）」という反語表現である。つまりそのまま考えれば、「僕（I）」は、心の平穏・平和を得たわけではないということになる。逆にそんなことに価値があるのか？と疑問を呈している、あるいは否定していると考えられる。

なぜか。

それはその最終連にある「コントロールできない感情が／僕の心と魂を照らし出す（光を当てる）」からであり、そうした感情的な高まりを「僕」は受け入れるだけでなく「ゴールをものにした／得点した（I scored a goal）」と高く評価しているからだ。心の平安ではなく、このような興奮状態は人間への愛ではないか。神への愛だとするには情熱的に思えるし、この曲があまりに宗教的過ぎてしまう気がするのである。

そこでわたしはこれを恋愛の詩だとしたい。従って第1連で出てくる「あなた（you）」は、恋人であると取る。「They led me back to you」とはつまり、昔からそばにいた女性に、結局今になってやっと気づいた状態を言っているのではないだろうか。

不良少年として多くの過ちを犯しながら、何も楽しめるものがなく、ただ空虚さだけが残っていた「僕」。たいして気にも止めず、無視（ignore）していた彼女の「僕」への思い。その思いの大切さに「僕」はやっと気づき、それがまるで暗闇を照らす一条の光のように「僕」の心に届いたのだ。

「Carrying no cross」は「（イエス・キリストのように）十字架を背負うことはせずに」と解釈した。「〜ing」で始まっているので、「十字架を背負うのは止めてくれ」という懇願や命令ではなく、付帯状況を示している文章だ。苦難や苦労を避けて過ごす自分自身のことである。続く空虚さと同じ自己認識であり、自己批判である。

彼女の思いを「僕」は無視してきた。それを利用するでも、否定するでもなく。だからこそその思いは「僕」の気づかないところで輝き続け、今「僕」はその輝きに気づいたのだ。

「でも一つだけ無視できないことがある／不良少年だって全てを打ち明けることがあるんだ」という表現は、唯一彼女に対して、素直になれた自分を言っているのではないだろうか。ちなみに「come clean」は「本当のことを言う、一切を白状する、本音を吐く」という意味であり、これを「改心する」と解釈するのはちょっと無理があると思ったのも、恋愛説を取った理由の一つである。

「あなた（you）」の思いを知り、それに応えることが、僕の平穏だが空虚だった心をかき乱し、「ゴールをものにした」ような心の高ぶりと喜びを、今「僕」にもたらしたのだ。

アルバム「Danger Money」はタイトル曲「Danger Money」で幕を開ける。それは危険手当（danger money）を得ながら命をかけて暗躍するハードボイルドな男の話である。人とのつながりは全く感じさせない孤独で冷酷な男である。この「Carryin No Cross」の「僕」も、無軌道で空虚な生き方をしてきている点では、「Danger Money」の男の若かりし時だと想像してみるのも悪くないかもしれない。

ならば、このアルバムは人との繋がりを、特に愛情を捨てて生きてきた男が、その愛情を最後に手にする・気づくというトータル性を孕んでいるとも言えるかもしれない。

もちろんこの曲のどこにも「愛（love）」という言葉は出てこない。しかしこの大曲が、改心の歌、宗教心に目覚めた男の歌では、あまりに唐突なんじゃないか。そんな思いで多少の無理を承知で「ラブソング」として解釈してみた。

ちなみに最初の「Stop!」は次第に大きくなるバックの音を消し去る一言である。これはこれから不良少年が「come clean（本音を語る）」ために、自分に集中してもらうための声かけじゃないか。そんな風に思うのだが。

こんな捉え方もできるかもということで、お楽しみいただければうれしいです。

「ラヴァーズ・エンドパートI」ムーン・サファリ

2011-05-04T11:48:00.262+09:00

原題：Lover's End PT.I

■Lover's End収録

「恋人の終わり」

土曜日の夜、君はめかしこんでいるけど、今夜は君を誰が家まで送るのかな？

君がいつも夢中なあの人は、深夜の待ち合わせ場所で待っている

僕が心の中で死にそうになっていて、雄弁な舌が言葉を失っていることを、君はちょっとだけ考えたんじゃないかな

何年もかけて積み上げたものが一夜にして崩れてしまうんだ、今夜は終世僕が忘れられない日になるだろう

だって彼女は僕の世界を変えられなかった
彼女は僕の一番の良さを見なかったんだ
彼女は僕の世界を変えられなかった
彼女は決してそのことをわからないだろうけれど

僕は責任を取って、時が傷つけることを知る人間のように歩こうとする
君の目の涙を押しのけるように現れた同情は、でも別の夜にすることはあり得なかった
歳を取るに従って僕は悔やむことが増えていく、僕らは一緒に歳を取っていくと思っていたのに
でも僕にはわかっているんだ、愛が消え去るこの時、僕はここで静かに立ち尽くしていて、もう一年になるけど、まだ僕は話をすることが出来ないっていうことを

君だけが僕の世界を変えることができたのに
君はいつも僕の一番良いところを見てくれていた
君だけが僕の世界を変えることができたんだ
僕にはわからなかったんだけれど

僕は幸せな日々を思い出し、君を傷つけたことを忘れようとする
そして僕らがいつか再び出会えても、僕らはこれまで言ったことをまた言い合うんだろう
僕は酒場を渡り歩き心の傷を哀れむ
まるで逃亡中の自作の殉教者のように
そしてもし君が僕を今でも愛しているなら、ねぇ
僕にそのことを教えてくれないか？

It's Saturday night and you're dressed to the 9's, who will walk with you home tonight?
The one you could always turn yourself to is out on a late night rendezvous
Guess you've known for a while that I'm dying inside and this silver tongue's lost all it's words
What took years to build up takes a night to tear down, and this night will haunt me for the rest of my life

'Cause she couldn't change my world
She didn't see the best in me
She couldn't change my world
She'll never understand

Now I carry the can, try to walk like a man knowing time will just wound our heals
Sympathy fights through the tears in your eyes, couldn't take another night at 10A
It seems the older I get the more things to regret, I thought we would grow old together
But I know I'm standing here quiet as love fades away, in a year now I still can't speak

Only you could change my world
You always saw the best in me
Only you could change my world
I didn't understand

I will try to remember the Halcyon days, forget that I ever hurt you
And if we'll meet again some day, could we say things we ever said
Now I'm stalking the bars and I pity my scars, like a self made martyr on the run from it all,
And if somehow you love me still, baby, would you let me know?

【メモ】

スウェーデンのニュータイプなプログレッシヴ・ロックバンド、Moon Safari（ムーン・サファリ）の2010年の傑作アルバム「Lover's End」から、アルバムトップを飾るタイトル曲のpart 1である。

“ニュータイプ”とわざわざ断ったのは、いわゆるプログレッシヴ・ロック的な起伏のある大曲を揃えながら、何よりもアカペラ・ボーカルグループ顔負けの、本格的なボーカル・ハーモニーを主軸に据えている点が、今までのどんなプログレッシヴ・ロック・バンドにもない新しさと懐の広さを感じさせるからである。

多少なりとも似ているものを探すとすれば、強いて上げてイギリスのCapability Brownの「Voices」ぐらいだろうか。とにかくボーカルのハーモニーの美しさと、シングルカットできそうなメロディーをふんだんに盛り込みながら、安定した演奏でドラマチックに展開して行くというのは、すでに狭義のプログレッシヴ・ロックのイメージを逸脱し、ある意味その呪縛を解き放って、可能性を広げていると言っても過言ではないと思う。

さてそのタイトル曲の内容である。
爽やかなハーモニー、軽やかなリズム、哀愁のハーモニカ、甘いメロディー。こうした明るいイメージとは異なり、その内容は暗く悲しいものだ。タイトルが示すように、恋人が自分のところを去り、他の人のところに会いに行くのを黙って見送る苦しくも悲しい心模様が描かれているのだ。

第1連の1行目に出てくる「dressed to the nines」は「着飾って、盛装して、めかしこんで」という表現だ。土曜の夜、恋人たちが会い、二人だけの幸せな時を楽しむ時間である。しかしめかしこんでいる「君」は「僕」と一緒にいるのではなく、誰か他の人に会いに行こうとしているのだ。「君が夢中になっている人」が誰かは「僕」は知っているのかもしれないし、知らないのかもしれない。でも今日誰かが「君」と会うために待っているのだ。

今夜はそんな、「君」が「僕」以外の男性に初めて実際に会いに行くという、決定的な「恋人が恋人でなくなった日＝恋人が終わった日」なのだろう。第1連3行目の「Guess」は「（I）guess」という風に補って取った。「君」は「僕」のことも多分多少は気には留めているのだ。その上でやはり他の人に会いに行くことを選んだのである。

結局彼女は僕を代えられなかったんだ、そう「僕」は言う。ここでは「君」ではなく「彼女」と距離を置いて分析するかのように述べている。「君」と呼ぶような近い関係ではなくなったという気持ちの表れでもあるかもしれない。そうした喪失感、絶望感がこの「彼女」という言い方には感じられる。

第1連と第3連に、僕は話すことが出来ないという表現が出てくる。また第3連は「責任を取る（I carry the can）」という表現もある。さらに第5連（最終連）には「僕がかつて君を傷つけたことを忘れよう（forget that I ever hurt you）」とも「僕」は言っている。「僕」が別の男性の元へとめかしこんで今出て行こうとする「君」に何も言えないのは、結局過去に「僕」が冒した過ちが「君」を酷く傷つけたという事実があるからではないだろうか。

それは悔いても今更どうしようもないことなのだ。愛が消え彼女が去るのを黙って見ているしかないほどに、「僕」は彼女を傷つけたのだろう。最終連では自分のことを「自作の殉教者」と卑下すらしている。つまり「殉教者＝愛のために命をも投げ出す人」を装っているんだと、自分を非難しているのだ。

しかし「僕」は彼女とずっと歳を重ねていきたかった。「幸せな日々（Halcon days）」を続けていきたかった。そして同じような表現が繰り返されるサビの部分が、2回目では「彼女」から「君」に、主語が変わっている。冷静に終わったこととして悲しみを受け入れようとしていた「僕」の中の思いが、やはり抑え切れなくなってきたかのようだ。まるで直接語りかけるように、かつてのHalcon daysの「君」の大切さを述べる内容になっているのである。

どのような事実が二人の間にあったかはわからない。もの凄く身勝手なことを「僕」は言っているのかもしれない。であったとしても、この押さえ切れない「君」への気持ちが、曲の途中から吹き出してきたかのような変化は、その切なさが聴く者の心に響く。

そして最後の言葉。「もし君が僕を今でも愛しているなら、ねぇ（baby）／僕にそのことを教えてくれないか？」何という悲しいつぶやきだろう。あくまで「僕」は黙って全てを受け入れようとしているのだ。でも心の中では「君」のことが好きで好きでたまらないのである。事情はわからない。でもこの最後の言葉には思わずジーンと来てしまったのだった。

この歌の歌詞は、僕の前から君が出て行くというある意味センセーショナルな場面を歌っている。しかもそれを押しとどめようとせず、何も言わず、ただ見送ろうとしている「僕」の心の苦しさが綴られているのだ。

しかしその切なさ・苦しさ・辛さに、美しいハーモニーと爽やかな曲調が、青春の1コマのような印象を与え、ドロドロした部分のない、みずみずしさすら感じられる世界になっているとことが、この曲の大きな魅力だと言えるだろうと思う。名曲である。

最後にお詫びを一つ。第3連の「at 10A」の意味がどうしても取れなかった。日本語訳には入れていない。ご存知の方がいらっしゃればぜひご教授いただきたい。

「イン・ザ・ミスト・オブ・モーニング」ノルダガスト

2011-04-17T19:44:00.004+09:00

原題：In the Mist of Mornig

■In the Mist of Morning収録

「朝もやの中」

朝もやの中

妖精たちが踊り

天使たちが歌う

そしていたいけな赤子が生まれる

とても純真な

愛の子

夜明けの力強い翼に乗って

子どもは成長する

とともに風が吹き始める

人生という川は流れ始める

偽りの海の中へと

ひどく途方にくれ

とても孤独で

氷のかすみに閉じ込められて

信心と誠実さの船に乗り

偽りと苦痛の海の上を

献身的愛情を示す微笑みを顔に浮かべながら

しかし悪魔は交響曲を奏でる

大いなる幻影

大いなる混乱

真実は欺き

信心は泣き叫び

愛の子は

一人残される

（憎しみの世界の中に）

In the mist of mornig

Elves are dancing

Angels are singing

A tender child is born

So pure

A child of love

On the mighty wings of dawn

The child is growing

With the wind blowing

The river of life is flowing

Into the sea of lies

So lost

So alone

Inside the mist of ice

In a boat of faith and honesty

On a sea of lies and misery

With the smiling face of loyalty

The devil plays his symphony

The grand illusion

The grand confusion

Truth is lying

Faith is crying

The child of love

Left alone

(In a world of hate)

【メモ】
ノルウェーのバンドNordagust（ノルダガガスト）の全編に悲壮感漂う衝撃のデビューから、冒頭のアルバムタイトル曲である。この曲もメロトロンを含む壮大なキーボードをバックに、打ちひしがれたようなボーカルと抑えたKing Crimson的な硬質な音色で泣きまくるギターが印象的な曲だ。

バンド名がノルウェーの神話に出てくる神の名前から取ったといわれるくらい、バンドはノルウェーの神話、そしてより広くスカンジナビア半島のフォークロア、そして異教信仰などに影響を受け、サウンド的にもノルウェーの伝統歌謡や民族音楽の影響、さらにはノルウェーの作曲家Edward Grieg（1843-1907）の影響を受けているという。（メンバーインタビューより）。

アルバムは2010年に発売されているが、デモ音源として録音されたのは2001年から2002年にかけてだという。「オリジナルが持っている力が多かれ少なかれ消えてしまうだろう」と考えて、アルバムはオリジナルのまま発売された。

歌詞を見てみよう。アルバムタイトルにもなっている「In the Mist of Mornig（朝もやの中で）」から一般的にイメージされるのは、朝陽が次第に強くなり朝もやを取払い、美しく希望に溢れた1日が始まる瞬間ではないだろうか。

確かに最初の2連はそうしたイメージに沿った内容となっている。朝もやの中、妖精や天使に囲まれて赤子が生まれる。赤子は妖精や天使に守られ祝福されている。この世に生を受けることの喜びを歌っているようだ。

生まれてきたのは純真（so pure）で愛情に満ちた赤子（child of love）であり、夜明けの持つ力強い翼によってこの世に運ばれてきたのだ。2連はすべて1連の「a child of love」を修飾する説明的なものだと取った。

しかし様相は第3連から一変する。赤子もやがて成長する。その時平穏だった彼の世界にも風が吹き始めるのだ。でもまだ不穏さは隠されている。3行目「命の川は流れ始める」までは、様々な経験をこれからしていくことになる人生も流れ始めるのだと思う。しかし4行目、その流れは「Into the sea of lies（偽りの海の中へと続く）」流れなのだ。

「river of life」という表現はイタリアのバンドPFMの曲の英語版でピート・シンフィールドが書いた「人生は川のようなもの」の歌詞を思い出す。それは長い人生の中で喜びや苦しみを経験して、最後に太洋に溶け込んで行くという終着点としての海であった。

しかしここでは人生そのものが「sea of lies（偽りに満ちた海）」という、救いのないものになっている。これこそがNordagustの的世界感だと言える。光から闇へ。無垢の喜びから偽りに満ちた悲しみと苦しみへ。

第4連は第3連の「the child is growing」を修飾していると考える。途方に暮れ孤独で、すでに「朝もや（mist of morning）の中」ではなく「氷の濁り（かすみ）の中に」いるのだ。「inside」を使っているので氷の内部に閉じ込められたようなイメージだろうか。

それでも第5連ではまだ「子ども」は「信心と誠実さ」という小さな世界を大切にしながら、偽りと苦痛に溢れる世界を旅するのだ。希望の微笑みを浮かべながら。この第5連3行目までも「the child」の様子を述べる修飾部分であろう。そして再び最終行で希望は断たれる。「悪魔が交響曲を奏でる」のだ。壮大なる悪魔的世界が繰り広げられるのである。そこであえて「しかし」という接続詞を入れて訳した。

全ては「大いなる幻影（grand illusion）」（これはジャン・ルノワールによる1973年の反戦映画のタイトルとして使われたもの）であるとは、「愛や信心、誠実やといった善なるものは、すべて幻影である」と宣言しているかのようだ。そしてそこにあるのは「grad confusion（大いなる混乱）」である。「愛の子」として生まれながら、成長するにしたがって彼は偽りと憎しみの世界に一人残されるのだ。

最終行の「（in the world of hate）」は（）で囲われているように歌としては歌われない。彼の愛には世界は愛で応えてはくれないのだ。世界は愛ではなく憎しみに満ちていたのだ。

この希望も光もない物語。それは現実批判や社会批判と言ったものとは違う、もっと運命的な印象を与える。まるで神話が物語るわれわれ人間の運命のように。だから悲壮感溢れながらも、その理不尽さを嘆くような歌にはなっていない。人が業として背負っている「この世」の悲しみを歌っているかのようだ。

Nordagustの曲が持つ、救いようのない悲壮感や絶望感は、そのドラマチックで薄暗いサウンドとボーカルだけでなく、歌詞にも満ち満ちていた。しかしなぜかそこに魅かれるのだ。

怒りや同情などの感情を排して、淡々と叙事詩がごとく歌われる赤子の運命は、世の中とどう上手く折り合いをつけていたとしても、わたしたち一人一人の心の中に傷ついた赤子がいることを、静かに思い出させてくれるからなのかもしれない。

前列3人がアルバム制作時のメンバーで後列3人は新メンバー

「翼のある友」グリーンスレイド

2011-03-29T09:52:00.003+09:00

原題：Feathered Friends / Greenslade

■GreenSlade（グリーンスレイド）収録

「鳥たち（翼のある友たち）」

何を飲む？さぁ君に乾杯

そしてかつて空を飛び回った鳥たちすべてに乾杯だ。

陸にも海にも空にも動くものはいなくなってしまった。

もし僕らがここから自力で出ることができるのなら今が旅立つ時だ

太陽がまだ輝いているうちに

例え僕らが今ちょうど飛ぶ練習をしているところだとしても

僕らは何とかやっていけるだろう、少しずつ少しずつ。

すべてを死なせたのは毒だったのか？

それとも計画だけ立てておきながら助けようとしなかった人間だったのか？

指導すべき者として選ばれた少数の人間は嘘をつくことを選んだに違いない

僕らの知っていることを他の人たちに知らせるなら今がその時だ

平坦な道ではない

例え僕らがそのゲームでは新米であったとしても

もし僕らが失敗したとしても責めを負う人なんているのか？

もし僕らがここから自力で出ることができるのなら今が旅立つ時だ

太陽がまだ輝いているうちに

例え僕らがそのゲームでは新米であったとしても

もし僕らが失敗したとしても責めを負う人なんているのか？

何を飲む？さぁ君に乾杯

そしてかつて空を飛び回った鳥たちすべてに乾杯だ。

陸にも海にも空にも動くものはいなくなってしまった。

What's your poison? Well here's mud in your eye

And here's to all our feathered friends that used to fly.

Gone is all motion, on land and in ocean and sky.

It's time to leave if we can heave ourselves away from here

While the sun is still burning

Even though we're just learning to fly

We can get by, by and by.

Was it poison that made everything die?

Or was it man who planned to help, but didn't try?

The few that were chosen to lead must have chosen to lie.

It's time to go if we're to show the others what we know.

The route isn't easy.

Even though we're just new to the game

Who's left to blame if we fail?

It's time to leave if we can heave ourselves away from here.

While the sun is still burning.

Even though we're just new to the game.

Who's left to blame if we fail.

What's you're poison? Well here's mud in your eye.

Here's to all our feathered friends that used to fly.

Gone is all motion on land and in ocean and sky.

【メモ】
ツイン・キーボードが大きな特徴であるイギリスのバンドGreenslade（グリーンスレイド）のデビューアルバムから、冒頭の1曲である。

1stアルバム全7曲中3曲がインストゥルメンタルとなっていることから、インストゥルメンタル主体の超絶技巧キーボードアルバムだと期待すると大きく外れる。むしろバランス良く歌と演奏が組み合わされたボーカル曲が持つ世界がメインであり、インストゥルメンタル曲もその世界の中に置かれている感じだ。

プログレッシヴ・ロックの範疇に入れられることが多いが、実験的な試みを押し進めていくタイプでもなく、二人のキーボード奏者のスリリングな掛け合いを味わったりするテクニカルなタイプでもない。ポップセンスといかにもイギリス的な渋いキーボードの音が全体を包み込む、奇をてらったところの無い作風が逆に魅力な作品だ。

さてその最初の曲ではいったい何が歌われているのだろう。

まずタイトルであるが、「Feathered Friends」とは直訳すれば「翼の生えた友達」ということだけれど、口語的表現として「鳥（鳥類）」を示す言葉である。しかし歌詞の内容を見ていくと、「鳥」というイメージに託して、今未知の世界へ飛び立とうとする「僕ら」のことを歌っていることがわかる。その意味では「翼のある友」という日本語訳も決して的外れではない。

「What's your poison?」は口語で「何を飲む？」という意味で、ここでは「毒」ということではない。「poison」は「酒」のこと。次の「Here's mud in your eye（気味の健康を祝して乾杯！）」につながる言葉である。乾杯するのは「君」と「僕」、そして「かつて空を飛び回った鳥たちすべて」である。つまり「君」も「僕」も「かつて空を飛び回った鳥たち」と同じ存在として並べられているということだ。

第1連最終行で「陸にも海にも空にも動くものはいなくなってしまった」とあることから、「かつて」の「鳥」たちの後を継ぐべく、「鳥」たちへ敬意を払いつつ「君」と「僕」はその後を継ごうとしているかのようである。

第2連でそれはより明確になる。「僕らが自力でここから出ることができるのなら、今が旅立つ時だ」と、これから自分たちの力で、自分たちの意志で、行動を起こそうとしている様子がうかがえる。「leave」は「旅立つ」と訳したが、基本的には「今いる場所から立ち去る」という意味合いが強い言葉だ。つまり何か目標や目的に向って邁進するというよりは、現状を脱したいという気持ちが強く感じられる表現なのだ。

「太陽が輝いているうちに」とは、自分たちが旅立つことに意味があるうちに、つまりそこにまだ希望が感じられるうちに、という感じだろうか。僕らはまだ十分に飛ぶ練習をし終わったわけではない。でも何とかなる。例え少しずつでも何とか飛び続けていけるようになる。待っていてはだめなのだ、行動を起こすこと、あるいは行動を起こしながら自分たちも成長していくのである。

鳥（feathered friends）の巣立ちに例えて、自分たちの新たな旅立ち、あるいは現状を変えようとする行動への第一歩を今踏み出そうとしている決意が、ここには示されている。

第3連では、ではなぜ「僕ら」は行動を起こそうとしているのかが語られる。「すべてを死なせたのは毒だったのか？」と問いかける。ここで冒頭の「poison」が再び使われるが、今度は「毒」であろう。同じ単語を並べながら異なる意味で使っている巧みな表現だ。

「すべて」とは、今はどこにもいなくなってしまった鳥たちを指すと考えられる。それは自由に人間らしく夢を追いながら生活していた人々のことを指しているように思える。そうした人々は今はいなくなってしまったのだ。それは「毒」せいなのか？それとも「計画しながら実際には助けなかった人間のせいなのか？」。「毒」も「人間」が盛ったものかもしれない。とすれば「殺そうとして殺した」ことになるし、「助けようと計画しながら助けなかった」のは、言わば「見殺し」にしたということになる。

それが具体的にどのような状況を示しているのかは、歌詞の中だけではわからない。「陸・海・空」と並べられると、戦争がイメージされる。時はまさにベトナム戦争の真っただ中だ。イギリスは直接参戦はしていないが、ジョン・レノンによる反戦活動など、イギリスにおいても若者の間での反戦意識は高かったと思われる。

しかしまた戦争に限定しているわけでもない。むしろそれをも含めた現状、今の社会に対する反発であると広く取った方が良いかもしれない。それは為政者たちの愚行へ向けられた非難からも感じられる。「指導すべき者として選ばれた少数の人間は嘘をつくことを選んだに違いない」とは、簡単に言えば「政治家は嘘つきだった」ということである。

第4連では「僕ら」の行動の中身が示唆される。それは「僕らの知っていることを、まだ知らぬ他の人たちに示し伝えること」である。「反戦運動」もそうであるが、そうした政治的意識をあまり持っていなかった人たちに対し、自分たちが率先して政治的腐敗（嘘をつく為政者）や社会的衰退（飛ぶものはなにもいなくなった）を知らしめていこうということであろう。

しかし「The route isn't easy（その道は平坦なものではない）」。「僕ら」はまだ飛ぶことすら満足にできないのだ。あるいはそうしたゲーム（政治的活動）には新米（未経験）なのだ。

続く「Who's left to blame if we fail?（もし僕らが失敗したとしたら、誰がその責めを負うのだろう？）」という文は、実際に責めを負うことになる人が誰かを問うているわけではないと解釈した。つまり反語法である。「僕らが失敗したとしても、誰がその責めを負うというのか？誰も責められはしないのだ。」ということだ。

つまり、「僕ら」が起こそうとしている行動は、例え失敗に終わったとしても、意義のある行動、しなければならない必要な行動なのだという確信を「僕」は持っているのだ。失敗を気にしたり心配する必要はない。「僕ら」のやろうとしていることは正しいことなのだから。ここからは、現状を変えるためにとにかくまず自分から行動を始めなければいけないという強い意志が感じられるのである。

この歌からは、「（真実を）知っている」若者である「僕たち」が、それを暴き社会を変えていこうと行動を起こすにあたっての“出陣式”にも似た場面が目に浮かぶ。「僕ら」は先陣たちに敬意を表しつつ、自分たちが開こうとしている未来に向かって「乾杯」しているのである。しかしそれが単なる体制批判ではなく希望を胸に行動を起こす「僕ら」に焦点を当てていることで、前向きな力を持った曲になっていると言えよう。

自分たちが行動を起こすことで、社会や世界は変えることができると思えた時代、あるいはそうした考え方が大きなうねりとなった時代。そんな1970年代前後における、純粋でかつ無謀であったが熱い思いに溢れていた若者らしい歌詞である。ちなみにアルバム発表は1973年のことだ。

「ドッグ」ピンク・フロイド

2011-03-10T20:30:00.003+09:00

原題：Dogs / Pink Floyd

■Animals（アニマルズ）収録

「犬たち」

クレイジーになるんだ、本当に必要なものを手に入れるんだ。

眠るときも油断しちゃだめだ、街に出た時には、

目をつぶっていてもカモを見つけ出せるようにするんだ。

そして静かに移動し、風下で姿を隠し、

その時が来たら何も考えずに襲いかかるんだ。

そうやってしばらくすれば、やり方の心得に則って動けるようになる
クラブ用ネクタイ、固い握手、
ある種の魅力的眼差しにゆったりした微笑み
欺こうとする相手からは信用されるようにするんだ
そうすれば彼らが見放そうとした時
ナイフを突き立てるチャンスが得られるからさ

片方の目は肩越しに後ろを見ているんだ
わかっているだろ状況はもっと厳しくなる、
歳を取るごとにもっともっと厳しくなっていく
そして最後に荷物をまとめて南方へ高飛びだ
他の寂しい老人同様に砂浜に頭を埋めて隠れるんだ
独りぼっちで癌で死んでいくのさ

自制心を失ってしまったら、
自分がしたことの報いを受けるだろう
恐怖が大きくなるにつれ、
敵意は動きを緩めやがて石になる
もうかつて投げ捨てなければならなかった体重を減らすには手遅れだ
そして落ちぶれ始めたら、もうずぶずぶに溺れていく、孤独の中で
その石に引きずり落とされていく

僕はちょっと混乱しているんだろう
時々僕は自分がただ利用されているだけのように思えてしまうんだ
目を覚ましていなければ、
忍び寄るこの不安を払いのけようとしなければ。
自分の居場所にしっかり立っていなければ
どうやってこの迷路の出口を見つけることができるというんだ？

耳をふさぎ口をつぐみ目を閉じて、ただこう考え続けるんだ
人は皆消耗品で真実の友などいないと。
そうすれば成すべきは勝者を孤立させることだと思えてくるだろう
この世ではどんなことでも実行可能であって
そして誰もが殺人者だと心から信じるようになるだろう。

苦しみに満ちた家に生まれたのは誰だ
ファンにツバを吐かないよう仕込まれたのは誰だ
その男にやり方を教わったのは誰だ
訓練担当者にしつけられたのは誰だ
首輪と鎖をつけられたのは誰だ
賞賛の言葉を与えられたのは誰だ
集団から離れようとしたのは誰だ
家でも部外者に過ぎなかったのは誰だ
最後に虐げられたのは誰だ
電話中に死んでいるのを見つけられたのは誰だ
石の重みに引きずられて沈まされたのは誰だ

You gotta be crazy, you gotta have a real need.

You gotta sleep on your toes, and when you're on the street,

You gotta be able to pick out the easy meat with your eyes closed.

And then moving in silently, down wind and out of sight,

You gotta strike when the moment is right without thinking.

And after a while, you can work on points for style

Like the club tie, and the firm handshake

A certain look in the eye and an easy smile

You have to be trusted by the people that you lie to

So that when they turn their backs on you

You'll get the chance to put the knife in.

You gotta keep one eye looking over your shoulder

You know it's going to get harder,

and harder and harder as you get older

And in the end you'll pack up and fly down south

Hide your head in the sand just another sad old man

All alone and dying of cancer.

And when you loose control,

you'll reap the harvest that you have sown

And as the fear grows,

the bad blood slows and turns to stone

And it's too late to loose the weight you used to need to throw around

So have a good drown, as you go down, alone

Dragged down by the stone.

I gotta admit that I'm a little bit confused.

Sometimes it seems to me as if I'm just being used.

Gotta stay awake,

gotta try and shake off this creeping malaise.

If I don't stand my own ground,

how can I find my way out of this maze?

Deaf, dumb, and blind, you just keep on pretending

That everyone's expendable and no-one has a real friend.

And it seems to you the thing to do would be to isolate the winner

And everything's done under the sun

And you believe at heart, everyone's a killer.

Who was born in a house full of pain

Who was trained not to spit in the fan

Who was told what to do by the man

Who was broken by trained personnel

Who was fitted with collar and chain

Who was given a pat on the back

Who was breaking away from the pack

Who was only a stranger at home

Who was ground down in the end

Who was found dead on the phone

Who was dragged down by the stone.

【メモ】
1977年に発表されたPink Floydのアルバム「Animals（アニマルズ）」から、LPA面のほとんど全てが費やされた17分を越える大作「Dogs（ドッグ）」である。

発売当初の私的な印象としては、率直に言ってPink Floydらしくなくなったな、というものだった。政治批判・体制批判的視点は、それまでの神秘的な音宇宙を体験させてくれるバンドというイメージからは程遠かったし、当時勃興中のパンクに擦り寄ったかのような印象を与えた。また人々を豚・犬・羊に例えるというのも、まさにジョージ・オーウェルの「動物農場（Animal Farm）」のアイデアそのままの凡庸なものに思われた。

さらに「狂気（The Darkside of the Moon）」の成功で、自分たち自身が結果的に“大金持ち”になっているのに金持ちを批判することにも、矛盾というか説得力のなさを感じたものだ。

そしてサウンド的にも実験色・サイケデリック色がなくなり、音の面白さを感じさせてくれるアイデアにも乏しく、ストレートなロックサウンドの印象ばかりが強くて面白みが欠けている気がした。そのDave Gilmourの力強いギターサウンドに魅力を感じ出すのは、もっと後のことだ。

しかし巷で言われているように、本当にこのアルバムは豚・羊・犬をそれぞれ資本家・市民・インテリになぞらえて批判したものなのか。そこがずっと気になっていた。そこで今回、アルバムのメインとも言える一番の大曲の歌詞を、ここで取り上げることにした。

歌詞には「you（おまえ、お前たち）」と「I（僕）」が出てくる。そして「You gotta be crazy」という「you」への語りかけ、あるいはアジテーション的な言葉で曲が始まる。しかし「クレージーにならなければならない」という言葉自体に、逆に追いつめられた感じが漂う。そして第1連と第2連で、社会でうまく立ち回って利を得たり、自分を守ったりする方法が述べられる。

第3連ではその後のことまで触れられている。歳を取ったら南に高飛びしてしまえと。“南海の楽園”に脱出し余生を過ごすイメージだろうか。

ところがそこでもビーチの「砂に顔を埋めて」隠れなければならない。同じようなことをしてやって来た他の寂しい老人と同様に。そして独りぼっちで癌にでもかかって死んでいくのだと。そこには勝者の優越感も明るい未来への夢もない。待っているは癌のような病いで結局は孤独に死んでいく寂しい末路である。

うまく立ち回ったとしても、そこに幸福な未来はない。しかし上手く立ち回るための「自制心を失ったら（loose control）」、自らの「敵意（bad blood）」が大きく膨れ上がり重い石となって自分は凋落していくのだ。やはり孤独の中で。

第5連で初めて「I（僕）」という言葉が出てくる。社会で上手く立ち回っても、それに失敗して凋落しても「孤独」なことに気づいたかのように、あるいは気づかないフリをしていたのに思わず口に出てしまったかのように、「僕はちょっと混乱しているんだろう」と、もう一度気持ちを引き締めようとする。

第6連でも「耳をふさぎ口をつぐみ目を閉じて」と言う。強引に自己をコントロールしようとする姿が目に映る。「人は消耗品であり真実の友などいない」、そして「誰もが殺人者だ」と、まるで自分自身に言い聞かせるかのように、「僕」は再び「you」に語り始める。

しかしここまで来ると、それはすでにそうせざるを得ない状況に追い込まれている「僕」の気持ちの反映であることがもうわかるだろう。決して成功者が成功譚を語って聴かせているわけではないのだ。

「僕」の思いは最後に爆発する。
すべてはここまで自分を殺し他人を踏み台にして生きなければならない社会や環境や背景や、その結果を綴ったものだろう。反語法的な文章と捉えれば、答えはすべて「you」であり、また「I」である。管理され阻害され続けてきた自分たちの社会、あるいは人間として生きることの辛さや理不尽さへの叫びである。

さらに言えば、批判ですらないのかもしれない。この曲の中心は「I」が抱えている大きな疎外感、孤独感なのではないか。“狡猾者への誘い”のようなアジテーションは、その屈折した感情のはけ口に過ぎない。「I」自身がそういったうまい立ち回りをしているかどうかも怪しい。むしろ最後の言葉、「石の重みに引きずられて沈まされた」人物が、一番近いのかもしれない。印象的なイメージである。そしてそれを批判し凶弾する具体的な相手が見えない無力感や苛立ちが、この曲には込められている気がするのだ。

「無縁社会」という言葉を引くまでもなく、人と人との繋がりは薄れ、逆にマニュアル的管理だけが強まっている現代社会。誰もが孤独であるこの世界。このアルバムが発売された1977年当時ロジャー・ウォーターズが抱えていたこの個人的（に思えた）疎外感と孤独感、そして閉塞感は、今誰もが共有する感覚になっている。

Pink Floydの歌詞は「狂気」から現実社会へと向き始めるが、このアルバムは高みから社会を批判するようなものではなく、うまく立ち回って生き抜こうとする人間（これがエリート・ビジネスマンなのか？）をズルい人間、あくどい人間として批判しているわけでもない。「Dogs」が「インテリ層批判」であるという指摘は的外れだと言えるだろう。発売当初に感じていた「単純な社会批判」ではなかったということである。

ちなみに「ファンにツバを吐く」というのは、爆竹を鳴らしリクエストした曲をやるように騒いでいた“ファン”に対して、怒りの限界を越えたウォーターズがツバを吐いたという本アルバム発表後のコンサートの出来事で、現実のことになる。

「スタグネーション」ジェネシス

2011-02-10T10:50:00.005+09:00

原題：Stagnation / Genesis

■Trespass（侵入）収録

Stagnation / 淀み

ここで今日

赤い空が自分の話しを語り始める

でも耳を傾けるのはただ僕の両目のみ

山々は平和に満ちている

夜のとばりは僕の全ての自尊心を隠してくれるだろう

彼らは幸福なり

肉体から解放され微笑む者たちよ

僕には救済を待ち続けている

あらゆる他の群衆と同じに見えるけれど

待って

まだ時間がある

水たまりで洗い物をする時間が

過去を洗い流すんだ

月

僕が昔失った友人が

空から微笑みかけている

僕の涙に微笑んでいる

おいで

一緒に小径を歩こう

僕の家に続く小径を

夜の外側にいよう

氷のように冷たいナイフがやって来て

死体を飾り付ける

どういうわけか

二人はそれぞれの家を見つけるだろう

まだ時間は残されているだろう

なぜなら愛する友よ

- 君はそこにいてくれるのだから -

僕は永遠に待とう

もの言わぬ鏡の横で

そして苦い雑魚を釣り上げるんだ

水草やどろどろした

水の中で

僕は、僕は、僕は、僕は、僕は

言ったんだ座りたいんだと

僕は、僕は、僕は、僕は、僕は

言ったんだ座りたいんだと

飲み物が欲しいんだ

僕のノドから埃と泥をすべて取り出すために

飲み物が欲しいんだ

僕の内蔵の奥底にある

汚物を洗い流すために

飲み物が欲しいんだ

そうだ一緒に飲もう

そして一緒に微笑もう

そして一緒に行こう

Here today
The red sky tells its tale
But the only listening eyes are mine
There is peace amongst the hills
And the night will cover all my pride

Blessed are they
Who smile from bodies free
Seems to me like any other crowd
Who are waiting to be saved

Wait
There still is time
For washing in the pool
Wash away the past

Moon
My long lost friend
Is smiling from above
Smiling at my tears

Come
We'll walk the path
That takes us to my home
Keep outside the night
The ice-cold knife has come
To decorate the dead
Somehow

And each will find a home
And there will still be time
For loving my friend
- You are there -
And will I wait forever
Beside the silent mirror
And fish for bitter minnows
Amongst the weeds and slimy
Waters

I, I, I, I, I
I, I, I, I, I
Said I wanna sit down
I, I, I, I, I
I, I, I, I, I
Said I wanna sit down
I want a drink
I want a drink

To take all the dust
And the dirt from my throat
I want a drink
I want a drink

To wash out the filth
That is deep in my guts
I want a drink

Then let us drink
Then let us smile
Then let us go

【メモ】
ジェネシスが1970年発売した2ndアルバム「Trespass（侵入）」からの一曲。ギターがアンソニー・フィリップス、ドラムスがジョン・メイヒューという布陣で、ギターにスティーヴ・ハケット、ドラムスにフィル・コリンズを迎えた、いわゆる黄金のラインアップ直前のバンドによるアルバムである。“黄金期”ほどに演奏や楽曲に派手さはないが、個性的なピーター・ガブリエルのボーカルをメインに、アコースティックさ溢れる雰囲気と、意外とストレートなリズムを叩き出すジョン・メイヒューが印象的だ。すでにドラマチックなジェネシスワールドは形作られている。

その中でもアコースティックで静的なイメージから、インストゥルメンタルがボーカルの伴奏の域を超え、一体となってシンフォニックな世界が交錯する「Stagnation」は魅力的な一曲である。

そしてその歌詞もなかなか興味深い。

歌詞そのものを見る前に、当初アルバムが発表された際にこの曲に書き添えられていた文章を見ておきたい。

To Thomas S. Eiselberg, a very rich man, who was wise enough to spend all his fortunes in burying himself many miles beneath the ground. As the only surviving member of the human race, he inherited the whole world.

トマス・S・アイゼルベルグ氏に捧ぐ。彼は富豪であり、賢くもその全財産を投じて自らを地下深くに身を隠した。人類最後の生存者として、彼は全世界を受け継いだのだった。

「地下深くに身を隠す」という表現は、「人類最後の生存者」という言葉とともに、核戦争とそれを逃れるための核シェルターを連想させる。1970年というアルバムが発表された時代は米ソが核開発を競い合う冷戦時代。核保有国も増加し1968年にはフランスが初の水爆実験を行なっている。

この“前書き”を前提に歌詞を解釈してみることにしたい。

まず「僕」が「Here today（ここで今日）」と念を押すように冒頭で言っているのは、「僕」が「ここで今日」地下のシェルターから地上へと戻って来たことを示しているのではないか。「僕」にとっては重要な場所であり日なのだ。つまり「アイゼンベルグ氏」が一人称で語る、核戦争後の地上へ地下から舞い戻ってきた後の話がこれから展開されるのである。

そこでまず出くわすのが「赤い空」が語る話である。「赤い空」はその連の最後に「夜」という言葉が出てくることから、「夕焼け」ではないかと思う。「耳を傾ける（listening）」のは耳ではなく「僕の両目のみ（only my eyes）だ。「赤い空」が語るのは「音」ではなく「視覚」に訴える“物語”だということか。つまりそれは「核戦争が行なわれてしまった」ということを、「僕」が「赤い空」が照らす地上の光景を見て感じ取ったのかもしれない。

そこに広がる一見平和に満ちているが、「赤い太陽」の話に耳を傾けるのは「僕」だけだ。その平和に見える世界には、見える範囲で自分以外に人影がや動くもののない静寂の光景なのではないだろうか。

「The night will cover all my pride」というのは、財産があることで自分一人地下深くのシェルターで生きながらえようとした“高慢”な行為を、「僕」は恥じているのかもしれない。地上へと舞い戻ってきたその姿を、誰かに見られたくないのだろう。夜の闇の中なら、高慢なる自分の存在が、人目につかずにいられるのだ。

ここで注目しておきたいのは、人目を気にしているということは、“前書き”に反して「僕」は人類最後の生き残りだとはまだ自覚していないということである。赤い空の下、しかし風景は平和に見える。そこで核戦争が行なわれた後に、人類が全滅してしまっているということは、「僕」はまだ知らないのだろう。

第2連では「僕」に対比する存在として「彼ら」について語られる。それも「肉体から解放され微笑む者たち」、つまり死者。「微笑む」というところから考えると「殉教者」か。さらに「救済を待つ者たち」、つまり様々な宗教の信者。「Blessed are they（彼らは幸福なり／幸いなり）」という言葉は、両者に向けられている。「any other crowd / Who are waiting to be saved.」と「救済を待つ者たち」は現在進行形で書かれている。つまり「僕」はまだそういう者たちが生存していると思っているということだろう。

そして「僕」は、一見殉教者の方が上のようだが、殉教者も信者も同じように見えると言う。つまり両者と距離を取っている。なぜなら僕は宗教に頼るのではなく、現実的選択として核シェルターに身を潜めたのだから。

第3連で彼は「待って／時間はまだある」と言う。生きる時間にピリオドを打たれたのではない、まだ自分は生き続けることができる。だから「高慢」と言われるような自分の行為を「プール（水たまり）で洗い流す」と言う。「僕」が自分自身をどこかで恥じているとすれば、それは宗教を否定したからではなく、財産があるものだけに許された特権的な方法だったからかもしれない。

第4連で「月」が、かつて「僕」が失った友人（friend）として登場する。太陽に続いて、夜の訪れとともにシェルターに潜んでいた間関係を失っていた「月」にも、久しぶりに会うことができたのだ。「月」は微笑む。久しぶりに会えた「月」の微笑みに、「僕」は涙してしまう。

そして「僕」は地上でかつて住んでいた家に帰ろうとする。「月」を共として。そして「Keep outside the night（夜を避けるんだ）」と言う。「夜」は自分の「自尊心」を隠してくれる安心できる時間帯ではなかったか。かつての「友」である月にも会えた時間ではないのか。その理由が次に書かれた内容に思える。「氷のように冷たいナイフがやってきて／死体を飾り付ける／どういうわけか」

ここで「dead（死体）」が初めて語られる。しかし「僕」はすでに「平和」に思えた風景の中に生きている自分とは別の、死んでいる人々を見ていたはずである。家への帰り道でもそうだ。その死体は夜の間に傷つけられるとは、死体が普通と違う早さや様相で変化していく様に気づいたのかもしれない。地上に出た「僕」はすぐに夜を迎える。まるで夜になったのが、そして暗くなったのがいけなかったかのように、死体は変容をもう始めている。それも「ナイフが切り刻んで飾り付けでも行なっている」かのように残忍に。そして異様に。

だから「夜を避けて」、「僕」は家へ、友である「月」も家へ帰るのだ。僕らにはまだこれからの時間がある。愛する友である「月」は例え視界から消えても決していなくなることもなく、そこにいて僕と一緒に生きてくれるのだ。

「僕」はここで友は「月」以外にはいない、つまり人類は自分を残して死に絶えたことを感じたのかもしれない。

次の連では「僕は永遠に待とう」という。何を待つかはわからない。奇跡的な生存者に出会うことか。それとも自らの命の終わりか。しかし「待つ」ことを自分の使命にしようとする。実際それ以外に何ができるというのか。

「もの言わぬ鏡の横で」とは常に自分を映す鏡の近くで、自分と無言で向き合いながらいようということだろうか。「水草やどろどろした水の中で苦い雑魚を釣り上げる」という表現は、自力で食べ物を得て生きていくことを述べつつ、描写には汚染され腐敗した自然の姿が込められているかのようだ。

この連は歌詞全体の中でも最も印象深い。静かにつぶやくような歌唱とメランコリックなメロディーが、これからの生活に対する「僕」の暗く沈んだ思いに、なぜか寓話のような淡々とした静けさを加えている。

しかしこの連は「will」という未来（これからそうなるだろう）、あるいは意志（これからそうしよう）の形の文章である。しかし次の連から歌詞は大きく展開していく。まず「I（僕は）」の執拗な繰り返しの後に述べられる「言ったんだ／座りたいと／飲み物が欲しいんだ」。ここまで抑えてきた感情が爆発したかのような叫びである。「座りたい」「飲み物が欲しい」という“欲求の発露”は、ここが始めてである。

さらに「said（と言った）」と過去形が使われているということは、すでに口に出していたがそれには触れまいとしていたのだが、触れずにはいられなくなった。つまり、立っていられなくなった自分に動揺している姿が目に浮かぶのである。

この連から次の連にかけては、突然大きな喉の渇きに襲われたような様子が綴られる。そうそれは放射能渦巻く世界を彷徨っていた自分の体にも、ついに死に至る変調がやってきたのであろう。サウンドも「I」の連呼に合わせてハードなものに切り替わり、感情の爆発を演出しているかのようである。

最終連で「一緒に飲もう／一緒に微笑もう／一緒に行こう」と「Let us」の文が続くが、これは愛する友としての「月」に向って言っているのだろう。この部分はサウンドに被さりコーラスのように歌われる。それは消えゆく叫びのように、あるいは声にならない心の叫びのように聴こえる。それは死を覚悟した叫び、「僕」の断末魔ではないか。そして死への孤独を思い「月」に一緒にいて欲しいと呼びかける叫びである。

以上のように、わたしはこの歌詞をかなり壮絶な内容を描写したものとして解釈した。もしかすると「僕」は、地上に戻ったその場所から、一歩も動いていないのかもしれない。すべてはその場で思いを巡らせていただけで、夕方から夜へと時間だけが過ぎて行ったのかもしれない。きっと「彼が全世界を受け継いだ」のは、わずかなわずかな時間に過ぎなかったのだ。

核戦争後に、地下に一人避難していた「僕」は地上に戻り、不気味なほど静かで“平和”に見える世界を目にし、実際は荒廃し死体ばかりが横たわる中を複雑な思いで家へと向おうと思う。すでに陽は傾き夜になる。次第に自分が最後の生存者だということが理解され、一人月を友に生きる生活を思う。しかしそれも束の間、自らの命ももう尽きようとしていたことを知る。

アルバム「Trespass（侵入）」では、やはりラストの「The Knife（ザ・ナイフ）」が、Genesisがプログレッシヴ・ロックの道へ進み始めた最初の成果として注目されることが多いように思う。実際にステージでは頻繁に取り上げられていた曲であったともいう。しかし、このアルバムの白眉はこの「Stagnation」ではないかと思う。

最後に「トマス・S・アイゼルベルグ氏に捧ぐ。…」という前置きは、「誰」の言葉なのかを考えてみるのも面白いかもしれない。かつて「地球人」が存在したことを知った「宇宙人」か？それとも旧地球人の後に生まれた新地球人（新人類）だろうか？

「タイム・トゥ・アンダースタンド」アニマ・ムンディ

2011-01-27T10:14:00.006+09:00

原題：Time to Understand / Anima Mundi

■The Way（ザ・ウェイ）収録

「理解の時」

あなたは黄金の帝国を築いてきた

大地を屈辱し、多くの命を奪いながら

今あなたは暗闇の中で安らかな気持ちでいる

顔を壁に向けたまま

人生においてはいつでも

あなたは司祭を買収し魂を売る

もしあなたが悲しみへと向かい

自らを塵の王国へと落ちそうな場合は

時々あなたは自分が

成功者の一人となったと考える、愛からはほど遠くても

時々あなたは極寒の冬が

あなたの心を永遠に奪ってしまったのだと感じる

わたしは冬が長く続いていることを知っている

しかし今こそ理解し飛び立つ時なのだ

あなたの金色の帝国はただの塵の王国なのだ

金で不死のための切符は手に入れられないのだ

今、この人生において日に日に

あなたは本当の家に近づいていくだろう

もしあなたが太陽の邸宅へ上っていくのなら

塵の王国から自己を高めながら

この塵の王国から

わたしは冬が長く続いていることを知っている

しかし今こそ理解し飛び立つ時なのだ

あなたの黄金の帝国はただの塵の王国なのだ

金で不死のための切符は手に入れられないのだ

あなたは壁を打ち破り飛び立たねばならない

脅威に満ちた天空を抜け永遠の別れを告げて

今こそ理解し共に光りの中へと飛び立つ時なのだ

You have been building an empire of gold,
Humiliating the earth, killing so much,
Now you feel secure in the darkness
With your face against the wall

Every day of your life
You buy the priest but sell your soul
If you move into the grief direction,
Sinking your self in the kingdom of dust

Sometimes you think that you’ve become
In a successful being, being far from love
Sometimes you feel that the deepest winter
Took your soul forever more

I know the winter has been long
But now it’s time to understand and to fly
Your empire of gold is just the kingdom of dust
Money can’t get the tickets not to die.

Now, every day of your life
You are closer to your real home
If you ascend into the Sun Mansion
Raising your self from the kingdom of dust
From this kingdom of Dust

I know the winter has been long
But now it’s time to understand and to fly
Your empire of gold is just the kingdom of dust
Money can’t get the tickets not to die.
You must strike down the wall and to fly
Through the wonder skies and forever say goodbye.
It’s time to understand and to fly together into the light

歌詞はAnima Mundi公式サイトより

【メモ】

キューバで生まれた世界レベルのシンフォニック・バンド、Anima Mundiの2010年発売のアルバム「The Way」より、その冒頭の曲である。ドラマチックでビンテージ感の強いシンセサイザー・オーケストレーションをバックに、クリアーで伸びのある男性ボーカルが、静かな歌い出しから一気に力強いハイトーンを聞かせる導入部が印象的だ。

歌詞は全編に渡り「わたし」から「あなた」への呼びかけとして語られる。ここでの「you」は内容的に「あなた」とも「あなた方」とも取れるかと思ったが、第5連で「Raising your self...」と、単数形の「self（複数形ならselves）」を使っているので、一応「あなた」と単数形で訳している。

しかし歌詞全体を通してみると、それは単に特定の個人の生き方に向けた言葉というよりは、人々の営み全体をより高いところから見下ろして述べた言葉のように聞き取れる。「金色の帝国」を築いてきた「あなた」は、その過程で「大地／地球を屈辱し、多くの命を奪って」きた。これは自然破壊や戦争・戦乱などの歴史や犠牲の上に築かれた、現代の文明社会を思い起こさせる。

したがって「あなた」と単数ではあるものの、ここでは人々全体、あるいは人類全体の一人一人に向けられた言葉なのであろう。

「あなた」はそれで安らかな気持ちでいられるつもりでいるが、実は居るのは暗闇の中。それも実は壁に顔を向けた弧度の中である。不幸が訪れようとすると、金で解決する。それは魂を売ることになる。そうやって「塵の王国（kingdom of dust）」に落ちていかないよう腐心し続けている。成功者と思えたとしても、そこに愛はなく、心は極寒の冬に奪われて凍り付いたままである。

つまり物質的な豊かさ、お金ですべてを解決しようとする生き方、それが「黄金の帝国」を築いた「成功者」の誇りだとしても、心は孤独と虚無に満ち、常にその地位を保とうと落ち着かないでいる。それが「あなた」の真の姿なのだと、「わたし」は指摘するのだ。

第4連で初めて「わたし（I）」という言葉が出てくる。「わたし」はあなたの心が冬の状態にずっとあることを知っていると言う。そして呼びかける。そこから今こそ「理解を得て飛び立て」と。「あなた」の思っている「黄金の帝国」は、実は逃れようとしていた「塵の王国」に過ぎないのだ。「理解（understand）」とは何を理解するのか。それはそんな「あなた」自身の実像であり、本当に向うべき先であろう。

このようにすべてを知り、諭すように語る「わたし」は、すでに「神」の視点であると言って良い。「あなた」は「暗闇」や「真冬」の世界から抜け出し、「本当の家」である「太陽の邸宅」へ向って飛び立たねばならない、そう諭し導くのは「神」であろうと思う。

「お金で不死の切符は手に入れられない」という表現からは、逆にお金ではなく「自らを高め（raise your self）」、「光の中へと（into the light）」飛び立つことで、肉体の死を越えた魂の存在が可能となるという、非常にスピリテュアルな世界観が見て取れる。

こうして見てみると、「神」の視点とは言いながら、強い信仰心を求める宗教的な色彩よりも、どちらかと言えばニュー・エイジ風な、より高次の存在へと向うことの大切さを説くような雰囲気が強い。宗教的な「神」というよりは「霊的先導者」のような存在に近いかもしれない。

地理的には北米に位置するキューバであるが、ラテンアメリカ文化圏としては南米の国々に近い。歌詞から浮かび上がる世界観や、雄大で大らかでコズミックなサウンドは、例えばブラジルのザグラド（Sagrado Coracao Da Terra）などにも通じるものを感じる。

逆に言えば、この美しくも力強いシンフォニックサウンドに非常に相性の良い歌詞であり、全体として聴く者にスピリチュアルな別世界を感じさせてくれる作品になっていると言うことが言えるように思う。まさにバンドメンバーが語る、次のような言葉通りの歌詞でありサウンドである。

「『The Way』は間違いなく今の時代のアルバムではあるけれども、1970年代の精神を現代に呼び戻すことができたらと考えて作られたものだ。でも、シンフォニック／プログレッシヴ・ロック・バンドの黄金時代の恵みを思い起こすためだけでなく、当時の幻想的な雰囲気や芸術的なオーラを表現するためにね。そこでは一般的な感覚として、音楽が宇宙、自然、人間の精神と、より大きく共鳴していたんだ。」

Anima Mundi公式サイトより

ちなみにこのAnima Mundiとはラテン語で、英語ではWorld Soul、「世界霊魂」「宇宙霊魂」などと訳される。それは物質界を組織し支配すると考えられた力を指す。この言葉と概念は古代ギリシャの哲学者プラトンに起源を持ち、新プラトン主義の主要な要素と言われる（Wikipediaより）。

なお、CDに掲載されている歌詞は第1連から第3連までが一つになって、全体で4連からなる構成になっている。ここでは見やすさの点から、公式サイト版を採用した。

「レミングス」ヴァン・ダー・グラフ・ジェネレーター

2011-01-03T18:04:00.003+09:00

原題：Lemmings (including Cog) / Van Der Graaf Generator

■Pawn Hearts（ポーン・ハーツ）収録

「レミングス（そして歯車の歯）」

僕は独り最も高い崖の頂上に立ち

眼下や周囲を見ていた、そして目に入るもの全ては

僕が心から共有したいと思う人々でありながら

全く何も眼に入らないかのように海に向って飛び込んでいくのだった…

僕はこれはいったい何というゲームなのか聞こうとしたんだ

でも僕はそのゲームをすることはないだろうとわかっていた：

声が、一斉に、そしてバラバラに、僕の耳に聞こえてきた…

「我々は英雄たちをこれまで見てきたが

彼らには力が無いことがわかった；

我々はこの土地をくまなく見て回ったが

しかし夜明けを目にすることはできない；

我々は今思い切って天を焼灼しようとしているが

しかし未だに血を流し続けている；

我々は断崖に近づきつつある、

我々には今呼び声が聞こえるのだ。

雲たちは山のような形に積み重なっており

前進する意外に逃げ道はない。

今我々に解決策を求めないでくれ、

あのしきたりに屈するにはあまりにももう遅すぎるのだ

死ぬ以外にどんな道が残されていると言うのか？

我々は誉れ高き王たちをこれまで見てきたが

命ある人々以下の存在だとわかった；

彼らの名前は塵に過ぎない

我々の若く、新しい法律の正義の行進の前においては。

心をひどくよろめかせながら、

我々は暗いトンネルへと突進する；

誰も止めることはできない

未知なる奈落への口への我々の最後の跳躍を

そして長老たちが額を叩くけれど

彼らは今となっては我々を止めるのは

本当にもう遅過ぎるのだとわかっている。

なぜならもし天に死の種が撒かれているのなら

息を吸うことにいったいどんな意味があるというのか？

吐き出すんだ。

死以外にどんな目的が残されていると言うのか

我々が確信を持てない何かを探し続ける上で？」

死以外にどんな目的が残されていると言うのか？

…僕にはその理由が本当にわからない…

僕は僕らの死は遠からずやってくることを知っている

でもなぜあなた方はそれを早めようとするのか？

時は最後に証明するかもしれない

行きているものだけが時を動かすのであり

流砂の中には生き物はいないのだ。

そうだ、僕は知っている

それは制御不能、制御不能なのだ；

脂ぎった機械がレールの上を滑っている、

若い心と身体は鉄のスポークで挿し貫かれている。

歯車は骨を引き裂く、骨を引き裂く。

鉄の溝がつけられた怪物たちが叫び声を絞り出す

心と機械が夢を箱形に型抜きする。

しかしまだ時間がある…

今逃げるのは臆病者だ

戦いは始まったのだ…

ナイフのない戦争、命をかけた戦いが、

レミングスは何も教えてはくれない；

死は何の希望も与えてはくれない、僕らは

未知の答えを模索しなければならないのだ、

僕らの活力を統合し、洪水を和らげ、

悲劇を避けるのだ。

群衆の中で叫び声を上げる以外にも方法はある；

それは僕らを単なる憎しみの歯車にするだけだ。

僕らの存在する理由と場所に目をやるのだ、

自分自身と星々に目をやるのだ、

そうなのだそして最後には

僕らの子どもの子どもの子どもたちを

救う希望を持って

生きる以外にどんな選択肢があるというのか？

生きる以外にどんな選択肢があるのか？

小さき子らを救うために？

努力する以外にどんな選択肢が残されていると言うのか？

I stood alone upon the highest cliff-top,

looked down, around, and all that I could see

were those that I would dearly love to share with

crashing on quite blindly to the sea...

I tried to ask what game this was

but knew I might not play it:

the voice, as one, as no-one, came to me...

"We have looked upon the heroes

and they are found wanting;

we have looked hard across the land

but we can see no dawn;

we have now dared to sear the sky

but we are still bleeding;

we are drawing near to the cliffs,

now we can hear the call.

The clouds are piled in mountain-shapes,

there is no escape except to go forward.

Don't ask us for an answer now,

it's far too late to bow to that convention.

What course is there left but to die?

We have looked upon the High Kings,

found them less than mortals:

their names are dust before the just

march of our young, new law.

Minds stumbling strong, we hurtle on

into the dark portal;

No-one can halt our final vault

into the unknown maw.

And as the Elders beat their brows

they know that it's really far

too late now to stop us.

For if the sky is seeded death

what is the point in catching breath?

Expel it.

What cause is there left but to die

in searching of something we're not quite sure of?"

What cause is there left but to die?

... I really don't know why ...

I know our ends may be soon

but why do you make them sooner?

Time may finally prove

only the living move her and

no life lies in the quicksand.

Yes, I know it's

out of control, out of control:

greasy machinery slides on the rails,

young minds and bodies on steel spokes impaled.

Cogs tearing bones, cogs tearing bones;

Iron-throated monsters are forcing the screams,

mind and machinery box-press the dreams.

But there still is time ...

Cowards are they who run today,

the fight is beginning...

no war with knives, fight with our lives,

lemmings can teach nothing;

death offers no hope, we must grope

for the unknown answer,

unite our blood, abate the flood,

avert the disaster.

There's other ways than screaming in the mob:

that makes us merely cogs of hatred.

Look to the why and where we are,

look to yourselves and the stars,

yes and in the end

what choice is there left but to live

in the hope of saving

our children's children's little ones?

What choice is there left but to live?

to save the little ones?

What choice is there left but to try?

【メモ】
第1期（Van Der Graaf Generatorの1971年の4thアルバム。一旦解散する直前のこの時期、集大成的な過激な音のぶつかり合いが、強烈な印象を残す傑作。全3曲という大作揃いの中のトップを飾る曲がこの「Lemmings」である。

レミングは別名タビネズミと言い、異常繁殖すると集団移動して湖や海で大量に死ぬという“集団自殺”する習性を持つ動物として有名だ。そのイメージがこの歌の前提としてある。

正式なタイトルは「Lemmings (including Cog)」。「including…」はKing Crimsonの初期のアルバムタイトルを思い出させる。「cog」とは「歯車」あるいは「歯車の歯」、比喩的には「大機構の中で歯車の歯のような小さい役割を演ずる人」のこと。「cog」は歌詩の中にも現れる。

なお、歌詞は2005年版のCDライナーノートのものを採用した。ダブルクォーテーション（" "）で囲われている部分は、わかりやすくするため敢えてイタリックにしてある。原文の表記の仕方とは異なるがご了解いただきたい。

では実際の歌詞世界を見てみたい。

歌詞は、岸壁に一人たたずむ「僕」の内省部分と、「僕」が耳にする「声」からなる。「声」は「僕」の周りでレミングのように集団で海に飛び込んでいく人々から発せられている。「僕」にとっては理解できない「ゲーム」にしか見えないその行為について、「声」は「僕」に話し始める。

そこで語られるのは“絶望”である。英雄だと思っていた人物は無力だった。夜明けも見られない。天（天国）を「sear」しようとしたが、自分たちは血を流し続けている。「sear」は「焼く・焦がす」という意味に加え、「焼杓する（病気の組織を電気や薬品で焼いて治療する）」という意味がある。天を「sear」するというのは、天国あるいは宗教の在り方、あるいは宗教組織を浄化、改善しようとして果たせなかったことを示しているのだろう。

そして全てに無力を感じるだけでなく、さらには追いつめられている。「前進する以外に道はない」のだ。「解決策」を考えることすら放棄している。「あのしきたり（that convention）」とは、既存の価値観だろうか。それをいまさら受け入れることなどできないのだ。こうして彼らに残されているのは“絶望”のみなのである。そして今彼らは叫び声を上げながら、断崖から海へと身を投じようとしているのだ。

彼らは自分たちの「young, new law（若く、新しい法律）」の素晴らしさは信じているのだ。それを前にしては誉れ高き王たちも塵に過ぎないと考えているのだから。しかし向っているのは暗いトンネル、未知の奈落への最後の跳躍なのである。

それを聴いて「僕」は問い返す。「死以外にどんな目的が残されているというのか、だって？」「僕」はそんなことを言う理由がわからないという。明らかに「僕」はレミングのように死に向おうとしている人々に対し、同意できないという宣言をしている。

「機械（machine）」は世俗的な因習の持つ力の比喩であろうか。血も涙もなく、力任せに、決められたレールの上を有無を言わさず突き進む機械のような、古い体制や古い価値観。若者の心と身体、そして骨は引き裂かれ、夢は矮小化されてしまう。歯車（cog）に引き裂かれた人々は、やがて自らも「憎しみの歯車の歯（cogs of hatred）と化していく。「僕」もそれは知っている。感じている。それは彼らと同じだ。

しかし「僕」は“絶望”してはいない。「まだ時間がある…」と「僕」は言う。「僕」にも明快な「解決策」があるわけではないのだろう。しかし命をかけた戦いを始めようとしているのだ。自分たちの子どもたちの子どもたちの子どもたち（小さき子ら）のために。つまり自分の、そして子どもたちの未来のために、「僕」は“希望”を持って、生きようとしている。「僕」は言う。「生きる以外にどんな選択肢があるというのか？」。まさに彼らと逆の叫びである。

厳しい現実、そこには宗教への不信感が色濃く出ている気がするが、そうした中で、現実を否定せず、多くの“絶望”する人たちを目にしながら、それでも“希望”を見いだそうとする「僕」。そこに、いつの時代にも通じる、生きようとするエネルギーを感じる。

力強い歌詞であり、力強い曲である。

「冥府宮からの脱出」グロープシュニット

2010-12-15T15:27:00.012+09:00

原題：Symphony / Grobschnitt

■「Grobschnitt（冥府宮からの脱出）」収録

「旅」

遠くへ、

雲と風が

よく行った場所へ。

遠くへ、

太洋の波が

海岸を押し広げている場所へ。

真東から、真西へ、

そして北から南へと、

僕は旅して見て回るのだ。

僕は山々を登り、

北風を受けよう、

そして活動的で自由な存在でいよう

行ってしまおう、

冬がやって来た時の、

鳥たちのように。

行ってしまおう、

春が間近に迫った時の、

雪のように。

僕は遠くの場所を訪れ、

まだ見ぬ人々に会いたい、

新しい友だちと出会いたいんだ。

近づいて来た好意的なやり手相手には

歌を聴かせてやりたい

ギターも弾いてやりたい

遠くへ、

雲と風が

よく行った場所へ。

遠くへ、

太洋の波が

海岸を押し広げている場所へ。

真東から、真西へ、

そして北から南へと、

僕は旅して見て回るのだ。

僕は山々を登り、

北風を受けよう、

そして活動的で自由な存在でいよう

Far,
where the clouds and the winds,
use to go.

Far,
where the ocean’s waves,
roll a shore.

Just from the east, right to the west,
and from the south into the north.
I’m gonna travel and see.
I’ll try to climb the mountains,
try to face the northern brise,
and beeing restless and free.

Gone,
like the birds,
when the winter appears.

Gone,
like the snow,
when the spring time comes near.

I’ll go to visit distant places,
gonna see some other people,
wanna meet new friends,
I wanna sing a song for every friendly hustler,
who comes by.
I wanna play my guitar.

Far,
where the clouds and the winds,
use to go.

Far,
where the ocean’s waves,
roll a shore.

Just from the east, right to the west,
and from the south into the north.
I’m gonna travel and see.
I’ll try to climb the mountains,
try to face the northern brise,
and beeing restless and free.

※ 歌詞はLyricsSpot.comより

【メモ】

ドイツのバンドグロープシュニット（Grobschnitt）鮮烈のデビューアルバムから、スリリングな展開が印象的な2曲目。

邦題のアルバムタイトル曲であるが、オリジナルアルバムはグループ名がアルバムタイトルなので、特別アルバムを代表する曲ということではない。

しかしながら、ツインドラム体制を活かして、トライバルなドラムスと執拗に刻み続けるハイハットが何とも不思議な空気と疾走感を生み出している曲だ。明確なクレジットはないがGünter Blum（ギュンター・ブルム：ドイツの写真家、1949-1997）が描いたとされるアルバムジャケットの印象や、サウンドに感じられるオドロオドロシさから「冥府宮からの脱出」とう物々しい邦題が付けられているが、はたして歌詞はどうなのであろうか。

アルバム収録曲は全てドイツ語ではなく英語で歌われているが、作詞はGrobschnittとあるだけである。従ってどの程度の英語レベルのチェックがされているのかはわからない。また歌詞が掲載されていないので、上記のものはLyricsSpot.comからの引用である。誰かの聴き取りによるものかもしれない。

下線部の「brise」はドイツ語で、英語の「breeze（そよ風）」のこと、「beeing」はミススペリングで「being」のことだとして解釈した。ドイツ語を母国語にする人が、曲を聴き取って英訳したような印象である。「roll a shore」も「roll ashore（海岸でうねっている（波））」なのかもしれない。

ちなみに1977年版の日本盤LPのライナーノートには歌詞が載っていた。しかし解説内でも「歌詞の聴き取りが非常に困難なのだが…」と書かれているように、部分部分が抜けていて（「…」になっている）使えなかった。恐らく日本人スタッフが苦労して聴き取ったものであろうと思われる。

さてその内容であるが、歌詞だけ見るとそこにはオドロオドロシさはない。むしろ今いる場所を後にして（Gone）遠くへ（Far）、世界を旅して周り、色々な人に会い、自分の歌とギターを聴かせたいという、夢と希望に満ちた青年の夢のような内容なのだ。

「Far」も「Gone」も、「Let me be…from here.」が前後で省略されているような意味合いだろう。今この場所を立ち去って、遠くのまだ見ぬ世界のあらゆる場所へと行きたい。その今いるこの場所がどんな場所かは、歌詞の中では触れられていない。意識は旅立つ先へと向っている。

だから現状から逃げたいとか現状に不満を持っているとかいう印象は、この曲からは受けない。そういった社会批判や現状批判、あるいは自己批判の結果として、違う場所へ身を置きたいと言っているわけではないのだ。もっと活き活きと、情熱的に、世界を知りたい、歌とギターだけを友として世界に飛び出していきたい、そういう夢とか希望を歌っているのである。爽やかと言っても良いくらいである。とても「冥府宮（死者の国・黄泉の国の宮殿）」というイメージとはつながらない。

しかしそこがこのアルバムの面白いところで、ジャケットや邦題と、そこで聴かれるサウンドがかけ離れているかというと、そうとは言えないのである。元はサンタナのようなラテンのリズムに興味を持っていたことから、ツインドラム体制になっていたようだが、執拗に刻まれるハイハットや、パーカッション的なドラムスが、ラテン的グルーヴとはほど遠い、一種呪術的な暗黒さをかもし出すのである。

全ての曲において、その歌詞にこの何とも形容しがたい不可思議さと不気味さが影を落とす。クセのあるボーカルも一役買っている。だからこの曲においても、「遠くへ行きたい」「世界を旅して回りたい」というポジティヴな内容にもかかわらず、その訴えが強い分「それが今できない、暗い状況に身を置かされているのではないか」という疑念が湧いてくるのだ。語られない部分に潜んでいる不気味さを感じてしまうのである。

それはバンドの意図していたこととは違うかもしれない。バンドはストレートなロックをやりたかっただけかもしれない。しかしこの不気味さが、このアルバムの個性であり魅力となっていることは確かであろう。

歌詞の内容を知ることは曲を理解する上で大事なことであろう。しかし当然ながら歌詞だけでその曲が成り立っているわけく、サウンドと一体となった時に曲世界が浮かび上がってくるのだということも、この曲あるいはアルバムを聴いていると痛感してしまうのである。

不思議な魅力を秘めた曲であり、アルバムである。

「ほんの少しだけ（人生は川のようなもの）」P.F.M.

2010-11-28T15:55:00.009+09:00

原題：Appena Un Pò / P.F.M

■「Per Un Amico（友よ）」収録

「ほんの少しだけ」

ここから出て行くんだ

遠くの場所へと

王様のように堂々と

僕の望むままに

そうしたら僕も立ち去ろう

そして別の真実に向って走り出そう。

僕らはそう、信じている、でも

もう十分…出て行くんだ…つまり

ここから出て行くんだ、ここから外へと…君…

さぁ、ここから出て行くんだよ。

別の真実の中で
僕を見つけておくれ、ただし、あぁ
そして僕の前に空間が広がっていることを

ここから出て行くんだ

今すぐに

ここから出て行くんだよ

「Just a little」

Get out of here
away from here
like a king out of here
just as I want.
I would depart, I would run
toward another truth.
We believe uh, however
enough ... just leave ... I would say
away from here, away from here ... you du du ...
now, away from here.

In another reality
find me, but uh
to see space ... space in front of me ...
away from here
away from here
immediately
away from here.

※ 英詩はオリジナルイタリア語の歌詞を自動翻訳したものを元に
イタリア語辞典などを使用し英訳したものです。

【メモ】

イタリアを代表するバンドPFM（Premiata Forneria Marconi）が1972年に発表したセカンドアルバム「Per Un Amico（友よ）」から、冒頭の一曲である。

キング・クリムゾンのピート・シンフィールドが彼らを気に入り、自ら英詞を提供して「Photos of Ghosts（幻の映像）」を作り上げ、世界進出の後押しをしたのは有名な話であるが、その元となったイタリア盤がこの「Per Un Amico」である。「Photos of Ghosts」は本アルバム収録曲全曲、1stから1曲、新曲1曲という構成で、1曲を除き全てに新たに英語の歌詞がつけられているのだ。

中でも「Photos of Ghosts」冒頭の「River of Life（人生は川のようなもの）」は、非常にドラマティックな曲展開と、人生の移りゆく姿を描いたような雄大な英詩により、強く印象に残る曲となっている。

そこでその「River of Life」のオリジナル曲はどのような歌詞であったのか。それを確かめるべく、今回もまたGoogle翻訳を基本に、他の翻訳サービスやイタリア語辞典などを参考にして英語訳を試み、そこから和訳するという手順を踏んで、オリジナル曲の内容に迫ってみた。

一見するとわかるように、ピート・シンフィールドの英詩とは全く内容が異なっている。英詩の雄大な時間の流れと空間の広がりを思わせる世界は、ここにはない。ここで歌われているのは、もっと個人的な「僕」と「君」との小さな世界での出来事だ。その言葉や表現も多くはない。

しかし、それは「Per Un Amico（友よ）」というタイトルに呼応したような物語であり、よりストレートな感情を表現したものとなっている。

「Photos of Ghosts」訳でも紹介したように、ドラムスのFranz Di Cioccioはこの歌詞について次のように述べている。

「彼（ピート・シンフィールド）の詩はもとの歌詞とは全く異なるものです。彼はP.F.Mのサウンドを聴き、そこからインスパイアされたものを英詩にして書き上げたんです。ピート・シンフィールドは私達の音楽に彼の世界観を反映させた詩をのせることで、彼独特の色を楽曲に加え、新たなマテリアルとして再生させたのです。『人生は川のようなもの』の詩に関して言えば、わたしはオリジナルよりも良い出来ではないかと思っているんです。あのサウンドに完璧にマッチしたコンセプトではないでしょうか。」

「ArchAngel 第5号」（DIW音楽出版、1996年）

しかし「Photos of Ghosts」が世界進出へ向けた戦略の中で、ピート・シンフィールドが壮大な歌詞をもって楽曲の新たな魅力を引き出したとするなら、「Per Un Amico」はもっと自然なPFMらしさが溢れた作品だと言える。よりプライベートでシンプルな歌詞による、小さな世界の歌なのだ。

ここでは「僕」は「君」に「ここから出ていくんだ」と終始言い続けている。「出て行って」と言うと、「僕／わたしの前からいなくなって」という恋愛の場面を思い浮かべたが、そういった英語のニュアンスによって場面を限定するのは危険だと考えた。そこで2通りの解釈を試みた。「恋人との物語」と「同士との物語」の2つである。

仮に「僕」と「君」が恋人だとすれば、「僕」がその新しい真実（reality）に求めているのは「距離（空間）」である。二人の間の「距離」。それは「僕」と「君」との違いを認め合うことかもしれないし、プライバシーに踏み込まないことかもしれない。あるいは束縛し合わないことかもしれない。とすれば、この曲は「友」ではなく、「恋人」へ向けた別れの言葉を歌ったものだとも解釈できるかもしれない。

タイトルの「ほんの少しだけ」と併せて考えれば、別れようと強く言っているわけではないのだろう。しかし「僕」も「君」も、「別の真実」の中に身を置くべきだということを言っているのである。「僕」は「別の真実」の中でまた「君」に会いたいと思っているようだ。嫌いになったわけではない。いやむしろ今でも愛しているのかもしれない。しかし今の関係は辛過ぎる。だからこそ思い切って、強引に、そして執拗に、「僕」は「出て行くんだ」と繰り返す。

愛し合うが故に、相手との距離や違いを受け入れることができなくなり、互いに共にいることが息苦しくなってしまった恋人たち。あるいは愛する「君」の束縛に耐え切れなくなってしまった「僕」。そんな光景が浮かぶ。

タイトルの「ほんの少しだけ」に結びつけるなら、そうしたやり切れない思いも、今ちょっと自分の気持ちを整理すれば落ち着くものなのかもしれない。「ちょっと放っておいてくれ」「ちょっとどこかに行っていてくれ」と。このような恋愛における複雑な思いが、ここでは描かれているといってもいいのかもしれない。

次に「僕」と「君」の恋愛関係を歌ったものではないとしたら。「ここから出て行くんだ」の「ここ」とは「僕の前」ではなく、もっと一般的な「現状」をさしているとも言える。つまり当時のイタリアの若者達が、特にコミュニズムへの強い関心を持ちつつ、現状を変えようという思いに繋がる心情である。

「今あるリアリティー」ではなく「別のリアリティー」を見つけ出すこと。そのための第一歩。だから「君」に出て行くことを促している「僕」も、当然ここから立ち去るつもりでいるのだ。

そして新しい「reality」の中では、僕の前には空間が広がっている。今の閉塞感から解放された、可能性の広がる世界が広がっているかもしれないと。とにかく現状から踏み出すことが大事なんだと「僕」は「君」に促している。そういう見方をすれば、これは一種のメッセージ・ソング、あるいはアジテーション・ソングだということもできるだろう。「ほんの少しだけ」でもいい。動くんだ、行動にうつすんだ、現実を帰るために。ということである。

どちらの解釈にしても、それはピート・シンフィールドが描いた雄大な人生の縮図とはまた別の、極めてパーソナルな心の機微を描いた、リアリティのある歌詞だと言える。

ピート・シンフィールドの詞がつけられた「Photos of Ghosts」は、アルバムジャケットの素晴らしさと相まって、幻想的で神秘的な作品となった。それはそれで、力強く、非常に完成度の高いものとだったが、PFM的に見ればそれは本来の自分たちの世界とは異なっていて、「Photos of Ghosts」はピート・シンフィールドとのコラボレーション的感覚が強かったのではないか。そんな印象を持ったオリジナルの歌詞であった。

事実、次作の「甦る世界（邦題）」は英語盤「The World Became the World」と同時にイタリア語盤「L'Isola di Niente」を出しているし、歌詞を英語に統一した「チョコレート・キングス」では、バイオリン＆フルートのマウロ・パガーニのイタリア語詩を、新加入のボーカリストであるベルナルド・ランゼッティらが英訳したものだという（Wikipediaより）。

恐らく自分たちの世界は、必ずしもピート・シンフィールド的世界とは一致していなかったことを、メンバーは最初から感じとっていたのではないだろうか。

「安息の鎮魂曲（R.I.P）」バンコ

2010-11-07T20:38:00.006+09:00

原題：R.I.P (Requiescant In pace）/ Banco Del Mutuo Soccorso

■ Banco Del Mutuo Soccorso収録

「安らかに眠らんことを」

軍馬も兵士も折れた槍も

赤い血と

いるはずの神がいないままに

孤独の中で死んでいった人々の嘆きに染まっている

長きにわたり太陽と

埃とのどの渇きにさらされし弟子たちよ

あなたたちは常に死の不安を感じている

その理由が理解できないままに

安らかに眠らんことを　安らかに眠らんことを

死体の山は

あなたの栄光を示す

しかし自分自身に流した血は元に戻るだろう

あなたの戦いは終わったのだ、老いた戦士よ

そこで彼は風下に腰を降ろした

あなたの目は虚空をうつろに見つめる

太陽はその目を照らし

あなたの心臓を突き刺す短剣となる

あなたはもう、もう地平線に槍を突き刺そうとして

突進する必要はないのだ

超越した存在となるために

ただ神のみぞ知ることを発見するために

しかしあなたは望むだろう

あなたが体験した痛みや悲しみを

超越した存在となるために

ただ神のみぞ知ることを発見するために

超越した存在となるために

ただ神のみぞ知ることを発見するために

Horses bodies and broken spears

are colored in red,

complaints of people who die alone

without a Christ who is there.

Pupils huge sun-times

dust and thirst

Do you feel the anxiety of death always on

although you will not know why.

Requiescant in peace. Requiescant in peace.

On piles of dead flesh

have set your glory

But the blood you spilled on yourself relapsed

your war is over, old soldier.

Now he sat down the wind

your eyes are left hanging in the sky

the sun is shining on the eye

into thy heart is a dagger

and you do not, do not lance no more

your spear to stab the horizon

to push beyond

to discover what only God knows

but you will only

the pain, the tears that you've got

to push beyond

to discover what only God knows.

To go beyond,

to discover what only God knows ...

※ 英詩はオリジナルイタリア語の歌詞を自動翻訳したものを使用しています

【メモ】
イタリアのバンドバンコ（Banco Del Mutuo Soccorso）のデビューアルバムからの2曲目。1曲目が語りなので、実質バンコが発表した最初の歌詞となる。

さてここで十分お断りしておきたい。ここで使用した英語の歌詞は実はイタリア語のオリジナル歌詞を自動翻訳して英訳したものなのだ。比較検討した結果、ここでは一番文章的に無理のないGoogle翻訳を使用している。

言語構造がまったく異なる日本語に翻訳するよりは、よりオリジナルな歌詞を理解し易いように英語翻訳を行なった。もちろんそれでも問題を多く含んだ英訳であることは考えられるが、それでもバンコの歌う世界に触れてみたいという気持ちから、敢えてこの英訳をもとに歌詞の和訳を試みた次第である。ご容赦願いたい。そしてお気づきの点があれば、ご指摘いただけるとうれしいです。

さてではその和訳（超訳か）をもとに、歌詞内容を見てみたい。タイトルの「R.I.P」はラテン語の「Requiescat in pace」を省略した言葉で「安らかに眠れ」という意味。つまり死者へ向けた手向けの言葉である。

ここでは戦い続け、ついに死に瀕している戦士の姿が描かれる。第1連「いるはずの神がいないままに／孤独の中で死んでいった人々」とあるが、そもそも神は自分を守ってくれるはずなのである。しかし死した人々は結果的に神に守られなかったことになる。その神への思いは通じなかった。いると思っていた神は、自らの傍らにはいなかったのだ。悲しい死。報われない死。絶望の中での死。

第2連では「pupil」という言葉が出てくるが、これは“神の教え子”というような意味合いだろうか。つまり神を信じる者たち。キリスト教国においては、一般市民がほとんど含まれるといえるだろう。彼らは理由もわからないまま、数々の苦難の中を生きる。そして常に死の不安を抱いている。

第1連では、戦場で戦い、傷つき、絶望の中で死んでいった兵士たちを、そして第2連では死の不安を抱えながら、苦しみつつ日々を行きている人々を、それぞれ描いている。

そして第3連。「安らかに眠らんことを」という言葉が、おそらくその両者に向けて繰り返される。

第4連では「老いた戦士」が登場する。彼はこれまで戦い続け、死体の山を気づき、栄光を手にしてきた。しかしその分、自らも血を流してきた。しかしその血もまた戻ってくる。なぜなら戦いは終わったからだ。もはや新たに血を流す必要はない。

ところがこの「老いた戦士」は、今自由と平和と名声を手にしているわけではないことが、第5連でわかるのだ。彼は腰を降ろす。目はすでにうつろで、太陽の光がその目を照らし、その心臓を短剣のように突き刺す。そう、彼は今死なんとしているのだ。戦いに疲れたか戦いに敗れたか、老いた戦士である彼は今その最後の時を迎えようとしているのだ。

その彼をいたわるように第6連が続く。もう戦うことはないのだ。戦いをやめてよいのだ。「地平線に槍を突き刺そうとして／突進する…」という比喩は、意味も目的も良くわからないまま、戦い続けてきた様子を示しているのだろうか。そしてまもなく「（生を）超越した存在」となり「神のみぞ知ることを知る」のである。

しかしこの老兵士は死に際して、自分が体験してきた苦しみや悲しみを求める。ここでは「will」を助動詞ではなく「欲する」という動詞として解した。おそらくそれが彼にとっての人生であったのだ。その人生を否定することは彼にはできないのかもしれない。

そして今彼は苦しく悲しい思い出を胸に、死を迎えようとしている。

この詩が物語っているのは何であろうか。「戦場」での敵との戦いは、そのまま「人生」を生き抜く戦いの比喩と取ることも可能だろう。「老いた戦士」は最後に戦いに負けたのではなく、まさにその「老いた」ことで、戦いの場から身を引こうとしているのかもしれない。

しかし傷つき、嘆き、不安を抱き、痛みや悲しみを経験しながらも、彼は「神」を信じ、「神」のもとへと召され、「神」のみが知っていた真実に触れることを求めているのだ。老兵士の描写からも、そこに「神」あるいは「宗教」への批判や非難は感じられない。

この曲はイタリアらしい、きわめてキリスト教的な人生のありようと、その最後に待っているR.I.P（安らかに眠る）という希望を歌ったものだと言えるのではないだろうか。

宗教的な内容ながら、敢えて「キリスト教」という言葉を使ったのは、イタリア国民の97％がキリスト教カトリック教徒である（外務省：イタリア共和国より）という背景、そして「God」がキリスト教の神を指すことが多いという理由による。

若者たちが共産主義体制を求めていた1970年前半当時の政治的背景を感じさせるAreaとは違って、この曲では明確な体制批判も宗教批判もない。しかし、もしかすると「神」を信じ「神」のもとに行くことを願って死んでいく人々に、結局「神」は苦しみと悲しみしか与えていないのではないかという疑問を投げかけているのかもしれない。

だから、せめて「神」を信じて生きている時には報われたなかった「安らぎ」を、彼が信じていた通りに死に際して得られることを、死んでいく老兵士に願っているのかもしれない。

「フューチャー・デイズ」カン

2010-10-17T14:55:00.012+09:00

原題：Future Days / CAN

■Future Days収録

君が行なっているすべてのために君がやろうとしていることすべては

君がやろうとしていることすべてなんだ

いつでもそして今夜僕が帰ろうとしている時においても。

君はそのすべてをやるために

人々を排除できると思っているのかい？

僕は今夜戻ろうとしているけど君は去ってしまう

すべての場所へすべて君の行く場所へと。

僕はただあの部屋が終わる運命にあることを思う

どうすれば彼らの夢ゆえに彼らを賞賛できるかな？

まさかの時に備えてお金を送るんだ

未来の日々のために。

君は僕のためには何も持たない方がいい、

君は年齢を顔に刻み付けた方が良い、

君は借りものの獲物の陰に隠れる

未来の日々のために。

君はあのウソを広めている、わかっているよね、

君は意気消沈し愚かなことをして身を滅ぼしている

そうすることが家を壊すことになったんだから。

君は何をしたんだ、夜を解き放ったのかい？

あの壊れた家すべてが

家を壊し尽くすような破壊で

グルグルと巻上がり壁をも破壊し、

そして大風が君の家を壊し、巻き上げ続けたにもかかわらず。

僕はただあの部屋が終わる運命にあることを思う

どうすれば彼らの夢ゆえに彼らを賞賛できるかな？

まさかの時に備えてお金を送るんだ

未来の日々のために。

君は僕のためには何も持たない方がいい、

君は年齢を顔に刻み付けた方が良い、

君は借りものの獲物の陰に隠れる

未来の日々のために。

そして君は夜を失い

君の夢から降りてくる

まさかの時に備えてお金を送るんだ

未来の日々のために。

君は僕のためには何も持たない方がいい、

君は年齢を顔に刻み付けた方が良い、

君は借りものの獲物の陰に隠れる

未来の日々のために。

すべては未来の日々のためにと言われていたんだ

僕はただあの部屋が終わる運命にあることを思う

どうすれば彼らの夢ゆえに彼らを賞賛できるかな？

まさかの時に備えてお金を送るんだ

未来の日々のために。

君は僕のためには何も持たない方がいい、

君は年齢を顔に刻み付けた方が良い、

君は借りものの獲物の陰に隠れる

未来の日々のために。

未来の日々のために、

未来の日々のために。

All you're gonna do for all that you do

Is all you're gonna do all

And when I'm coming home tonight.

Do you think you can do

The people away to do it all?

I'm coming home and away you go

To the all and all you go.

I just think that room's to end,

How commend them from their dreams?

Send that money for a rainy day

For the sake of future days.

You better have nothing for me,

You better move year on your face,

You hide behind a borrowed chase

For the sake of future days.

You're spreading that lie, you know that,

You're getting down, breaking your neck,

When doing that was breaking home.

What have you done, free the night?

With all that breaking home

Was breaking that break up home,

Was rolling up, break the wall,

And the tall wind did break your home, roll, roll on.

I just think that room's to end,

How commend them from their dreams?

Send that money for a rainy day

For the sake of future days.

You better have nothing for me,

You better move year on your face,

You hide behind a borrowed chase

For the sake of future days.

And the night you're losing,

Light down from your dreams,

Send the money for a rainy day

For the sake of future days.

You better have nothing for me,

You better move year on your face,

You hide behind a borrowed chase

For the sake of future days,

Said it's all for the sake of future days.

I just think that room's to end,

How commend them from their dreams?

Send that money for a rainy day

For the sake of future days.

You better have nothing for me,

You better move year on your face,

You hide behind a borrowed chase

For the sake of future days.

For the sake of future days,

For the sake of future days.

※ 手持ちのCDには歌詞が印刷されていないので
LyricWikiの歌詞を採用させていただきました

【メモ】
ドイツのバンドCAN（カン）の代表作「Future Days」（1973年）から、そのアルバムタイトル曲である。

ドラムスとパーカッションが奏でる、静かで繊細な反復リズム。ミニマルでもあり、エスニックでもあり、アンビエントでもある、軽やかで心地よい音空間。そこにつぶやくように、ささやくように乗るダモ・鈴木のボーカル。冒頭部分などは音響処理の結果歌詞がよく聴き取れないほどだ。

曲は穏やかに聴く者を包み込み、聞き手は桃源郷のような音世界に漂う。プログレッシヴ・ロックという言葉から思い出される大仰さやテンションの高さとは無縁の世界。かといってエレクトロ・ビートによる電子音楽とも異なる、実はかなり肉感的な世界。

まず大事なのはこの曲のキモはこの浮遊感なのだということだ。落ち着いたサイケデリック、トリップ空間に遊ぶような感覚。ボーカルもその一部と言っていい。だからそこに強いメッセージを読み取ろうとすることには意味がない。むしろ言葉遊びのような、意味を排除するかのような使われ方をしていると言える。声も楽器、あるいはアンビエントの要素の一つといった感じなのだ。

しかしまた完全な言葉遊びではないことも確かである。したがって、全体としてのイメージは追ってみる価値はあるだろう。

この歌詞には「僕」と「君」が出てきて、「僕」が「君」に語りかけるような設定になっている。「君」からの返答はない。すべて「僕」のモノローグとして語られていく。

第1連、言葉遊びのように同じ表現が一つの文章の中に繰り返し出てくるが、内容的には「君」が行なおうとして実際に今行なっていることが、「今夜僕が家へ（つまり君のもとへ）と帰ろうとしている」ことに無関係に、あるいはそれを無視して続けられていると言っている。僕は君に会いに君のもとへと帰ろうとしている。しかし君にとっては「僕」はやるべきことをやるために排除すべき人々の一人なのかもしれない。

だから「僕」が戻ろうとしているのに、「君」は去ろうとしている。自分がしたいことをする場所に向って。ここで二人はすれ違う。「僕」の君への思いに、「君」は応えてくれない。

第2連では「the room's to end（= the room is to end）」（あの部屋が終わってしまう）」と「僕」は思う。これは「僕」が帰ろうと思っていた二人の部屋のことだろうか。つまり二人の関係はもう終わってしまうと言っているのではないか。

ここで「them」（彼ら）、「their dreams」（彼らの夢）という言葉が出てくる。「君」は僕のもとからある種の夢の実現に向って行動している「彼ら」のところへ行ってしまったのだろうか。だとしても「僕」にはその夢を以て彼らを賞賛することはできないのだ。「Send that money for a rainy day / For the sake of future days.」は、その彼らの夢を叶える過程で、彼らから求められた言葉かもしれない。「未来の日々のために、まさかの時のためにお金を送りなさい」と。

そしてもはや「君」が「僕」との関係に意味を見いだせなくなったなら、一層のこと「僕」に対する思いや未練は捨てて欲しいと言う。そして過ぎ行く時間は、自らの顔にその印を刻みつけるだけ良いと言う。そして「君」は「borrowed chase（借りてきた獲物）」の陰に隠れるた。つまり自分自身が捕まらないように、集団という大きな獲物の影に隠れたということだろうか。

第3連では「君」は知っていながらウソをつく。そうすることで自分の身を滅ぼしている。「僕」は「君」に裏切られた。それが二人の「家」を壊すことにもなったんだということか。「君」は「夜」を解き放った。その結果、二人の「家」は竜巻にでもあったように、破壊され、空へと巻き上げられたしまったのだ。「夜」とは悪しき夢、自分勝手な夢の比喩であろうか。

第5連では「君」はその夜を失い、夢から地上へと降りてくる。夢破れて現実を知ることになる。でももう「君」は「彼ら」の中にいる。「僕」のもとへは帰ってこない。そしてまた「未来の日々のために」そこでの生活を続けている。

第5連の最終行「Said it's all for the sake of future days（=（It is) said (that) it's all for the sake of future days）」（すべては未来の日々のために、そう言われていたんだ）が、意味深である。以後何回も繰り返される「For the sake of future days」（未来の日々のために）というフレーズであるが、この一文から察すると、実はこれは否定的に使われているのではないかと思われるのだ。

未来のためにという理想主義に共感し、「君」は「僕」のもとを去り、「彼ら」を選んだのではないか。「僕」から逃げ出し、二人の部屋や家を破壊してしまったのではないか。

非常に心地よいサウンドから、オプティミスティックな世界に浸っている気分になってしまい、「future days（未来の日々）」という言葉にも、プラスなイメージを持ちたくなってしまうが、実はそこには「未来の日々のために」という理想主義的スローガンに魅かれて恋人が去ってしまった「僕」の、大きな悲しみと虚無感が歌われているのではないかと思うのだ。

つまりこの曲は「希望の未来」を歌ったものではなく、「空虚なる『未来のために』という言葉」を歌ったものだということだ。その失われた「僕」の虚無感（nihilizm）や虚脱感が、実は浮遊感としてこの曲に漂っているものの正体なのかもしれない。

右端が日本人ボーカルのダモ鈴木

ちなみにバンド名のCANは、「Communism」（共産主義）、「Anarchism」（無政府主義）、「Nihilism」（虚無主義）の頭文字を並べたもの、英語の可能を意味する助動詞「can」、あらゆるアイデアを放り込む缶（can）というような意味を持つと言われている。

「ザ・シネマ・ショウ」ジェネシス

2010-10-04T11:06:00.012+09:00

原題：The Cinema Show / Genesis

■Selling England By The Pound
（月影の騎士）収録

われらがジュリエットは仕事から帰宅し

朝食の後片付け。
そして素敵な香りを肌にパタパタ
気を引きたい思いを隠そうとして。
ベッドを整えなきゃ
彼女はそう言ったけれど、でもまたお出かけ。
だって彼女が自分のシネマ・ショウに遅れられないでしょ？
シネマ・ショウだよ？

ロミオは地下にあるアパートの部屋にカギをかけ、
階段を足早にかけ上がる。
自信にあふれ花柄のネクタイを締めて、
終末だけの億万長者だ。
ベッドを整えなきゃ
今夜彼女と一緒に過ごすぞ、彼は叫ぶ。
チョコレートのビックリプレゼントを用意した彼が失敗するはずないでしょ？

過去へ旅立ちテイレシアス翁に会いに行こう、
その老人が生き抜いてきた話に耳を傾けよう。
ワシは北の果てから南の果てまで渡り歩いてきた、そしてもうワシには不思議なことなど何もない。
男だった時には、ワシは海のように荒れ狂い
女だった時には、ワシは大地のように受け入れた。
だが実際は海より大地の方が豊かなんじゃよ。

過去へ旅立ちテイレシアス翁に会いに行こう、
その老人が生き抜いてきた話に耳を傾けよう。
ワシは北の果てから南の果てまで渡り歩いてきた、そしてもうワシには不思議なことなど何もない。
男だった時には、ワシは海のように荒れ狂い
女だった時には、ワシは大地のように受け入れた。
だが実際は海より大地の方が豊かなんじゃよ。

Home from work our Juliet
Clears her morning meal.
She dabs her skin with pretty smells
Concealing to appeal.
I will make my bed,
She said, but turned to go.
Can she be late for her cinema show?

Cinema show?

Romeo locks his basement flat,
And scurries up the stair.
With head held high and floral tie,
A weekend millionaire.
I will make my bed
With her tonight, he cries.
Can he fail, armed with his chocolate surprise?

Take a little trip back with Father Tiresias,
Listen to the old one speak of all he has lived through.
I have crossed between the poles, for me there's no mystery.
Once a man, like the sea I raged,
Once a woman, like the earth I gave.
But there is in fact more earth than sea.

Take a little trip back with Father Tiresias,
Listen to the old one speak of all he has lived through.
I have crossed between the poles, for me there's no mystery.
Once a man, like the sea I raged,
Once a woman, like the earth I gave.
But there is in fact more earth than sea.

【メモ】
1972年に発表された前作「Foxtrot（フォックストロット）」からライヴアルバムを挟んでちょうど一年後の1973年10月に発表された「Selling England by the Pound（月影の騎士）」からの一曲。ギターアルペジオが美しい前半と、7/8拍子で軽やかなキーボード・ソロが疾走するインスト・パートの後半という展開も見事な、11分にわたる大曲だ。

さっそく歌詞を見てみたい。第1連と第2連では、恐らく恋人同士である男女の、これから会おうとする前のワクワクした様子が描写されている。第1連が女性、第2連が男性についてで、内容的にも形式的にも対になっていると言える。個人にフォーカスした第1連と第2連と対比するように、第3連ではギリシャ神話の神が登場し、より大きな視点から物語が語られる。

物語の“話者”は、第1連を「あぁわれらがジュリエットは、仕事を終えて帰宅すると…」みたいな感じで始める。無声映画の弁士のような、ちょっと芝居がかった感じだ。「Our Juliet」はもちろんシェークスピアの戯曲「ロミオとジュリエット（Romeo and Juliet）」のジュリエットを引き合いに出して、この女性を親しみを込めて呼んだものだ。「Juliet」と言われれば当然互いに愛し合う相手として「Romeo」が想像される。つまり「Juliet」と呼ぶことで、彼女には恋人がいることもすぐに想像される。

「ロミオとジュリエット」は悲劇であるが、ここでは「悲劇」という点はほとんど関係はないように思われる。むしろドラマチックなヒロイン（女性の主人公）であるかのような印象を受け手に与えていることが大切だ。それは2行目の「朝食の後片付けをする」という現実的・庶民的描写と見事に対比される。彼女はこれから、朝ご飯を片付けることもできずに仕事に出ていったリアルな現実の女性から、映画の中のジュリエットのようなドラマチックなヒロインになろうとしているのである。

彼女の心はすでに彼とのデートで一杯である。「conceal（隠す）」という言葉があるのだが「conceal to do」という使い方は普通はされない。そこでここでは「自然と表に出てしまう思いを香りで隠そうとして」という風に取った。気持ちの高ぶりを抑えようとする様子は、「I will make my bed（ベッドを整えなきゃ）」と口にするところからも感じられる。「but（口ではそう言っているけれども）」彼女は彼に会いに出て行くのである。

さてここで問題になるのが「Can she be late for her cinema show?」をどう解するかである。「Can...?」は「…ということが可能（あり得る）だろうか？いやないだろう」という反語表現と考えられる。つまり「彼女がシネマ・ショウに遅れるなんてことがあり得るだろうか？いやあり得ない。」ということだ。なぜそれはあり得ないのか？

彼女はすでに「Our Juliet」と呼ばれているように、ヒロインになろうとしているのである。つまり彼女が主人公の、映画のようなステキな一時の、彼女は主役なのだ。これから彼女の恋愛物語が始まるのである。それはシネマ・ショウへ一緒に行くことで始まる。だから、そこに主役である彼女が遅れることなんて、あり得ないのだ。あってはならないのだ。

つまり「cinema show」は「彼とデートで行く映画」という意味に加えて、「her cinema show（彼女のシネマ・ショウ）」という表現にも伺えるように「彼女が主役の映画のようにロマンチックな時間」というイメージが重ねられているように思うのだ。

第2連はもう一人の主人公が描写される。すでに彼女を「Our Juliet」と呼んでいるので、彼はいきなり「Romeo」と呼ばれる。「basement flat」（地下にあるアパートの一室）からは、彼が一般庶民であることが伺われる。決して裕福とは言えない。「weekend millionaire（週末だけの億万長者）」として、彼は彼女の物語、あるいは二人の物語の中で、これからヒーロー（男性の主人公）になるのである。

「I will make my bed（ベッドを整えなきゃ）」と、彼も彼女の言葉と同じ言葉を口にする。しかし「for her tonight（今宵こそ彼女とともに）」と続くことで、彼女と初めて夜を共にしようとしている表現なのだということがわかる。彼女ははやる心を抑えるかのように理性の象徴として、彼ははやる心の先に期待しているドラマチックな展開につながるものとして、「ベッドを整える」という表現が使われているのである。

第2連最後も第1連と同じ反語表現だ。「surprise」は「驚かす」という動詞以外に、「ビックリさせるもの／こと」という意味も持つ。「Can he fail, armed with chocolate surprise?（チョコレートのビックリプレゼントを用意している彼が、失敗するなんてことがあるだろうか？そんなことはあり得ない）」ということである。「arm」は武装するという意味だから、「chocolate」はそれほど有効な“武器”であり、そこから二人が微笑ましい程に庶民的であるということが感じられる。ファンタジックなほどに、愛すべき恋人同士な感じなのだ。

ここまで来ると、第1連の彼女は実は今日が彼と結ばれる日、始めて夜を共にする日だという予感を持っているんじゃないかという風に思えてくる。今日は彼とのデートの中でもきっと期待に胸膨らませている特別な日なのである。だからドラマチックでロマンチックな映画の主人公になったような気分なのだ。

第3連ではこうした個々人から視点が変わる。「Take a little trip back with Father Tiresias（ちょっと過去へと旅立ってテイレシアス翁に会いに行こう）」と、ここでも弁士さながらに“話者”が場面転換を促す。そしてテイレシアスの語る話が歌を締めくくる。

Tiresias（テイレシアス／テイレシアース）はギリシャ神話に出てくる盲目の予言者の名前である。ウィキペディアによると

テイレシアースがキュレーネー山中で交尾している蛇を打ったところ、テイレシアースは女性になってしまった。9年間（7年ともいう）女性として暮らした後、再び交尾している蛇を見つけ、これを打つと男性に戻った。あるときゼウスとヘーラーが、男女の性感の差について、ゼウスは女がより快感が大きい、ヘーラーは男の方が大きいとして言い争いとなり、テイレシアースの意見を求めた。テイレシアースは「男を1とすれば、女はその10倍快感が大きい」と答えた。ヘーラーは怒ってテイレシアースの目を見えなくしてしまった。ゼウスはその代償に、テイレシアースに予言の力と長寿を与えたという。

とある。このテイレシアスの物語は、彼の言葉である最後の4行に大きく関係している。

「cross between the poles」というのは「north pole（北極点）」と「south pole（南極点）」の間を横断して回っているということで、世界中をくまなく渡り歩いたということを意味している。だからもう不可思議なことなど存在しないのだと言う。

そして上記のように彼は男性と女性の両方を体験しているのだ。男性であるときは、荒れ狂う海のように相手を翻弄し、女性であるときは、どっしりした大地のように相手を受け入れる。「give」は「与える」だが、上からの目線で「ほどこす」というような感じではなく、「言われるがままに、求められるがままに与える」というところから、「譲歩する、順応する」という意味も持つ。男性が能動的であるのに対して、女性は受動的なのだ。

しかしテイレシアスは最後に、「実際は海よりの大地の方がよりたくさん（more）ある」と言う。一見男性の方が能動的で力強く、奪う側で、女性は受動的で、言われるがままに与える側に見えるが、「実際は、本当のところは（in fact）」そうではなく、女性の方が勝っているのだと。これを「より豊かである」と訳したが、上記のようなsexualな意味も当然連想されるであろう。

「Romio」の期待と意気込みにも関わらず、実際にベッドを共にした時に得られる喜びはJulietの方がはるかに勝ることであろう、と解釈することもできるだろうし、荒れ狂い奪い取ろうとする男性よりも、それに応えて与えようとする女性の包容力の方が偉大なのだとも取れるだろう。さらには「女性が恋愛においては主役なのだ」と捉えることも可能かもしれない。「Juliet」がいなければ“彼女のシネマショウ”は始まらないのだ。そうしたいろいろな意味合いが詰まった表現だと思われる。

そして、全てを知り尽くした神の視点から、二人の男女を微笑ましく見守っている様子が目に浮かぶ。いやテイレシアスを引き合いに出して、微笑ましく見守っているのは“話者”かもしれない。その思いに共感し、受けてのわたしたちも優しい気持ちになる。

後半のインストゥルメンタル・パートも、コロコロと転がるようなキーボードが印象的なドラマチックで心地よい展開である。そこには悲壮感とか絶望感とかは微塵も感じられない。

辛く退屈な日常から、映画のようなロマンチックな一時を前に心ときめかせる男女を、一編のファンタジーのように描いているのが、この曲なのではないだろうか。

しかしその夢のような世界は、切れ目なく続く最終曲「Aisle of Plenty」の「"I don't belong here" said old Tessa out loud（「私はこんな場所にいる人間じゃないの！」そうテサは叫んだ）」という第一声で現実に引き戻される。そして逆に「The Cinema Show」が夢のようなファンタジーに溢れていることが、強く印象づけられる結果となる。こうして夢から覚めるようにアルバムは終わるのである。いわゆるトータル・コンセプト・アルバムではないけれど、実に見事な構成である。

「再び赤い悪夢」キング・クリムゾン

2010-09-18T20:38:00.040+09:00

原題：One More Red Nightmare

■Red（レッド）収録

パンアメリカン航空の悪夢

1万フィート上空の遊園地

心配ないと言い聞かせ

地上の家にいるのと同じくらい安全だと断言する

僕は席に座って旅することの美点に

考えを巡らせていたのだ

その時高度が突然下がり

耳がキーンとし始める

またあの赤い悪夢だ

目眩とともに首筋を
汗が滴り落ち始める
運命が叫び声をあげるのが聞こえる
「この旅行を終わりにしなさい」
それは別れの白鳥の歌のよう
だって乱気流の凄さを知っているのか
スチュワーデスは僕に何かを強要するが
機長は逆にそれを禁止するのだ
またあの赤い悪夢だ

現実が僕を揺り動かす
天使が僕の言葉を耳にして
僕の祈りはかなえられ
刑の執行の取り消しが認められたのだ
悪夢は今霧散し
思考が突然目を覚ました
現実は安全無事
グレイハウンド・バスの中で眠っていただけ
また見てしまったあの赤い悪夢

Pan American nightmare
Ten thousand feet funfair
Convinced that I don't care
It's safe as houses I swear
I was just sitting musing
The virtues of cruising
When altitude dropping
My ears started popping
One more red nightmare

Sweat beginning to pour down
My neck as I turn round
I heard fortune shouting
"Get off of this outing"
A farewell swansong
See you know how turbulence can be
The stewardess made me
But the captain forbade me
One more red nightmare

Reality stirred me
My angel had heard me
The prayer had been answered
A reprieve has been granted
The dream was now broken
Thought rudely awoken
Really safe and sound
Asleep on the Greyhound
One more red nightmare

【メモ】
この曲が含まれているキング・クリムゾンの「Red」が発表されたのは1974年である。ここで「パンアメリカン航空の悪夢」という表現があるが、当時の実際のパンアメリカン航空の事故としては、1963年214便の航空機事故がある。214便が空港上空での着陸待機中に落雷に合い墜落、乗員乗客合わせて81名が犠牲なった事故だ。

それ以前にも1952年に202便ボーイング377機がブラジル奥地に墜落、乗員乗客50名が犠牲になるという事故も起きている。

ただ、当時特別にパンアメリカン航空に強い不安があったというよりは、飛行機ということで自然に出てきた航空会社名なのだろうと思う。1960年当時の世界の航空界のリーダー的存在であり、ビートルズの初訪米にもパンアメリカン航空が使われていたくらいなのだ。

だから「あの具体的なパンアメリカン航空の墜落事故という悪夢」ではなく、「誰もが乗るパンアメリカン航空機に乗って墜落するという『僕』の悪夢」という意味で解釈した。ただこうした事故の記憶は、当時この曲を聞く上で、恐怖のリアリティを増したであろうことは想像に難くない。

さてでは歌詞の内容を見てみたい。

まずタイトルの「one more red nightmare」であるが、「one more」とあるため、「僕」はすでに同じような悪夢を見た経験があることがわかる。それもかつての悪夢が今甦るという感じではなく、「またあの悪夢を見てしまった」というような感じである。幾度も繰り返される悪夢体験だ。

その悪夢はパンアメリカン航空機に自分が乗っているところから始まる。「1万フィート上空の遊園地（funfair）」という言葉は、すでにジェットコースターなどを思い起こさせる。「houses」の安全さとは違ったスリルと非日常の世界だ。そしてそれは大きな不安であることがわかる。

「気にしない（I don't care）」とわざわざ言うが、「convince」は「説得する／納得させる」という意味合いの言葉なので、自分に言い聞かせようとしている感じだ。「swear」も「誓う／断言する／保証する」という強い言葉なので、「safe（安全）」であると信じ込もうとしている「僕」の不安が逆に滲み出ている。そして不安を抑え込みながら、旅の楽しさにあれこれ思いを馳せようと努力していたのだろう。

しかし飛行機は急降下を始める。気圧の変化で耳がおかしくなる。聴覚という感覚の描写が恐怖イメージのリアルさを増す。そう、やっぱりまたいつもの墜落の悪夢が始まるのだ。「僕」は夢の中で、「これはまたいつもの悪夢じゃないか…」とわかっているのかもしれない。

第二連ではすでに「僕」はパニック寸前の状態にいる。「turn around」は「振り向く」と訳して、落ち着きない様子を描いていると言えなくもないが、ここでは「（頭が）ふらつく、めまいがする」という意味で取った。「振り向く」先に何かを見つけたり求めたりと動作が続いてはいないので、耳鳴りの後で「めまい」とした方が自然に思えたからだ。

「fortune」は「運命」を擬人化したのだろう。「Fortune」と大文字で始まっていないので、「（幸運をもたらす）運命の女神」ということではない。「運命」はそれが悪い方へと向うことを避けろと叫ぶ。しかしそれは「僕」にとっては「swansong（白鳥の歌：死に際の言葉）」でしかない。僕は「fortune」に対して思う。「乱気流の凄さを知っているのか？（こんな乱気流からどうやって脱出しろって言うんだ！）」

次の2行の訳が難しい。スチュワーデスと機長の態度を示す行だ。わたしはここでは具体的な命令や動作は示されていないものと解した。つまりスチュワーデスの「made（make）」と機長の「forbade（forbid）」を並べて対比させることが主眼なのだ。「make」は「make＋人＋to do」という形で、人に何かを「（強制的に）させる」という使役動詞の役割を持つ。これに対して「forbid」は「forbid＋人＋to do」という形で、人に「（…するのを）禁じる」という使われ方をする。

つまり何かを「無理矢理させようとするスチュワーデス」と「無理矢理させまいとする機長」という、両者の態度が真逆であることを示すことがここでは重要であり、それが機内の混乱、あるいは「僕」のパニックを現していると考えた。「made」、「forbade」と、動詞が韻を踏んでいるのも両者の対比を際立たせているように思う。

第三連で「僕」はハッと目を覚ます。飛行機の墜落あるいは飛行機が墜落するという悪夢から自分を救って欲しいという祈りが通じたのか、「僕」は事故死することもなく、悪夢から「突然（rudely）」意識を取り戻す。

そして問題はその後のラスト部分をどう解釈するかである。

悪夢から目覚めた「僕」は実は平和な場所にいた。そして「Asleep on the Greyhound」と続くのだが、これを「グレイハウンド・バスの中でひと眠り／またしても赤い悪夢を味わった」と日本語版ライナーノートの訳では解釈している。つまり最後の最後でまた悪夢に襲われ平和がくつがえされたわけだ。ドラマティックな気はするのだが、わたしはちょっと展開が急過ぎる感じがする。悪夢の重みが薄れる気がするのだ。

わたしはこれを、悪夢を見ていた自分を振り返って「実はグレイハウンドで眠っていただけだったんだ」と言っていると解した。飛行機の中（夢・悲劇）と対比させ、気づいたらバスの中（現実・平和）だったという状況の説明である。

だから最終行の「One more red nightmare」は「今また見てしまった赤い悪夢」という程度に訳した。単純に各連の最後を同じフレーズで揃えたに過ぎないのかもしれないけれど、そこに悪夢を見てしまったことの余韻を感じたい。

作詞はリチャード・パーマー・ジェイムズではなくジョン・ウェットン。「Greyhound（グレイハウンド）」とはアメリカ最大のバス会社で、その長距離バスそのものを指す場合もある。もしかするとツアーの移動中に見た夢とかが元になっているのかもしれない。

現実は平和であっても、こうした死に直面してパニックになる悪夢を繰り返し見ることは、精神的に決して平和な状態だとは言えない。「僕」の精神状態はレッド・ゾーンにあるのだ。アルバム「Red」が持つ異様な緊張感に、この歌詞も大きく貢献していると言えるだろう。

ちなみに「red」には血まみれのという意味もある。そういう意味では今回は「刑の執行は取りやめ」になったが、その先まで続く悪夢もあるのかもしれない。さらに「red」には「麻薬（特にマリファナ）に酔った、ハイになった」という意味もあるから、バッドトリップの歌という意味合いも潜んでいるかもしれない。いずれにしても「red」という言葉には不穏さが漂っているのだ。

最後にトリビアを一つ。Wikipediaには、この曲がまるでテープが切れたように唐突に終わるのは、収録時間を意識していたのではないかと書かれている。LP盤でのこの曲の収録時間は7:07と印刷されていた。当時のパンアメリカンを代表する旅客機は、ボーイング707型機であった。

「ナイト・アフター・ナイト」U.K.

2010-08-26T12:37:00.007+09:00

原題：Night After Night / U.K.

■「Night After Night
（邦題：ナイト・アフター・ナイト）」収録

高速道路に夕闇が立ちこめる

車の列は宝石に姿を変える

僕は半ば狂ったように車を走らせる

家路についているのならいいのに

ねぇ君君と一緒にいないと

僕はまるで気が触れているみたいだよ

毎晩毎晩そしてまた次の夜も

僕は見知らぬ人の瞳をのぞき込み

過ぎ去った自分の姿を思い出す

きのうは過去の自分を置き去りにしようとする場所

未来はあまりに動きが早過ぎる

ねぇ君君と一緒にいないと

僕はまるで気が触れているみたいだよ

毎晩毎晩

同じようなくだらないケンカ

もちろん僕はわかっているよ

それが毎晩繰り返されるのは良くないことは

滑走路に赤いライトが見える

飛行機は思った以上に速く動き

僕はエンジンの最後の響きを耳にする

そして残るは完璧な静寂

僕は思う二人の間の距離

そして発せられることのなかった言葉

僕は思う二人の間の距離

そして発せられることのなかった言葉

Darkness descends on the freeway
Traffic lines turning to stone
I'm driving myself half crazy
I wish I were headed for home
Say girl when we're not together
I feel like I'm losing my mind

Night after night after night

after night after

I look in the eyes of a stranger
Reminding myself of the past
Yesterday is what I will leave it
The future is moving too fast
Say girl when we're not together
I feel like I'm losing my mind

Night after night
It's the same lousy fight
And I know it ain't right that
It's night after night after

I see the red lights on the runway
The jet is moving too fast
I hear the last roar of the engine
And beautiful silence at last
Think of the distance between us
All of the words left unsaid

Think of the distance between us
All of the words left unsaid

【メモ】
イギリスのプログレッシヴ・ロック最後の大物バンドU.K.の、1979年発売の日本公演のライヴ盤「Night After Night」から、タイトル曲「Night After Night」である。

来日時にはすでに2ndアルバムのキーボード・トリオ編成になっていたのだが、このトリオU.K.は、後のAsiaに通じるキャッチーなメロディーと、かなりハードなインストゥルメンタル・パートが交錯する、独自の世界を築いていた。

この3人で4人編成時代を含めたテクニカルな楽曲を、ライヴでどのようにこなすのかは興味津々なところであった。実際のステージはギタリストのパートまでエディ・ジョブソンがカバーする素晴らしいもので、スタジオ編集作業などが大分行なわれていると言われるこのアルバムだが、それでもその出来の良さは格別である。

そのアルバムトップを飾る新曲「Night After Night」。最初聞いた時には、2nd以上にポップな感じの曲調にちょっと驚いた覚えがある。しかしこの曲も覚えやすいメロディーとともに、曲間にキレの良いオルガンソロが入る。このバランスがU.K.らしさなのだ。

そこで歌詞の内容であるが、「僕」は高速道路を車を走らせている。半狂乱のような状態になっている。目指すのは君の待つ家ではない。君は家にはもういないのだから。だから二人一緒にいられない今、僕は気が触れたようになって車を飛ばしている。

毎晩毎晩繰り返されたことを思い出す。それは後半で「the same lousy fight（同じようなくだらないケンカ）」である。それは他愛もないことのようであり、でも執拗に繰り返され止めることのできなかったこと。そんなことを毎晩繰り返すなんて、「僕」だって良いはずはないと思ってたのだ。

ちなみにCD添付のライナーノートでは「lousy tight」と記述されているが、ライナーノートの訳詞も「fight」で訳しているし、歌詞サイトなどで調べると「fight」となっており、実際に聴き取っても「fight」と歌って言うようなので、そちらを採用した。

「僕」はそうした過ちを犯し続けた過去の自分を振り返る。「a stranger」は自分とは思えなくなった自分のことではないか。その抜け殻のような、我を失っている自分の目をミラー越しか何かに見ながら「僕」は思う。過去の自分は過去（昨日）へ置いてこようと思っていたんだと。「will」とあるので、それはまだなされていないことがわかる。未来の予定あるいは意志でしかない。「future（未来）」の動きは早過ぎて、「僕」にはついていくことができない。「僕」は言い訳とも懺悔とも言えるような思いを吐露する。

そのついていけない未来とは何か。そもそも「僕」はなぜ気がおかしくなりそうになりながら、車を走らせているのか。家ではないのならどこに向って。

恐らく目的地は空港である。恐らく自分のもとを去り飛行機に乗って旅立とうとしている彼女を追って、空港にまで必死に車を飛ばしてきたのである。もちろん彼女を引き止めるために。

しかし滑走路にはすでに赤いライトが灯っている。飛行機はもう離陸体制に入っている。「The jet is moving too fast（飛行機は動きが早過ぎる）」とはそういうことだろう。「僕」は間に合わなかったのだ。飛行機が飛び去る爆音。そしてその後に残った見事なくらいな静寂。

僕は二人の距離が気持ちの面だけでなく物理的にもどんどん離れていくことを思う。そして伝えようと思いながら伝えられずに残された言葉の数々を思うのだ。

この曲はこうしたちょっとドラマチックながら、でもありがちな別れの一場面を綴ったものだろう。ちょっとしたいさかいの積み重ねが別れへと繋がる。そのプライベートな歌詞世界は、すでに「Heat of the Moment」に似てAsia的だと言えるかもしれない。

しかしジョン・ウェットンが歌うと、こんな別れの歌にも重みが出てくるのが不思議だ。

「ムーヴィング・ウェイヴズ」フォーカス

2010-08-08T14:34:00.004+09:00

原題：Moving Waves / Focus

■Moving Waves（邦題「ムーヴィング・ウェイヴス」収録

揺れ動く波たちよ、風はお前から去ったのに

お前はそれでもまだざわめき立っているのか？

揺れ動く波たちよ、風はお前から去ったのに

お前はそれでもまだざわめき立っているのか？

われらはいまだ教えられた言葉を繰り返し続ける

その言葉はわれらの全存在を恍惚へと向わせる

波たちよ、お前たちはなぜそれほど興奮して

同時にまた冷静でいるのか？

われら個々の行動の背後には

共通の衝動が働いているからなのだ

われら個々の行動の背後には

共通の衝動が働いているからなのだ

上昇する波…その衝動の背後にはどんな動機があるのだ？

その衝動の背後にはどんな動機があるのだ？

それは上昇し続けようとする欲求

Moving waves, the wind has left you

And you're still in commotion?

Moving waves, the wind has left you

And you're still in commotion?

We are still repeating the word it has taught us

It moves our whole being into ecstasy

Waves, why do you all become excited

And then all calm together?

Because behind our individual action

There is one impulse working

Because behind our individual action

There is one impulse working

Rising waves...what motive is behind your impulse?

What motive is behind your impulse?

The desire to reach upwards

【メモ】
オランダ最強のプログレッシヴ・ロックバンド、フォーカス（Focus）の傑作アルバム「Moving Waves」より、アルバムタイトル曲にして、唯一のボーカル曲である。

ボーカルではなくヨーデル入りボイス・パフォーマンスとして、一曲目の「Hocus Pocus（悪魔の呪文）」で強烈な声を聴かせたキーボード＆フルート＆ボーカルのタイス・ヴァン・レアが、ピアノ伴奏だけで、まるでクラシックの歌曲のようなストイックな歌唱を聴かせる。

フォーカスはこのタイス・ヴァン・レアとギターのヤン・アッカーマンという、強烈な個性と自己主張のぶつかり合いから生まれたバンドで、クラシックやジャズの要素を大胆に取り入れたインストゥルメンタル曲を主体とする。

したがって、もともと言葉で何かを訴えようとするバンドではないこともあって、歌詞は抽象的である。ちなみに作詞はフォーカスのメンバーではない。「words: Inayat Khan」とクレジットされている。Inayat Khan（イナーヤト・ハーン、1882-1927）はインド音楽の名手にして思想家、そしてまたスーフィズム（イスラム神秘主義）の宗教家・伝道者でもあった人物。この歌詞は、おそらくその彼の著作物からの引用であろうと思われる。

「moving waves（揺れ動く波よ）」は、実際に目にする水面の波ではなく、いわば心の動揺であり、抑えがたい情動である。心の水面を波立たせた「wind（風）」は、もう消え去ってしまっている。しかしその風によって突き動かされた波のざわめきは、今も消えることは無い。風がもたらした「word（言葉）」は今も「われら」を「ecstasy（恍惚）」へと導いてくれるのだ。

「wind」とは、新しい音楽を作り上げようとする何かのきっかけのことを示しているように思われる。それはちょっとした出来事や発見だったのかもしれない。しかしその体験が終わっても、突き動かされた情動は消えることはなく、波は今も尚ざわめき立っているのだ。

なぜそうなったのかは自分でもわからない。興奮しつつ冷静さも失っていない波は、まさに何かを創造しようとする衝動そのものに他ならない。理由も無く湧き出る抑え切れない衝動。

話者は「I（わたし）」ではなく「We（わたしたち）」という主語を使う。「われら個々の行動の背後には／共通の衝動が働いているのだから」、「興奮しながら同時に冷静でいる」ことができるという。

つまり個人的体験ではなく、集団が持つ大きな衝動なのだ。狭く取ればバンドという小集団を指しているのかもしれないし、広く取れば1971年という時代の雰囲気を捉えていると言えるかもしれない。さらに広く取れば、気づかないけれどわれわれ皆が持っている原初的な衝動を述べているとも言える。

動き続け上昇し続ける波。その衝動の背後にあるのは何なのか？最後の一行はその答えとして訳した。それは「desire to reach upwards（上昇し続けようとする欲求）」。「reach upwards」は手をギリギリまで伸ばして、少しでも高みへと届こうとする様子であろう。

クラシカルな曲調と相まって、高みへ向う崇高な精神をも思わせる内容だ。著作物からの引用だとしても、この部分を選んで曲にしたことは、この2ndアルバム制作当時の、まさに新しい音楽を作らんとする意欲と情熱に、見事に合致した内容だったからに他ならないだろう。静かな曲調ながら、バンドの意欲と自信を感じさせる曲である。

「風の唄」セバスチャン・ハーディー

2010-07-18T20:25:00.003+09:00

原題：Windchase / Sebastian Hardie

■Windchase（ウインドチェイス）収録

「愛の疾風」

愛の疾風

あなたの心に寄り添っておくれ

愛の疾風

あなたの心を寄り添っておくれ

日々があなたを落ち込ませませんように

周りを見回せば道はあるものだよ

立ち上がるために、決して落ち込まないで

道を見つけるんだ、周りを見回すんだ

愛の疾風

苦しみに耐えることはもう決して辛いことではない

僕はあなたの愛を僕の心に感じている

あなたの目が僕に近づく時

僕はいつだって自由なんだということがわかるんだ

日々や年月が過ぎ去るにつれ

僕らはしばしば泣くこともあるだろう

でも僕らが離れていても一緒にいても

僕らの愛は変わることはないんだよ

苦しみに耐えることはもう決して辛いことではない

僕はあなたの愛を僕の心に感じている

あなたの目が僕に近づく時

僕はいつだって自由なんだということがわかるんだ

The windchase of love

Follow your heart

The windchase of love

Follow your heart

Don't let days get you down

There are ways if you look around

To get up, don't get down

Find a way, look around

The windchase of love

No longer hard to carry on

I feel your love is in my heart

And when your eyes close next to me

I know I'm always feeling free

And as the days and years go by

I know that we will often cry

When we're apart or we're together

Our love will be always

No longer hard to carry on

I feel your love is in my heart

And when your eyes close next to me

I know I'm always feeling free

【メモ】

オーストラリアの伝説的プログレッシヴ・ロック・バンド、セバスチャン・ハーディーの名作1stアルバム「フォー・モーメンツ（哀愁の南十字星）／Four Moments」に次ぐ、1976年のこれまた名作2ndアルバム「風の唄／Windchase」。その20分に渡るアルバムタイトル曲である。

まずタイトルの「windchase」であるが、これは英単語としては存在しない。セバスチャン・ハーディー、というか作詞のマリオ・ミーロ（Mario Milo）の造語だと思われる。「chase」は「追跡」という意味があるので、「相手（恋人）を追い求める風」のようなイメージか。「追跡」という狩猟にも使われる言葉なので、その素早さから「疾風」と訳をつけてみた。

さてこの「風の唄」は、1stアルバムのタイトル曲「フォー・モーメンツ」同様に、LP片面を使った大作である。しかし歌詞を比べると、「フォー・モーメンツ」のサイケデリックなイメージを感じさせる抽象的で展開のある詩とは異なる。むしろサウンド同様にゆったりと包み込むような音の美しさに寄り添うような、シンプルでストレートな歌詞である。

歌詞の内容は、「僕」と「あなた」との変わることのない愛を信じて生きていこうとする、力強い自信に満ちたものだ。

「あなたへの愛しき思いよ、風のようにあなたを追いかけ、あなたの心に付いていっておくれ／付き添っておくれ」という、「僕」の「あなた」への強い愛が繰り返し宣言される。それが全てなのだ。

「Don't let days get you down」は命令文である。「僕」が「日々があなたを落ち込ませないようにしなさい」と言っている。ではそれを命令している相手は誰か。おそらくそれが「あなたに寄り添っている愛の疾風」であろう。例え「僕」が傍らにいなくても、常にそばにいて愛の力で元気づけるんだと「windchase of love」に思いを託している。

「あなた」の愛を知った「僕」はもう生きていく力と自由を感じている。だからこれから先、悲しいことがあっても、「僕たち」は愛で支え合って生きていくことができる。そばにいてもいなくてもそれは変わらない。

まさに愛の唄である。その分1stにあった抽象的な歌詞ゆえの幻想性やイメージの広がりはなくなったが、20分をかけてこのシンプルな歌うということで、1stにはなかった人間的な温かさを曲世界に加えていると言える。

しかしマリオ・ミーロの声は良い声である。このスケール感豊かな音楽に見事にマッチしている。文字通り愛にあふれた名曲である。

「地下鉄スーの詩」パブロフス・ドッグ

2010-07-04T20:24:00.016+09:00

原題：Theme from Subway Sue

■「Pampered Menial」
（禁じられた掟）収録

山々を見てごらん
その川のたもとから出発しよう
君のいる場所から二度出発するんだ
だっていつかそのうち　僕らは川のたもとから出発するんだもの
そして君には二度と会うことはないだろう

僕が行く道は示さないよう鳥に伝えて下さい
葉には道を覆い隠すよう言って下さい
僕らは皆に金貨をあげよう
あぁだって金貨なんて何も特別な物じゃないから
皆に道を隠すよう言って下さい

やがてそのうち
僕らは行く先がわかるだろう
やがてそのうち
僕らは道を知る
そしてもし僕への君の愛が消えてしまうなら
僕は君には二度と会うことはないだろう

長い道のり
とても、とても、とても長い道のり
とても、とても、とても長い道のり
僕はがんばっているんだ

君が僕のものになるよう願い続けているんだよ

朝に僕を戻して下さい

彼女が僕に声をかけてくれていた朝に
僕を以前の春へと戻しておくれ
あぁ僕を戻してくれないか
僕は気にしないよ
君の春には僕がいないとしても
そうしたら僕は二度と君には会わないだろう

やがてそのうち
僕らは行く先がとこかがわかるだろう
やがてそのうち
僕らは道を知る
そしてもし僕への君の愛が消えてしまうなら
僕は君には二度と会うことはないだろう
決して二度と

彼女はそういう女（そういう女だ）
僕に何も残してくれなかった女だ（何も残してくれなかった）
彼女はそういう女（そんな女性）
僕は何もない（僕は何もない）
僕は去る…すぐに去る
僕は去る
何も残さずに

僕は何も得なかった
何も
僕は何も得なかった
まったく何も
僕には今も何も残されていないんだ
まったく何も

Watch the mountains
And take off down the river
Take off twice from where you are
Cause someday soon we'll take off down the river
And I'll see nothing of you at all

Tell the birds not to show which way I'm going
And tell the leaves to try and hide the way
We'll give 'em gold
Oh cause gold is nothing special
Tell 'em all to try and hide the way

And someday soon
We'll find out where we're going
And someday soon
We'll find the way
And if the love that you have for me is going
Well I'll see nothing of you at all

And it's a long road
A very, very, very long road
A very, very, very long road
And I'm doing fine
And I'm wishing you were mine

Take me back to morning
Morning's when she calls me
And take me back to days of prior springs
Oooh will you take me back
And I don't care
Oh your springtimes don't possess me
And I'll see nothing of you at all again

And someday soon
We'll find out where we're going
And someday soon
We'll find the way
Well if the love that you have for me is going
Well I'll see nothing of you at all
Nothing at all

She's a woman (She's a woman)
That left me nothing at all (Left me nothing at all)
She's a woman (Such a lady)
I have nothing at all (I have nothing at all)
Well I'm leaving...I leave soon
Well I'm leaving
Nothing at all

And I got nothing
Nothing at all
I have nothing
Nothing at all
I've got nothing
Nothing at all

【メモ】

アメリカのバンド、パブロフス・ドッグの1976年のデビューアルバム「禁じられた掟（The Pampered Manial」からの一曲。LPではB面1曲目にあたる印象的な歌である。

他の曲同様、タイトな演奏、独特で強烈なボーカル、そしてコンパクトで密度の濃い楽曲が光る、魅力溢れる1曲だ。

歌詞は「僕」が「君」に対して「僕」や「僕ら」のことを語りかける前半と、距離を置いて「彼女」と呼びかける終盤に別れる。前半では「僕」は「君」との旅立とうとする。「二度」の旅立ちを。

今君がいる場所、つまり現在の二人の関係から、山々を流れる川のふもとへと行こうとする。二人の関係を見つめ直す、短い二人だけの旅。そしてその川のふもとで僕らは、おそらく二度と会うことのない別々な旅へと出発するのだ。

二人の関係を見直す旅は、僕が君に「さよなら」を言うための旅なのだきっと。だから僕の行く道、つまり僕の思いは鳥や木の葉が隠しておくれと、僕は「君」に語りかける。すでに僕の思いや二人の終わりを「君」に伝えているのだ。

そんな予感、あるいは確信を抱きながらも、僕は君を自分のものにするために全力を尽くしてきた。そのための長い長い道のりを歩き続けようとしてきたのだ。かつての記憶の中で輝いている君との朝、君との春の日々を思い出しながら。例えその時の君の中に「僕」の思いでがなかったとしても。あぁ泣ける。

そして「君の僕への愛が消えてしまったら／僕は君には二度と会うことはないだろう」という言葉が、執拗に繰り返される。僕にはもうわかっているのだ。愛は終わろうとしていることが。そしてやがてそのうち僕らが別々の道を歩み始めることが。

そしてラスト。「君」は「彼女」になる。実はその前に「Morning's when she calls me」という表現で一度だけ「she」が出てきているが。そこではお願いしている相手が「君」ではなく、運命のようなもの、あるいは神に対してなのかもしれない。第2連の呼びかけも同様か。

そして今の君を「彼女」と言い出すのは、このラスト部分からである。「彼女は女性だ」と訳を切るのは実は不適当であり、「She's a woman / That left me nothing at all」と、次の行に関係代名詞で続く文章の前半なのだ。ただ改行していることもあり敢えて「彼女はそんな女性だ」と訳した上で、再度「何も残してくれなかった女（ひと）だ」と繰り返して訳した。

もうここでは「僕」は、それぞれの道を歩もうというような、強がりを言うこともできなくなっている。そこにあるのは絶望であり、泣き言のように「nothing」を繰り返すだけの姿である。このラストの変貌、隠し切れない自分を吐露する、場面の大きな展開がドラマティックである。まさに名曲。

さてここで思い切った別の解釈も加えておきたい。それは「君」と「彼女」が別人と解釈するというものだ。

「僕たち」は別れに向って進み出している。僕は今でも「君」が僕のものになることを願っている。しかし別れは確信に近い。二人の間の亀裂を決定的にしたのは別の女性である「彼女」であった。だから「彼女が僕に声をかけた朝」まで時間を戻し、そこから始まった過ちを消し去りたいと僕は思っているのだ。

そう考えると、ラストの「彼女」へ対する恨み言に近い嘆きは、「君」へ向けたものではなく、「君」を失う原因となった別の女性のことを言っていると解釈できる。「あの女とつき合っても、結局僕には何ものこらなかったんだ。」という自戒の叫びである。

おそらく「僕」は「君」を裏切った。だから今また一緒にいる「僕ら」ではあるが、すぐ先に別れが待ち受けていることはわかっているのだ。そんな「僕」のどうしようもない思いを綴った歌。どうであろうか。これもこの詩のもう一つの世界かもしれない。

ちなみにタイトルの「Theme from Subway Sue」であるが、邦題は「地下鉄スーの詩」と訳されている。「地下鉄スーのテーマ」ということだが、ではこの「地下鉄スー」とは何か？あるいは誰か？

実は何でもない、誰でもないというのが正解である。「Pavlov's Dog - Band Information」によると、この詩をボーカルのDavid Surkampが歌っているのをヴァイオリンのSiegfried Caverが聞いていて、「someday soon」（サムデイ・スーン）を「subway Sue」（サブウェイ・スー）と聞き間違えたんだとか。彼は「And Subway Sue will find out where we're going」と歌詞を理解していて、Sueという女性が登場する詩だと思っていたらしい。彼は言ったそうな、「スーって誰なんだい？どうして『僕ら』についてくるんだい？」と。

しかし詩のタイトルとしては「Subway Sue」が残った。シャレのつもりでこの聞き違えをそのままタイトルにしたのだろうが、一旦タイトルになったからには、そこから新しい物語が始まってしまう。シャレだとわかっていても、「僕」の好きになった相手が「Subway Sue」じゃないかという想像が膨らむのだ。由来を知っていなければなおさらであるし、知っていても、ひとつの独立した曲としてそういうイメージを持ち始める。

地下鉄のスー。「subway」には「地下道」という意味もあるから、浮浪児あるいは浮浪者のように、人目を避け地下鉄の坑道や地下道で暮らしている貧しい女性の姿か。僕もそうした人間の一人かもしれない。そしてバンドの出身はアメリカ中部のミズーリ州セントルイスであるにも関わらず、ニューヨークの地下道に暮らす若者の恋を描いた、アメリカ的なイメージが重ねられるのである。

そういう意味では、不思議なタイトルが結果的に曲のイメージをさらに広げることになった曲でもある。

「終焉」マンダラバンド

2010-06-23T11:32:00.016+09:00

原題：Determination / Mandalaband

■Mandalaband（曼荼羅組曲）収録

「決断」

僕らは迫撃弾と戦車でこの楽園に突入した

解放のために
再教育せんがために
侵攻し略奪し寺院を焼き払った
僕らは彼らが未開であると告げられていた
僕らは我らの掲げる理想を以て彼らを助け
彼らに自由を与えなければならないのだ
でも今回は人々はすでに自由を得ていたんじゃないのか

僕らは告げられていた誰もが少なくとも三人の混血児の父親にならねばならぬと
そして我らの文化を得てその恩恵にあずかれるように
人々に我らが遥かに優れていることを見せつけねばならぬのだと
そしてまた最終的にはさらにより良い存在となれるよう
我らは互いに平和に暮らして行けるだろうと
でもこの事が終わってから僕は自分自身とうまくやっていけるのだろうか

自分たちよりも下の粗野な人たちと暮らしてきた
この古代アジアの地の賢者たち
おそらく彼らはなぜ我々が生を受けたかの真の理由を知っているのだ
狂気の沙汰の中で耐えること
主張から初めて変革へ導くこと
耐えることこそが
心の平安を取り戻す道の第一の目標なのだ

しかし結局さらに文明化が進むようにと
我らの爆撃や犯罪は繰り返し行なわれる
ヒマラヤの壁と高地に守られ
緩やかな斜面の下へと導かれ
神の化身を無視して
僕らが持ち込むのは文化を消滅させるという攻撃手段のみ
決断の時だ
決断の時だ

We marched into this paradise with mortar bombs and tanks

Liberation

Furthering and pillaging

Burning temples for re-education

We're told that they're primitive

We're helping with our cause

We must free them

But I'm not so sure that this time the people weren't already free

We're told that every man among us must father at least three half-caste children

To win and merit all our culture

Show the people we are far superior

That finally to betterhood

And ourselves will live in peace with one another

But I'm not so sure that after this I can live with me

The wise men of this ancient Asia

Living with things rather bare beneath them

Probably because they know already the real reason why we live

To suffer in insanities

To start enforcement to the revolution

To suffer is the first cause

Of the road to recover peace of mind

But after all the bombing and the crime around us have recapitulation

To be able to rise again

Protected by the Himalayan wall and highs

And guided down the graded incline

And pass by the living incarnation

We have one weapon of the culture's last

Determination

【メモ】
1976年の英国の有名な音楽雑誌メロディー・メーカーに「日本でのみ売れた（成功した）マンダラバンド」という見出しの記事が載ったという（1992年発売の国内CD用ライナーノートより）。確かに英国プログレッシヴ・ロックの勢いが衰える中、LP片面に20分以上の大曲一曲を配したこのアルバムは、もはやイギリス人の心を掴むには遅過ぎた登場であったのかもしれない。

加えてその大曲がチベット語で歌われ、アルバムのコンセプトが1950年代の中国のチベット侵攻をテーマにしたものであることが、このアルバムを一層手を出しづらい存在にしてしまったとも想像できる。まして無名バンドのデビューアルバムである。

しかしその内容の素晴らしさを思えば、「イエスが、リックウェイクマンが幾年を費やして築した帝国を、この恐るべき天才集団は、わずか3日で制覇した。」という、当時のLPの帯に書かれたアオリ文句も、良くぞ書いてくれましたと思わずにはいられない。このアルバムを歴史から消え去ることなく残したのは、まさにこのアオリに反応して本アルバムを手にした日本のリスナーだと言えるからだ。

しかしまたそれが可能になったのは、歌詞に重きを置かずサウンド面の素晴らしさに集中できた日本だったからという見方もできなくはない。イギリス人にとってイギリスのロックバンドなのに英語ではなくチベット語で歌っているアルバムなど、理解不可能なものだったろう。

「曼荼羅組曲」と邦題がつけられた大曲は、チベット語による歌詞であり、その内容はチベットの古い経文であると言われるが、内容はわからない。ただLPB面に配されていた4曲はどれも英語による歌詞がつけられ、テーマに沿って違う立場から事件を見つめる内容になっている。

さてその一曲目となるのがこの「Determination」である。この曲はチベットに侵攻する側の人間の視点で書かれている。しかし最初の行で「僕らは迫撃弾と戦車でこの楽園に侵攻した」と、「楽園」という言葉を使っていることから明らかなように、侵攻する側の国（我ら）の論理と、その一員としてその場にいる話者（僕）の心情は、同一ではない。これがこの曲の大きなテーマである。

侵攻・侵略する「僕ら」は、「未開の人々に、より優れた我らの文明への道を開くことで、より大きな自由と解放と平和を与える」という大義を叩き込まれている。 half-casteとは「混血児」のことであるが、特にヨーロッパ人とアジア人、アメリカインディアン、黒人などとの混血のことで、イギリスでは比較的一般的に使われるが、オーストラリアやアメリカでは避けられる表現のようだ。「三人の混血児の父親になる」の「三人」とは、アジア人、アメリカインディアン、そしてアフリカ系黒人を指すとも取れそうである。

チベット侵攻は中国が行なったわけだが、「僕」はそういう意味では“イギリス人／ヨーロッパ人”的であり、それがまた「中国のチベット侵攻」を超え、「文明化」の大義の下でイギリスあるいは西欧人が行なってきた他国への侵略・侵攻をもダブらせる効果を上げている。

僕の苦悩は、自分たちの行動の正当性への疑問である。彼らは本当に未開人で劣った存在なのか、むしろ彼らはすでに自由を得ていたのではないか。そこは武器を必要とせずに賢者が辛抱強く真理を説くことによって変革を進めている「楽園」なのではなかったか。そうした1個の文化を、「僕ら」は今「我ら」の勝手な論理で消滅させようとしているのではないかと。

それは楽園としての日本の村里を滅ぼす「ラスト・サムライ」や、パンドラに軍事侵攻する「アバター」などに繰り返し描かれる、欧米人のトラウマ的苦悩なのかもしれない。

そこでタイトルの「Determination」である。「決意／決心／決断」などの意味を持つこの言葉をどう訳すか。歌詞の最後を飾る言葉でもあり重要な意味を持つと思われる。1992年の日本盤CDの訳詞には

「我々は一つの文化の存命に拘る一発の爆弾を所有している／そんなものを無くしてしまうのを決心するのだ／そんなものを無くしてしまうのを決心するのだ」

と訳されている。命令への反抗の決断を迫る終わり方である。

しかし現実にチベット侵攻は行なわれたという事実を思い、「I'm not sure...（自信が持てないんだが…）」という表現を見る時、わたしは、矛盾に気づき行動を起こそうと自分に迫るラストよりも、揺れている自分の心に、何らかの決断を下さなければいけないという、ギリギリの選択に身を引き裂かれている「僕」の姿を見るのだ。

結論は出ていない。でも出さなければならない。それはもしかすると「大義を受け入れろ」ということになるかもしれない。矛盾を感じ問題を抱えながら、現実に自分はどうするのか。それが実際に現場で事に当たっている者の苦悩ではないかと思うのだ。

歌詞全体に関しては、いくつか記載ミスがあるようで、太字部分は曲を聴いた上で直した。また「betterhood」という言葉は存在しないが、「-hood」で、性質・状態・身分・境遇または特定の人々の集団を表す名詞を作る（例：childhood, likelihood.）ということから、「よりよい存在」と訳した。

勇ましく突進するような、5拍子のキレの良いアンサンブルで始まりながら、内省するような歌詞に合わせるようにスローな4拍子へとリズムチェンジする構成も素晴らしい。

このアルバムは、サウンド的にも強烈な唯一無二な作品であるが、歌詞の面でも非常に特異な存在感を示すものだと言えるだろう。

ProgLyrics（プログレッシヴ・ロック名詞選）

「アウトバーン」クラフトワーク

「エミリーの歌」ムーディー・ブルース

「ツァラトゥストラ組曲」ムゼオ・ローゼンバッハ

「タルカス」エマーソン、レイク＆パーマー

「アフターグロー」ジェネシス

「cansona」オザンナ

「トゥ・ビー・オーヴァー」イエス

「Kung Bore」アングラガルド

「キャリング・ノー・クロス」U.K.

「ラヴァーズ・エンド パートI」ムーン・サファリ

「イン・ザ・ミスト・オブ・モーニング」ノルダガスト

「翼のある友」グリーンスレイド

「ドッグ」ピンク・フロイド

「スタグネーション」ジェネシス

「タイム・トゥ・アンダースタンド」アニマ・ムンディ

「レミングス」ヴァン・ダー・グラフ・ジェネレーター

「冥府宮からの脱出」グロープシュニット

「ほんの少しだけ（人生は川のようなもの）」P.F.M.

「安息の鎮魂曲（R.I.P）」バンコ

「フューチャー・デイズ」カン

「ザ・シネマ・ショウ」ジェネシス

「再び赤い悪夢」キング・クリムゾン

「ナイト・アフター・ナイト」U.K.

「ムーヴィング・ウェイヴズ」フォーカス

「風の唄」セバスチャン・ハーディー

「地下鉄スーの詩」パブロフス・ドッグ

「終焉」マンダラバンド

「ラヴァーズ・エンドパートI」ムーン・サファリ